Agenda de Arte, Exposições e Eventos Culturais

Qual a diferença entre ver uma obra de arte e participar dela? A pergunta orienta “Uma Obra: Pintura sem fim”, nova edição do projeto convida crianças, famílias e visitantes de diferentes idades a construir coletivamente uma pintura em constante transformação.

Criado em 2021, o projeto “Uma Obra” investiga diferentes formas de aproximação entre público e arte, explorando as múltiplas interpretações, conexões e experiências que podem surgir a partir de uma única obra de arte. Em suas duas primeiras edições, apresentou trabalhos do acervo da Pinacoteca. Agora, pela primeira vez, o projeto dá origem a uma obra inédita, concebida especialmente para essa mostra. Desenvolvido pela Área de Ação Educativa em parceria com a Área de Pesquisa e Curadoria da Pinacoteca, o projeto evidencia um modelo de trabalho cada vez mais presente na instituição, que aproxima processos educativos e curatoriais desde a concepção das exposições.

A nova edição surge em diálogo com “Para Crianças: experiências com arte desde 1968”, em cartaz na Pina Contemporânea  de maio até 18 de outubro de 2026, e integra um movimento mais amplo da instituição de aprofundar suas ações voltadas à infância. A proposta parte da percepção de que crianças pequenas ainda encontram diferentes barreiras de acesso aos espaços museológicos e busca criar experiências que dialoguem com suas formas de descobrir, explorar e se relacionar com o mundo.

Para desenvolver o projeto, o museu convidou Gui Teixeira, artista que investiga as relações entre arte e pedagogia, brincadeira, participação e criação coletiva. Em sua produção, o público é frequentemente convidado a construir, reorganizar e transformar elementos da própria obra, tornando-se parte ativa da experiência artística.

O resultado desse encontro é “Pintura sem fim”. Na instalação, uma grande parede revestida por carpete recebe centenas de peças de feltro colorido que podem ser livremente manipuladas pelos visitantes. Ao combinar formas, cores e tamanhos diversos, o público cria figuras, paisagens, personagens, composições abstratas ou aquilo que sua imaginação permitir.

Como sugere o próprio título, a obra nunca alcança uma forma definitiva. Cada nova intervenção transforma aquilo que foi construído anteriormente, fazendo do trabalho um processo contínuo de invenção compartilhada. Mais do que observar uma obra pronta, os visitantes são convidados a participar de sua construção.

Embora pensada a partir das experiências da primeira infância, a instalação foi concebida para acolher públicos de diferentes idades e incentivar encontros entre crianças, jovens e adultos.

“Uma Obra: Pintura sem fim” é correalizada pelo Instituto Tecendo Infâncias.

Serviço
Exposição | Uma Obra: Pintura sem fim
De 4 de julho a 31 de janeiro de 2028
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h). Sábados e segundos domingos do mês gratuitos.

Serviço
Exposição | Solange Pessoa: outras escalas. Desenhos, filmes e instalação
De 4 de agosto a 1º de novembro
Terça a sábado, das 11h às 20h; domingos e feriados, das 11h às 19h
Pisos 1, -1 e -2

Serviço
Exposição | Diário do Olivier: 20 anos descobrindo o Brasil
De 16 de setembro e 06 de dezembro
Quarta a sexta-feira, das 12h às 20h, e aos sábados, domingos e feriados, das 10h às 21h.

A artista plástica paulistana Claudia Marchetti retoma a pintura com O Vaso de Ojuara, exposição que reúne 12 trabalhos inéditos no programa Zip’Up, que ocupa o andar superior da Zipper Galeria, a partir de 8 de outubro. O texto de apresentação é assinado pela crítica e jornalista Paula Alzugaray.

A relação da artista com o litoral norte começou ainda na infância, quando frequentava São Sebastião, área que na época tinha forte presença da Mata Atlântica, antes das mudanças provocadas pela crise ambiental e pela especulação imobiliária, que impactaram as comunidades caiçaras e ribeirinhas. Anos mais tarde, na pandemia, voltou a viver ali e permaneceu durante dois anos. Foi nesse período que a pintura tomou mais intensidade em sua produção.

Inspirada também pela experiência como escritora, Marchetti criou Ojuara, menina caiçara que reúne histórias de seu povo e das transformações do território. Cercada por cobras, jarros, ovos e peixes, a personagem incorpora elementos de seu imaginário e de sua vivência, que a artista leva para a pintura. Como observa Paula Alzugaray no texto de apresentação da mostra, “a ficção inspira a renovação de sua atividade artística e a pintura ressurge como matriz de um propósito maior que o pessoal, o de conectar-se a um meio ambiente e uma causa social junto às comunidades tradicionais ameaçadas”.

É nesse contexto que surge Mar de Lama (2026), uma das obras da exposição. Nela, Marchetti retrata as transformações que testemunhou no litoral norte de São Paulo após as chuvas de 2023, que provocaram deslizamentos e alteraram a paisagem da região. A pintura registra visualmente o acontecimento e as marcas que ali permaneceram.

O vaso que dá título à mostra nasce dessa mesma pesquisa. Para Marchetti, a imagem remete ao útero, ao que contém e gera, e conversa com os elementos que aparecem em suas telas. São formas que aparecem de maneira recorrente e se relacionam com a natureza e com referências culturais encontradas pelo território.

Ao incorporar essas questões mais recentes, o conjunto apresentado na galeria, mantém ao mesmo tempo, uma ligação direta com a pintura que Claudia desenvolvia antes de se afastar de sua prática pictórica. A figuração de formas simples e esquemáticas continua presente, agora atravessada pelo repertório que marca sua criação. Há, assim, uma continuidade visível entre os trabalhos de duas décadas atrás e aqueles que marcam sua retomada.

Esse vínculo com o lugar também se estende ao trabalho que Marchetti desenvolve junto à comunidade local. Parte da renda obtida com a venda das obras da exposição será destinada ao Instituto Verdescola, organização sem fins lucrativos que atua em São Sebastião na formação de crianças e jovens, onde Claudia faz trabalho voluntário com oficinas de artes visuais.

Como galerista, tem cerca de 40 anos de atuação no campo da arte. Formada pela Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP) e mestre em Artes Visuais pela Goldsmiths College, em Londres, participou de diversas exposições em que conheceu e popularizou no Brasil obras de alguns ícones da arte contemporânea, como Sarah Morris, Ai Weiwei e Ian Davenport. Mais tarde, fundou a ArteEdições, projeto voltado à ampliação e democratização do acesso ao mercado de arte contemporânea.

A artista lançou Ojuara – A Chuva na Mata Atlântica na ArtRio 2026, pelo selo Celeste. Escrito e ilustrado por Claudia, o livro infantil amplia para a literatura o imaginário que desenvolve em suas pinturas, retomando a personagem e os elementos que marcam sua trajetória.

Serviço
Exposição | O Vaso de Ojuara
De 08 de outubro a 18 de dezembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h, sábados, das 11h às 17h

Da contemporaneidade que abriga a criatividade e maestria de Nuno Ramos em consonância com o interesse em produzir obras que ressignificam materiais de Marcos Amaro, nasce a mostra A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro, no Museu FAMA, em Itu, São Paulo. Donos de um estética ousada e estilos inconfundíveis, os artistas dialogam nessa mostra com obras que permeiam suas histórias, reveladas na Sala Almeida Jr., no Setor 5.

Trata-se de um diálogo entre criações de diferentes períodos de Nuno e outras que são parte da construção da trajetória de Amaro, “trajetória essa que atravessa e ecoa a dele em muitos aspectos”, nas palavras de Marcos. Nuno Ramos é artista plástico, compositor, dramaturgo, escritor e ensaísta, e há mais de 30 anos trabalha com sobreposição de materiais, que vão de vaselina à cera de abelha, até pigmentos, tinta a óleo, tecidos, plásticos e metais. “O que mais me toca é a pintura, a organização dos materiais e a forma como eles se apresentam ao mundo”, revela Amaro. “Nuno é, para mim, um dos grandes artistas da contemporaneidade. Embora eu pertença a uma geração posterior à sua — como costuma acontecer — foi justamente seu trabalho que abriu caminhos e possibilidades de expansão de linguagem para a minha geração e para a minha própria prática artística”, completa Marcos.

E com base nessa admiração a mostra traz dezenas de obras de ambos os artistas, inclusive, em relação aos trabalhos de Nuno, algumas são parte do acervo pessoal de Amaro que além de empresário e fundador do Museu FAMA, é colecionador. Enquanto artista plástico, Marcos Amaro é conhecido por um estilo peculiar que mistura estética industrial com toques de afeto e nas quais revela seu profundo interesse pela matéria, conferindo-lhes novos sentidos e narrativas.

“A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro” apresenta obras de grandes dimensões, tridimensionais e que se destacam por sua espacialidade e volumetria. Para além da complexidade de execução e plasticidade que as envolvem, as obras que compõem a mostra se conectam diretamente com a generosa escala dos galpões do Museu e ficam em cartaz até 1 de novembro de 2027.

Serviço
Exposição | Leva tempo, mas vai dar tempo
De 14 de março a 01 de novembro
Quartas-feiras, e de sexta a domingo, das 11h às 17h

A primeira exposição institucional de Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, apresenta a obra deste artista que se dedicou à representação de cenas de guerras e conflitos sociais, de ritos da umbanda e paisagens rurais, e cuja vida reflete diversos aspectos da modernidade no país.

A mostra Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio reúne mais de 50 pinturas realizadas entre as décadas de 1950 e 1960, em conjunto de trabalhos que demonstram o interesse de Leal pelas contradições que estruturaram o processo de modernização do Rio de Janeiro.

Paulo Pedro Leal passou anos vendendo suas obras no Passeio Público, no centro do Rio de Janeiro. O artista se identificava como “pintor espiritual” e viveu às margens do circuito institucional da arte brasileira do século 20, até que em 1953 o marchand e galerista Jean Boghici passou a comercializar seus trabalhos. Sua produção artística inclui pintura histórica, paisagem,  natureza-morta, cenas de macumba e a vida urbana no Rio de Janeiro, realizada a partir da observação do mundo ao redor e do contato com reproduções em livros e periódicos.

A exposição começa com obras que evidenciam o interesse de PPL pelos gêneros da pintura ocidental, Afogamento de mendigos (1965) Naufrágio (1953) ainda que o artista os tenha aprendido fora dos circuitos institucionais. Na galeria, há trabalhos sobre naufrágios – grande interesse do artista, que foi estivador – e batalhas navais inspiradas em eventos da Primeira Grande Guerra.

Podem ser vistas ainda naturezas-mortas e uma série de paisagens, fruto da observação do avanço do subúrbio sobre o campo. Podem ser vistas obras como Batalha Naval/Bombardeio de um porto (1966), A casa do Capitão (1950) e Casal com frutas (sem data).

Em seguida, cenários de conflitos no Rio de Janeiro estão representados nas cenas de brigas de bar e assassinatos, que exploram o contraste de classe e questões raciais. Em destaque estão as obras Cirurgia moderna (1953), Crime no hotel (1965) – obra doada ao acervo do museu – e Afogamento dos mendigos (1965), que faz de Leal o único artista a retratar o maior escândalo público de violência de Estado pré-ditadura militar. Em 1963, sob o truculento governo de Carlos Lacerda, Jornais cariocas expuseram fotografias do Serviço de Repressão à Mendicância atirando pessoas em situação de rua no rio Guandu, em um episódio que ficou conhecido como “Operação Mata-Mendigos”.

Na terceira e última sala, estão presentes obras de cunho erótico, produto da observação de PPL da atividade dos bordéis da cidade. Além disso, podem ser vistas representações de festas profanas e religiosas, imagens sincréticas e macumbas, onde aparece seu notável esforço descritivo no intuito de explicar todos os componentes desse rito do qual foi sacerdote, como nas obras Candomblé (sem data) e Alegorias religiosas (sem data).

Serviço
Exposição | Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio
De 11 de abril a 08 de novembro
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)

Beatriz Milhazes, grande nome da arte brasileira, é conhecida por seu trabalho que alia rigor geométrico a uma atmosfera sempre festiva, fruto de sua paleta exuberante. Arte têxtil, chita, bordado, tecelagem tipicamente brasileira e grafismos indígenas são referências das quais ela se alimenta, transformando tudo isso em uma linguagem própria.

“Gravuras do acervo da Pinacoteca de São Paulo” reúne pela primeira vez um conjunto de 27 gravuras produzidas entre 1996 e 2019, resultado da colaboração de Beatriz com Jean-Paul Rusell, fundador da Durham Press — estúdio de edição de gravuras, livros de artista e obras únicas sediado na Pensilvânia, Estados Unidos.

A Pinacoteca é o único museu do mundo que possui esse conjunto de trabalhos.

Complexidade e beleza

Visitantes poderão apreciar obras de múltiplas cores, estampas florais formando portais, guirlandas e ramos frondosos; as gravuras de Beatriz desenvolvidas ao lado de Jean-Paul Rusell.

A produção da artista é marcada por uma linguagem de complexidade e beleza, e pela coerência no modo como consegue transitar entre diferentes técnicas, partindo sempre da pintura até chegar nas gravuras.

Em suas obras aparecem também formas sinuosas, discos, mandalas e colares de contas, incrementando a tradição geométrica brasileira. Na exposição é possível também perceber o modo como Milhazes monta e remonta as formas, as cores e os espaços aparentemente vazios, como os que aparecem em O pato (1996) e Noite de verão (2006).

Serviço
Exposição | Gravuras do acervo da Pinacoteca de São Paulo
De 16 de maio a 14 de março de 2027
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h), sábados e segundos domingos do mês gratuitos

O MAC USP apresenta a exposição Beijo de Língua, individual do artista Nelson Felix (Rio de janeiro, 1954), trazendo dezenas de obras, entre esculturas (algumas de grande porte), desenhos, fotografias e um vídeo. A curadoria é de Fernanda Pitta, docente do MAC USP. A ideia da exposição nasceu em 1978, quando Nelson Felix, visitando a região andina, percebeu uma coincidência entre as línguas Aimara (falada na região) e o Aramaico (da tradição semítica, do oriente médio): escritas em espanhol elas se tornam palíndromos (Aemara e Aramea). Felix passou a carregar esse pensamento por décadas, até encontrar em Beijo de Língua, a forma para materializá-la como uma das maiores exposições já realizadas pelo artista. “É uma exposição de esculturas, principalmente”, diz Nelson.

No núcleo central da mostra, Felix apresenta três esculturas criadas a partir de chapas de mármore. Escultura para Homero, Escultura para Santa Teresa e Escultura para Bertrand articulam três campos centrais em seu trabalho: sacrifício, tolerância e amor. O artista escolheu textos de três autores – Bertrand Russel, Homero e Santa Teresa D’Ávila, e alguns trechos são escritos nas línguas Aimara e Aramaico nas chapas de mármore, criando uma superfície rendada na pedra. Beijo de Língua tem três esculturas, formadas por duas chapas de mármore cada uma. As duas chapas, coladas, têm o mesmo texto, em duas versões: de um lado em Aimara e do outro, em Aramaico.

– Colo estas duas chapas com os textos, aliás, é a primeira vez que uso cola em meu trabalho. Aqui a cola é material tão importante como o próprio mármore, ou o bronze ou mesmo os elementos vegetais que uso. Assim, nos caracteres, surgem vazamentos mútuos, as línguas se tocam, é para mim, um beijo – afirma o artista.

“As superfícies se tocam, mas mantêm intervalos onde os idiomas não coincidem. A cola evidencia a operação que sustenta a união sem eliminar a diferença. O texto passa a atuar como matéria, inscrita e articulada na estrutura da obra”, observa a curadora Fernanda Pitta.

Já Carta de amor, trabalho apresentado em 2022 em forma contínua, como um projeto, agora ganha duas novas versões, escultóricas: Pétala e Caule. As obras apresentam diversos materiais: mármore, bronze, ferro, cabo de aço, cacto e fio de seda. As séries de desenhos revelam diferentes facetas do trabalho de Felix, com referências de obras anteriores, e estudos do trabalho atual. Na série 7 noites vazias e 21 dias como 21 anos (2024) podemos ver um mesmo gesto, feito com bastão de óleo, que nunca é igual a si mesmo. A obra gráfica Tartaruga de Homero (2024), série com três trabalhos, traz referências do verso de Homero (Hino Homérico a Hermes), em que Hermes mata uma tartaruga e cria a primeira cítara. Para Felix, na criação deste instrumento, acontece o nascimento da música.

Para a curadora da exposição, “a partir do movimento de retomada e rearticulação contínua de ideias, materiais e procedimentos, as obras de Nelson Felix deixam de operar de forma isolada e passam a constituir um conjunto de relações, formando um conjunto aberto, em que as obras se relacionam por aproximações e distâncias, entre línguas e sistemas de pensamento, como o Aramaico e o Aimara, eixo central da exposição.”

Exposição | Beijo de Língua
De 30 de maio a 20 de novembro
Terça a domingo das 10 às 21 horas

No Japão, existe uma cultura cromática única – conhecida como Nihon no dentōshoku (“cores tradicionais do Japão”, em tradução livre) – e dentre essas cores, o branco envolve a sensibilidade dos japoneses, refletindo diversas percepções evocadas no imaginário como paz, purificação, leveza, silêncio e até precisão. É esta cor que assume o papel de fio condutor da exposição “Shiro: uma escala de nuances” (shiro significa “branco”, em tradução do japonês), que estreia no dia 2 de junho na Japan House São Paulo (JHSP). A mostra inédita segue em cartaz no andar térreo da instituição até 25 de outubro, com entrada gratuita.

Com curadoria da diretora cultural da instituição, Natasha Barzaghi Geenen, a mostra introduz diversas tonalidades da ​cor ​branca no Japão, passando por quatro elementos: papel, seda, neve e sal, revelando as suas relações com a cultura japonesa. A inspiração para o recorte veio da leitura da obra “O País das Neves” (1948), de Yasunari Kawabata, durante o Clube de Leitura JHSP + Quatro Cinco Um em junho do ano passado, que descreve as vastas paisagens brancas do norte do país e o processo de alvejamento de um tecido na neve. “Shiro não é fruto de um conceito​ específico​, tem uma inspiração poética e abstrata. O branco, enquanto junção de todas as demais cores, serve aqui como ponto de partida simbólico para pensar como o Japão carrega tantas nuances e sutilezas, como é um país de muitas gamas, que podem passar despercebidas, mas não para o povo japonês, cujo olhar é apurado até para essas mínimas diferenças do branco”, afirma Natasha.

Dividida em quatro grandes núcleos temáticos correspondentes a cada elemento, a expografia convida os visitantes a um mergulho pelas nuances simbólicas da cor. Logo na entrada, uma tabela cromática com uma seleção de 19 tons de branco catalogados no Japão representa as diversas nuances que uma única cor pode ter, a partir das centenas de cores tradicionais do Japão.

No núcleo de Papel, a instalação “Poem of life”, da artista Ayumi Shibata, é feita de inúmeras folhas de papel cortadas como na técnica de kiri-ê e amarradas entre si, simbolizando o desejo da artista pela paz e harmonia do mundo. A obra de aproximadamente três metros de altura também trabalha a relação do papel com luz e sombra a partir de um espelho em sua base. Neste núcleo, o público também poderá conhecer o processo de produção do Kurotani Washi (papel japonês tradicional feito à mão), desde a colheita dos ramos de Kōzo (amoreira) – base para a fabricação deste elemento – até sua finalização. Amostras de três tipos de fibras que dão origem ao washi: Kōzo, Mitsumata e Gampi também estarão em exibição.

Para o núcleo de Seda,​​ a artista Kaoru Hirano apresenta uma obra produzida especialmente para a exposição. Conhecida por desconstruir peças de roupa em suas criações, Hirano escolheu trabalhar com um juban branco de seda (peça de vestuário tradicional japonesa usada por baixo do quimono), de sua avó paterna, falecida em 2018, para criar uma espécie de teia suspensa na instalação “untitled-grandmother”. A delicada obra site-specific de quase 4 metros de diâmetro reflete sobre memória afetiva e os laços construídos (e desconstruídos) dentro dessa relação familiar. Amostras de casulos do bicho-da-seda, fios e tecido da província japonesa de Gunma, referência na produção de seda, também serão apresentados neste núcleo, acompanhados por uma breve introdução em vídeo dessa confecção no Japão.

Já o núcleo Neve, aborda as paisagens do Norte do Japão, com seus invernos rigorosos, que evocam uma sensação de branco infinito, como descrito no livro de Kawabata. Para representar essa vastidão, foram selecionadas três fotografias de Land Art (intervenções feitas diretamente na paisagem natural), do artista Tomohiro Kajiyama, além de um vídeo demonstrando o processo de criação. Nesses trabalhos, é possível ver como o artista compreende a paisagem tomada pela neve como uma tela em branco, para ir caminhando instintivamente sobre ela com um par de pequenos esquis, guiado apenas pelas imagens em sua mente sem o uso de ferramentas de medição. Desse processo, resultam quilômetros de linhas que formam desenhos complexos, possíveis de serem contemplados em sua magnitude apenas do alto. Efêmeras, as “Snow Art” de Kajiyama costumam ocupar áreas de aproximadamente 100m² cada. “Suas criações ocorrem desde antes do amanhecer, no silêncio congelante, enquanto o céu começa a mudar de cor e continuam pela tarde, às vezes estendendo-se por vários dias. Segundo o artista, cada passo que ele dá para compactar a neve representa sua filosofia de esculpir a própria vida com uma mentalidade positiva, mesmo diante das adversidades”, explica a curadora.

A neve é um elemento tão presente no dia a dia do Japão, que os japoneses até desenvolveram um glossário dedicado a descrever suas diversas formas – seja a neve fina que parece pó, seja a neve macia que se assemelha a um mochi (bolinho de arroz glutinoso).

Assim como a neve, o sal também é especial no dia a dia dos japoneses. Embora o Japão seja um país cercado por mar, o seu ambiente não é propício à produção de sal. Por isso, desde tempos antigos, a produção de sal é feita por um método que consiste em duas etapas: a concentração da água do mar em salinas, e o processo de evaporação por meio da fervura. Esse método permanece em prática até hoje, mesmo que a produção seja feita majoritariamente de forma industrializada. Além de ser utilizado como tempero e conservante, o sal também é um objeto ritualístico na tradição xintoísta. A prática popular de criar pequenos montes de sal e deixá-los perto das entradas das casas, estabelecimentos ou santuários, como forma de atrair boa sorte e afastar os maus espíritos é chamada de morishio ou morijio. Dentre as inúmeras variações de sais encontradas no mundo, a mostra apresenta cinco tipos, originários de diversas regiões do Japão, evidenciando suas diferentes características e granulações.

A exposição também integra o programa JHSP Acessível, oferecendo WebApp com conteúdos acessíveis e textos traduzidos em inglês, espanhol e japonês, bem como recursos táteis, audiodescrição e vídeos em Libras para proporcionar acessibilidade a todos os visitantes.

Exposição | Shiro: uma escala de nuances
De 02 de junho a 25 de outubro
Terça a sexta, das 10h às 18h; sábados, domingos e feriados, das 10h às 19h

Desde os primeiros retratos de colonizadores europeus no século XVI, a paisagem brasileira foi deliberadamente apresentada ao mundo por um olhar estrangeiro que instituiu um imaginário exótico sobre o país que perdura até os dias de hoje. Do Éden intocado de exuberância infinita ao território selvagem a ser domesticado, a perspectiva colonial reduziu as subjetividades de uma nação tão complexa, miscigenada e de tamanho continental, cuja história antecede em muito a invasão portuguesa.

A mostra coletiva Brasil em Camadas, contudo, propõe romper com essa tradição de distanciamento, partindo de um ponto de vista situado no território em questão e descartando a paisagem-espetáculo. Um Brasil observado por quem o habita, com suas dores e conflitos, mas também com seus prazeres, afetos e imaginações.

O percurso começa justamente com o gênero que mais contribuiu para a formação desse imaginário exotizado: a paisagem. Nas telas de Miguel Chiquitano, o tema remete à tradição que fascinou os viajantes europeus durante o período colonial, mas a densidade da vegetação, o detalhamento das folhagens e atenção às cores, denunciam que a composição só poderia ser construída a partir da convivência próxima com a floresta, vínculo que dificilmente se daria de um olhar de fora. Suas pinturas eliminam a linha do horizonte, e sem ele. E sem horizonte, não há distância: a contemplação é conduzida para dentro da mata, para o emaranhado de raízes e sombras.

A revisão decolonial segue na obra “Mundus Hodiernus”, de Camille Kachani, na qual o artista reconstrói um mapa múndi, inspirado pelo contato com um do século XVII que representava o chamado “mundo moderno”. Os vastos oceanos azuis são compostos por cordas náuticas, miçangas e fragmentos de azulejos encontrados em antiquários de Lisboa, alguns datados de cerca de 1750. Por meio desses materiais, Kachani revisita os processos de colonização, pondo em questão a ideia de “história oficial” e revelando como a cartografia participou da construção de narrativas que organizaram e hierarquizaram o mundo.

Nas fotografias de João Castilho, a cor ocre-avermelhada, próxima da ferrugem e do minério, afasta a flora brasileira do exotismo tropical vendido no imaginário exterior. Já a escultura de Marco Tulio Resende, composta por madeira e barro de diferentes municípios mineiros, evidencia as potencialidades discursivas das matérias, que são carregadas de trabalho e memória.

Adiante, as fotografias da série “Cabanagem”, de André Penteado, trazem à superfície conflitos históricos brasileiros pouco populares. O título remete à Revolta da Cabanagem (1835-1840), que ocorreu na Província do Grão-Pará, uma das rebeliões mais violentas da história do país, quando populações negras, indígenas e ribeirinhas se levantaram contra domínio econômico dos portugueses na região amazônica, que persistiu mesmo após a independência do Brasil. Após os revolucionários matarem o governador da província e tomarem o poder por um ano, o movimento foi violentamente reprimido pelo governo imperial, resultando em mais de 30 mil mortes. Apesar de seu perfil popular e de sua escala, a sua história é virtualmente desconhecida no Brasil. Ao visitar igrejas coloniais em áreas amazônicas que testemunharam parte dos conflitos, o artista encontrou um santo envolto em papel pardo e outro com a face desfigurada, que deram origem aos registros.

A camada do conflito reaparece em chave mais recente na xerografia “Sufoco” (1979), de Mario Ramiro, realizada quando o país ainda vivia sob os efeitos da ditadura militar. Pioneiro do uso de impressões xerográficas e logo depois integrante do coletivo 3NÓS3, Ramiro registra um corpo comprimido contra a superfície da máquina, num gesto em que a precariedade técnica do meio se faz medida do cerceamento político. A imagem multiplicada em série inscreve na própria reprodução a sensação de asfixia que dá título ao trabalho.

No presente, a construção do território avança para o espaço urbano nas pinturas de Ian Salamente. Em um contexto em que as periferias brasileiras são fetichizadas, o artista as toma como pretexto para composições marcadas pelo afeto. Inspirados por familiares, amigos e vizinhos, os personagens que habitam suas pinturas aparecem em gestos cotidianos de cuidado e convivência. O pequeno monte de sal ao fundo faz referência à cidade natal do artista, Cabo Frio, cuja história foi construída pela produção de sal, atividade central da economia local por gerações.

Essa atenção ao Brasil habitado se prolonga nas pinturas de Rodrigo Cunha, que recolhe o país na escala do cotidiano e do interior doméstico. Em telas de tonalidades rebaixadas, figuras solitárias surpreendidas em poses contidas dividem o quadro com paisagens emolduradas dentro da própria pintura, de modo que a vista ampla, quando comparece, já está reduzida à condição de imagem pendurada na parede.

Outras obras da exposição levam a paisagem para o campo da fabulação. Em suas composições digitais, Marcelo Tinoco parte da fotografia para reinventar tais cenários naturais por meio de cores intensificadas, contornos acentuados e intervenções que misturam realidade e fantasia. Nas pinturas de Felipe Góes, pinceladas expressivas e paletas vibrantes criam paisagens de “não-lugares”, que fazem da natureza uma experiência sensorial. Já Flávia Junqueira constrói suas instalações justamente em lugares associados ao imaginário turístico brasileiro, como o Parque Nacional dos Lençóis Maranhenses ou o Jardim Botânico do Rio de Janeiro, grandes “cartões-postais” do Brasil, mas deslocados em uma dimensão lúdica com seus icônicos balões e cataventos.

Por fim, a fotografia de Rodrigo Braga projeta a paisagem para um horizonte mítico. Nascido na região amazônica, o artista desenvolve há mais de vinte e cinco anos uma pesquisa sobre as relações entre os seres vivos e o ambiente que os circunda. Na imagem, o ovo, figura arquetípica associada ao nascimento e à transformação, aparece como metáfora de um tempo presente em combustão, marcado por tensões e urgências, mas ainda capaz de gestar futuros possíveis.

Em conjunto, as obras discorrem sobre como as imagens do país foram historicamente construídas e continuamente reinventadas. Se por séculos o Brasil foi servido como iguaria à fome colonial, nessa exposição os artistas reivindicam a posição de quem observa a partir de dentro. Dessa posição, emerge a densidade de um território assumido em sua própria complexidade.

Serviço
Exposição | Brasil em Camadas
De 18 Junho a 18 Dezembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h, sábados, das 11h às 17h

A Zipper Galeria apresenta Aquilo Que Não Cabe, primeira ocupação do salão principal por Jessica Costa, com curadoria de Carollina Lauriano. A mostra parte de uma pergunta sobre a forma, a de saber quanto volume ela pode ter antes de deixar de ser tolerada.

A trajetória de Jessica Costa começa na moda, primeiro em uma fábrica de fios e depois na confecção artesanal de roupas. O ensino dessas técnicas a levou a aprofundar a pesquisa teórica sobre o têxtil e, daí, a adotar a tapeçaria como linguagem. Dessa formação permanece o corpo como medida, de modo que a figura humana segue organizando seu imaginário mesmo após a migração para as artes visuais.

A exposição nasceu de uma visita da curadora ao ateliê da artista, onde se encontrava sua primeira escultura. A conversa em torno do volume e da forma arredondada daquela peça resultou na proposta que orienta a mostra: pensar a redução.

Curadora e artista compartilham também um passado na moda, campo que, para Lauriano, se apresenta como espaço de expressão da individualidade ao mesmo tempo em que carrega valores opressivos, evidentes para quem está fora do “padrão”. A moda funciona, assim, como porta de entrada para uma pesquisa poética que alcança a vigilância do corpo em escala social mais ampla.

Entre as séries que integram a exposição, destaca-se o conjunto de quatro esculturas de tapeçaria sobre pedestais. De formas abstratas que guardam a observação do corpo, as peças diminuem em gradação, e a redução se faz parte por parte, com cada segmento da estrutura tratado como um membro que perde circunferência. O procedimento vem da modelagem de vestuário, em que graduar tamanhos é rotina. Sobre os pedestais, as esculturas ultrapassam a escala humana e convocam a estatuária greco-romana, referência de monumentalidade afastada do cotidiano. A lã aproxima o que o mármore mantém à distância.

A lógica da série surgiu do próprio fazer, já que cada peça toma como referência a anterior, sequência que a artista associou às fotografias de emagrecimento que circulam nas redes sociais.

“Durante a confecção de cada escultura, minha referência é sempre a forma anterior. Isso me remeteu às imagens de antes e depois que acompanham os processos de emagrecimento, em que uma fotografia é colocada ao lado da outra”, diz Jessica Costa.

Nas três tapeçarias emolduradas, a moldura reaparece como figura da contenção. Se na série Sobejos a tapeçaria já escapava pelas laterais do retângulo, aqui o avanço se torna tridimensional e se projeta para fora do plano. As obras partilham a mesma composição cromática, enquanto o desenho varia em ganho e perda de volume.

Voluptuosa encerra o percurso com quatro esculturas de parede que nascem de um quadrado e crescem para fora dele. O ponto de partida é a lingerie, peça do vestuário que dá contorno ao corpo. A artista trabalhou com espuma expansiva e pressionou o material, ainda maleável, com tiras de sutiã, de modo que a forma escapasse pelos intervalos das marcações.

Reunidas, as obras tratam da vigilância da forma num momento em que o debate público sobre o corpo feminino passa pelos medicamentos para emagrecer e pelo uso que a sociedade faz desse recurso. A exposição desloca o assunto para o campo estético, onde a forma é percebida antes de ser julgada, e a tapeçaria responde a ele com volume e demora.

“Esta exposição trata da forma que ocupa o espaço e de como ela é percebida no campo estético. Desloco uma questão profunda, a vigilância dos corpos, para a minha linguagem e faço essa reflexão por meio da tapeçaria”, afirma a artista.

Essa demora tem medida concreta no ateliê. Cada obra soma cerca de doze etapas manuais, das quais a tapeçaria é a última e a única que chega ao olhar do público. O que se vê é a superfície de um processo longo, que dá ao volume o tempo de se formar. Na leitura da curadoria, é desse modo que o conjunto procura saídas para as “armadilhas do padrão”, ao conceder à forma o espaço que a norma lhe recusa.

Serviço
Exposição | Aquilo que não cabe
De 08 de outubro a 18 de dezembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h, sábados, das 11h às 17h

O Museu do Ipiranga apresenta a exposição inédita Liberdade: bairro plural. A mostra propõe um novo olhar sobre um dos bairros mais conhecidos de São Paulo e convida o público a refletir sobre O que é um bairro? O que é um bairro étnico? E o que torna um bairro plural?

Ao longo de mais de dois séculos, a região foi ocupada e transformada por diferentes grupos sociais e étnicos, tornando-se um território marcado por encontros, trocas culturais, permanências, deslocamentos e disputas de memória.

Com curadoria dos historiadores Paulo Garcez Marins, Mônica Raisa Schpun, Aline Montenegro Magalhães, Francisco Andrade e David Ribeiro, a exposição está organizada em três módulos e apresenta a Liberdade como um território em constante transformação.

Durante a visita mediada, o público é convidado a percorrer a exposição com educadores do Museu, aprofundando temas, contextos históricos e questões apresentadas pela mostra.

Serviço
Exposição | Liberdade: bairro plural
De 7 de julho a 31 de janeiro
Terça a domingo, das 10h às 17h
Duração: 1 hora

A exposição Com Amor, Alcione celebra a trajetória extraordinária de uma das maiores artistas da música brasileira. Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, Alcione consolidou uma obra grandiosa que atravessa gerações e ocupa um lugar singular na cultura do país.

Idealizada e produzida pelo Centro Cultural Vale Maranhão (CCVM), a exposição chega ao Museu das Favelas em sua primeira itinerância, reunindo mais de 650 itens do acervo pessoal de Alcione — entre fotografias raras, vídeos, prêmios, figurinos e objetos marcantes. Com Amor, Alcione convida o público a percorrer momentos da trajetória artística e biográfica da cantora, percorrendo temas como família, fé, carnaval, migração e identidades negra e nordestina, evidenciando como a trajetória de Alcione dialoga com experiências coletivas e processos históricos que constituem a cultura brasileira.

Serviço
Exposição | Com Amor, Alcione
De 10 de julho a 06 de dezembro
Terça a domingo, das 10h às 17h, com permanência até as 18h

Serviço
Exposição | Jogos de Contaminação
De 18 de julho a 31 de outubro
Terça a domingo, das 11h às 17h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição coletiva “Rajada encarnada”, como parte de seu II Ciclo Expositivo do ano. Com curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, a coletiva reúne trabalhos de Ana Prata, Anderson Borba, Maria Andrade, Pedro França e Rodrigo Andrade.

A mostra propõe uma reflexão sobre procedimentos e operações que constituem a prática artística e a obra de arte, destacando diferentes linguagens, modos de construção e materialidades que reverberam intensidades. No texto crítico, Thais Rivitti aponta que não cabe formular uma ideia geral ou um endereçamento conceitual capaz de dar conta do conjunto apresentado, uma vez que a exposição convida o público a observar de perto como os artistas trabalham e constroem sua pesquisa ao longo do tempo.

“Deixar um pouco de lado as referências circunstanciais que cada trabalho inevitavelmente guarda e atentar para seus modos de construção. Acompanhar o olhar, deslizando entre as obras, percorrendo superfícies, enroscando em emaranhados nodosos, dando de cara com materialidades mais duras e opacas, oscilando junto às vibrações mais frenéticas. Assim, é possível ver os trabalhos conversando entre si”, descreve a crítica de arte e curadora.

A exposição conta com dois grandes trabalhos de Pedro França (Rio de Janeiro, 1984) que partem de um suporte fragmentado, composto pela colagem de pedaços menores de papel. Sua estratégia de construção é a do acúmulo, na qual os desenhos do artista, transferidos para a tela por meio da técnica da monotipia, vão se sobrepondo, criando densidade e peso pela insistência e abundância das linhas e marcas importantes do labor do artista: áreas rasgadas, sobreposições, colagens.

Nos trabalhos de Anderson Borba (Santos, 1972), em oposição ao acúmulo, a ação muitas vezes começa com a subtração de matéria, por meio do desbaste da madeira, o gesto de entalhar, perfurar e escavar. Suas esculturas também evidenciam uma atenção especial às superfícies, aproximando-se de questões da própria pintura: além do volume e peso, sua obra investiga as formas de percepção da matéria.

No campo da pintura — embora os artistas entrelaçem linguagens a todo momento — as pinturas leves e atmosféricas de Maria Andrade (São Paulo, 1967) são conduzidas pela cor. Na série escolhida para a exposição, ela instala pequenas asas de metal nos trabalhos, criando um território em suspensão que oscila entre a ideia de tornar os objetos flutuantes e presos no espaço.

Já Ana Prata (Sete Lagoas, 1980) aproxima-se do mundo cotidiano — com fragmentos da arquitetura, revestimentos, móveis e objetos domésticos — para deslocar suas condições habituais e ampliar não somente sua presença no campo visual, mas também a condição de isolamento dos objetos no vazio. Também utilizando o mundo como um repertório plástico, Rodrigo Andrade (São Paulo, 1962) dá atenção à tinta como matéria. Em sua longa trajetória no campo da pintura, a tinta se torna um material quase escultórico, com densidade e peso, criando superfícies ásperas ou lisas, que se apresentam de formas diferentes ao espectador.

Além da coletiva, o II Ciclo Expositivo inclui as individuais “Política da superfície”, de Ana Raylander Mártis dos Anjos (Gabinete) e “Mitologias do mistério”, de Omep (Projeto 280X1020). Para o curador Claudio Cretti, “este ciclo propõe tensionar as dimensões constitutivas da prática artística contemporânea, ampliando as possibilidades de leitura do mundo e evidenciando, nessas fricções, a potência da oposição”.

Ainda no dia 25 de julho, o programa de Performances da Casa apresenta “O amor é floresta”, uma performance instalativa de Rodrigo Munhoz a.k.a. Amor Experimental em que plantas urbanas, conectadas a captadores, convertem o toque em som.

O II Ciclo Expositivo é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú, apoio de Casal Garcia e Interfood e apoio de mídia de Catraca Livre.

Serviço
Exposição | Rajada encarnada
De 25 de julho a 25 de outubro
Quarta a domingo, das 11h às 18h

Em colaboração com Cristina Tolovi e Luana Fortes, a Galeria Marília Razuk apresenta Quarto, mostra coletiva que dá continuidade a uma investigação curatorial que articula espaços domésticos e suas dimensões simbólicas e afetivas A exposição será realizada no Anexo Galeria Marilia Razuk, número 62 da Rua Jerônimo da Veiga, um espaço destinado a projetos especiais.

Partindo da ideia deste quarto como um ambiente íntimo e privado, a exposição propõe uma aproximação sensível com esse território onde o indivíduo se encontra consigo mesmo e, ocasionalmente, com o outro. As obras reunidas refletem sobre estados de solidão, relações de companhia amorosa e/ou sexual, além de explorar o universo onírico, os devaneios e as construções subjetivas que emergem nesse espaço.

Cristina Tolovi pontua: “Quarto parte de um espaço que todos conhecemos, mas que raramente pensamos: o lugar onde a subjetividade se forma. A exposição reúne obras que abordam esse território íntimo como refúgio, mas também como um campo ativo de construção, onde desejos, memórias e tensões ganham forma.”

A mostra desdobra questões já abordadas na coletiva Sala de Jantar, também realizada no Anexo Galeria Marilia Razuk, em maio de 2025, e que teve como ponto de partida o emblemático trabalho Hôtel du Pavot, Chambre 202, de Dorothea Tanning, estabelecendo conexões entre o surrealismo e suas investigações sobre o inconsciente e o espaço doméstico.

Reunindo artistas como Alan Chu, Ana Dias Batista, Ana Sant´Anna, A Transälien, Bruno Faria, Carolina Colichio, Débora Bolzsoni, Estúdio Rain, Juliana Sedó, Karola Braga, Lyz Parayzo, Marcus Deusdedit, Maria Tereza Bomfim, Mónica Heller, Patricia Faragone, Regina Vater, Rodrigo Bueno, Rose Afefé, Seba Calfuqueo e Thiago Honório, a coletiva propõe um percurso imersivo por diferentes abordagens contemporâneas que investigam a intimidade, o corpo, o desejo e os espaços de recolhimento.

“Passada a sala de jantar, uma caminhada por um corredor escuro leva até o quarto. Se, antes, procuramos dar o primeiro passo dentro da intimidade associada ao espaço doméstico, agora, damos os outros. Chegamos ao espaço que mais pode revelar sobre seu dono ou dona. Na sala de jantar, havia pequenas revelações, mas elas eram controladas, e se misturavam frequentemente a estratégias exibicionistas relativas a como alguém gostaria de ser visto”, conta Luana Fortes. Ainda segundo Luana, no quarto, há pouco espaço para estratégia. Por isso, esta exposição se aproxima sobre aspectos mais sutis do momento em que as pessoas se recolhem nos quartos onde dormem.

Quarto convida o público a atravessar um território sensível onde o privado se torna compartilhável e onde o quarto, mais do que um espaço físico, se revela como um campo de projeção subjetiva, memória e imaginação.

Serviço
Exposição | Quarto
De 09 de Maio a 08 de Agosto
Segunda a sexta, das 10h30 às 19h; sábado, das 11h às 16h

Tarsila do Amaral é uma figura central do modernismo brasileiro e um dos maiores ícones das artes visuais do país. Prestes a completar 140 anos de nascimento, a artista terá uma exposição à altura de sua trajetória: ‘O Brasil de Tarsila’ inaugura, em agosto, um novo espaço expositivo em São Paulo, o Nubank Arte Lab, o maior e mais moderno local de exposições e experiências imersivas do Brasil, com uma estrutura altamente tecnológica, sensorial e interativa.

Localizado no Conjunto Nacional, o empreendimento foi concebido pela Aventura — sob a liderança dos co-CEOs Aniela Jordan, Luiz Calainho e Giulia Jordan — e pela Deeplab Project, de Felipe Reif, com o Nubank, que assume o naming rights do espaço, com inauguração prevista para 15 de agosto.

Já ‘O Brasil de Tarsila‘ é apresentado pelo Ministério da Cultura, via Lei Federal de Incentivo à Cultura, com patrocínio master da EMS, apoio da Alelo, IRB(Re) e BNY. O projeto é uma realização da Tarsila S.A., liderada por Paola do Amaral Montenegro, e a Live Idea, de João Giani, em coprodução com a Deeplab e a Aventura.

Sobre a exposição

Ao longo de mais de dez salas, o universo visual de Tarsila será revisitado por meio de projeções monumentais de 360 graus, cenografia imersiva, trilha sonora e dispositivos interativos com direito a efeitos especiais e até aromas que vão guiar o visitante em uma jornada sensorial de grande escala por cerca de 40 obras da artista, entre pinturas icônicas, desenhos, esboços e ilustrações.

Mais do que contemplar suas obras, o público será convidado a interagir, explorar e mergulhar em ambientes que revelam suas referências, sua trajetória e o contexto artístico que marcou sua produção.

A proposta dialoga com uma linguagem contemporânea já consagrada internacionalmente por exposições imersivas dedicadas a artistas como Monet e Van Gogh, que transformaram a interação entre o público e as artes visuais. Agora, é a vez de uma artista brasileira ocupar esse espaço.

Todo o conteúdo audiovisual da mostra foi desenvolvido por artistas visuais e não por inteligência artificial, garantindo consistência estética e respeito às obras originais. A proposta é utilizar a tecnologia como meio de ampliação da experiência artística, e não como substituição da criação.

‘O Brasil de Tarsila’ busca aproximar novos públicos da arte e formar futuros visitantes de museus e apreciadores das artes visuais. A exposição foi concebida para receber famílias, despertar a curiosidade de crianças e jovens e abrir portas para pessoas que talvez nunca tenham tido contato direto com a obra de Tarsila.

A curadoria é assinada por Paola do Amaral Montenegro e Juliana Miraldi. Paola, gestora da Tarsila do Amaral S.A., atuou diretamente na construção dos enquadramentos narrativos da exposição, assegurando fidelidade à trajetória e ao legado da artista. Já Juliana Miraldi, pesquisadora e curadora de exposições imersivas, estrutura a dimensão conceitual da mostra ao integrar pesquisa acadêmica em artes visuais com as linguagens contemporâneas da arte digital.

A mostra reunirá releituras imersivas de trabalhos emblemáticos como Abaporu, Antropofagia, A Cuca, Operários e O Sono, além de outras obras importantes como São Paulo, Religiões Brasileiras, Figura só e Autorretrato (Le Manteau Rouge). Também integram o percurso desenhos e registros de viagens realizados pela artista, revelando paisagens e referências que marcaram profundamente sua produção.

‘O Brasil de Tarsila’ realizará um grande mergulho no imaginário da artista, recheado por cores vibrantes, paisagens e personagens brasileiros, convidando o público a atravessar suas formas dentro de uma experiência sensorial que conecta Arte e Tecnologia.

Serviço
Exposição | O Brasil de Tarsila
De 15 de agosto a 15 de fevereiro
Quarta a segunda e feriados, das 10h às 22h

Ingressos
De sexta a domingo e feriados – Inteira: R$ 100,00 | Meia-entrada: R$ 50,00
Segundas, quarta e quintas – Inteira: R$ 80,00 | Meia-entrada: R$ 40,00

Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Vonta de vi dada dada, uma nova exposição individual de Ernesto Neto, inaugurada simultaneamente nos espaços Barra Funda e Jardins da galeria, em São Paulo.

Reunindo um novo conjunto de instalações escultóricas, trabalhos sobre papel e intervenções textuais, a mostra amplia a investigação de longa data do artista sobre a interdependência entre corpos, materiais e sistemas vivos. Distribuídas entre os dois espaços, esculturas em crochê de algodão, cordas trançadas, bambu, aço corten e argila assumem configurações orgânicas que evocam insetos, raízes, montanhas, florestas e outras formas híbridas, propondo a escultura como um campo de relações, movimento e transformação contínuos.

No centro da exposição está uma nova série de esculturas murais que Neto denomina InsePás: estruturas tensionadas e celulares que se expandem pelas paredes, tetos e cantos da arquitetura como organismos vivos ou fluxos de energia atravessando o espaço. Desenvolvidos a partir de pesquisas anteriores sobre suspensão, equilíbrio e estruturas relacionais, esses trabalhos aprofundam a compreensão do artista da escultura como algo ativado pelo encontro, e não como forma estática. Em diálogo com eles, a exposição inclui uma escultura de grande escala em aço corten cuja estrutura ramificada evoca simultaneamente uma paisagem montanhosa e um corpo vivo sustentado por relações de equilíbrio e apoio mútuo.

Em conjunto, as obras transformam a galeria em um ecossistema permeável, mais do que em um espaço expositivo neutro. Escultura, desenho, escrita e som articulam-se como manifestações de uma visão de mundo marcada pelo pensamento cosmológico, pela interdependência ecológica e pelo conhecimento incorporado. Em vez de estabelecer separações entre natureza e cultura, ou entre arquitetura e corpo, a exposição propõe um ambiente em que formas humanas e não humanas coexistem em constante intercâmbio, reafirmando a compreensão de Neto de que a vida se sustenta por meio das relações, da reciprocidade e da vitalidade compartilhada entre todos os seres.

Serviço
Exposição | Vonta de vi dada dada
De 22 de agosto a 24 de outubro
Terça a sexta das 10h às 19h, sábado das 10h às 18h

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta O homem nu, a primeira mostra panorâmica da obra de Efrain Almeida (1964 – 2024) na galeria desde seu falecimento. Reunindo trabalhos produzidos entre 1995 e 2024, a exposição oferece uma vista ampla de sua trajetória e propõe uma leitura de sua produção a partir das relações entre corpo, espiritualidade e desejo. Nascido em Boa Viagem, Ceará, o artista desenvolveu uma obra profundamente marcada pelos materiais, pelos saberes e pelas tradições culturais da região do Cariri, transitando entre escultura, instalação, pintura, bordado e aquarela. Ao longo de quase três décadas, articulou diferentes geografias, crenças, identidades e tradições materiais por meio de uma linguagem visual na qual madeira, tecido, bronze e papel tornam-se suportes para experiências ao mesmo tempo íntimas e universais.

A exposição é centrada nas esculturas de Almeida, ao lado de aquarelas, pinturas a óleo e bordados. Entre os motivos recorrentes estão corpos e fragmentos do corpo, vestimentas, autorretratos e animais nativos do Nordeste brasileiro, especialmente aves. Em sua obra, referências ao imaginário católico convivem com a sensualidade do corpo nu, que adquire dimensões tanto eróticas quanto sagradas. Em O Outsider (2017), um autorretrato bordado surge sobre uma camisa de seda translúcida, cuja transparência e aparente leveza reforçam uma recorrente sensação de transitoriedade, onde o rosto aparece como um emblema num suporte esvoaçante.

Embora profundamente enraizada nas experiências, paisagens e tradições do interior do Ceará, a obra de Almeida nunca se restringe ao registro autobiográfico ou regional. Sua produção transforma referências locais em imagens capazes de evocar experiências universais, fazendo da memória, da espiritualidade, da fragilidade do corpo e do desejo questões compartilhadas. Essa passagem entre o íntimo e o coletivo, entre o local e o universal, encontra paralelo na própria escala de suas esculturas: executadas com notável precisão e frequentemente em pequenas dimensões, elas estabelecem uma relação expansiva com o espaço expositivo, reorganizando a percepção do ambiente e exigindo do espectador uma aproximação atenta. Uma atenção semelhante se estende às representações de animais, observadas com delicadeza e frequentemente apresentadas de modo deslocado na arquitetura. Entre elas, Lázaro (2005), escultura em madeira de um cão que estende a língua em direção à parede da galeria, faz referência à figura bíblica do mendigo cujas feridas eram lambidas apenas por cães, condensando em um único gesto dimensões de cuidado, abandono e ternura que atravessam toda a obra do artista.

A exposição se desdobra em uma ocupação na casa 29, espaço para projetos especiais da galeria Sardenberg

Serviço
Exposição | O homem nu
De 22 de agosto a 24 de outubro
Terça a sexta das 10h às 19h, sábado das 10h às 18h

Serviço
Exposição | Cantaria
De 22 de agosto a 6 de novembro
Terça a sexta, das 11h às 19h; sábado, das das 10h às 17h

Serviço
Exposição | Histórias latino-americanas
De 4 de setembro até 31 de janeiro
Terças grátis, das 10h às 20h (entrada até as 19h) com patrocínio Nubank; quarta e quinta das 10h às 18h (entrada até as 17h); sexta das 10h às 21h (entrada gratuita das 18h às 20h30 com patrocínio B3); sábado e domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h); fechado às segundas.

Serviço
Exposição | Ismael Nery: armadilha moderna
De 5 de setembro a 31 de janeiro de 2027
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h). Sábados e segundos domingos do mês gratuitos

Serviço
Exposição | Bandeira Branca
De 05 de setembro a 31 de janeiro
Quarta a segunda, das 10h às 18h

A Sala de Vídeo do edifício Pina Luz exibe a videoinstalação Urubu (2021), de Luiz Roque (Cachoeira do Sul, 1979).

Durante a pandemia do Covid-19, a cidade ficou silenciosa e muito mais vazia do que de costume. De dentro das casas, as pessoas experienciaram o confinamento e as incertezas diante de uma doença que tirou tantas vidas. Enquanto isso, um urubu voa por entre os prédios, carregando metáforas de liberdade e de morte, na videoinstalação.

Da janela do seu apartamento, no centro de São Paulo, Luiz Roque captura o filme em Super 8 e sem som. A câmera acompanha o movimento da ave, enquanto o tempo parece suspenso. Feita quase sem cortes, a edição reforça a ideia de um ciclo de vida e morte que não se conclui. O silêncio que atravessa o filme não é apenas a ausência de som, mas dita a atmosfera do tempo, anunciando a transformação de um mundo. Diante das janelas fechadas e da cidade esvaziada, o silêncio perguntar: o que resta? Será que ainda há vida lá fora?

Assim, na figura do urubu, Roque ressignifica o imaginário da morte. O que antes anunciava o fim torna-se símbolo da metamorfose, que faz emergir, para além do agouro, a própria condição da vida. 

Serviço
Exposição | Urubu
De 5 de setembro a 31 de janeiro
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h). Sábados e segundos domingos do mês gratuitos.

Intitulado Depois que tudo foi dito, o 39º Panorama da Arte Brasileira, sob a curadoria de Diane Lima, questiona para onde a produção artística tem transbordado na busca por ampliar os limites da representação estética por meio de um exercício radical de imaginação. O partido curatorial examina de que modo a reviravolta epistemológica das últimas décadas — impulsionada pelas demandas por reparação racial e pelas conquistas das políticas afirmativas — reconfigurou a arte brasileira, a ponto de estas não apenas inscreverem os debates raciais no campo da linguagem e da estética, como também serem expressivamente influenciadas e expandidas por eles. Tal formulação destaca a vocação deste Panorama como uma plataforma de pensamento crítico que especula sobre o futuro, ao mesmo tempo em que cria uma experiência histórica de lugar: onde estamos, onde chegamos e para onde queremos ir, além de tudo o que já foi dito, feito, visto, escrito e imaginado

Inspirado no título e questão filosófica formulada por Denise Ferreira da Silva, uma das principais teóricas feministas negras da contemporaneidade, a exposição convida a imaginar “se seria possível lançar mão de uma sensibilidade que presuma e antecipe o que está além de tudo o que foi dito e feito sobre a violência colonial e racial, e o trabalho que elas realizam para o capital global”. A partir deste diálogo com a filósofa, Diane Lima desenvolve um projeto que, ao “ler a arte como confronto”, reflete sobre como os artistas têm performado em seus procedimentos poéticos e composicionais, exercícios radicais de imaginação e experimentação, que evidenciam um movimento contínuo e coletivo de liberação. A exposição busca complexificar o regime racial estético e, portanto, a própria definição de arte brasileira: aquilo que sabemos sobre ela, seu passado, nossos modos de olhá-la, descrevê-la e, sobretudo, as práticas artísticas das próximas gerações.

Serviço
Exposição | Depois que Tudo Foi Dito
De 12 de Setembro a 24 de janeiro
Terça a sexta, das 9h às 20h sábado, das 10h às 20h, domingo e feriados, das 10h às 18h

Serviço
Exposição | Desculpe, Rafael
De 12 de setembro a 24 de outubro
Terça a Sexta, das 10h às 19h; sábado, das 10h às 18h

Serviço
Exposição | Cavalinhas e Falésias
De 12 de setembro a 3 de novembro
Segunda a sexta, das 10h30 às 19h; sábado, das 11h às 16h

Serviço
Exposição | Festival Internacional Sino-Brasileiro
De 18 de setembro a 22 de novembro
Terça-feira, Quarta-feira, Quinta-feira, Sexta-feira, Sábado, Domingo das 10:00h às 18:00h

Serviço
Exposição | Quanto mais desejo
De 19 de setembro a 7 de fevereiro
Terça a domingo e feriados (exceto segundas), das 10h às 20h

Serviço
Instalação | House of avaf
De 19 de setembro a 14 de fevereiro
Terça, quinta, sexta e sábado, das 10h às 19h; quarta e domingo, das 10h às 15h

Serviço
Exposição | Que afeto é esse
De 23 de setembro ao dia 25 de outubro
Segunda à sexta, das 11h às 19h

Serviço
Exposição | Lava-Olhos de Emergência
De 26 de setembro a 07 de novembro
Terça a sexta, das 10h às 19h; sábado, das 10h às 17h

Serviço
Exposição | Alicerces
De 26 de setembro a  12 de outubro – 2ª Fase, de 17 a 30 de outubro
Segunda a sexta, das 10h às 19h; sábado, domingo e feriado, das 10h às 16h

Serviço
Exposição | nome ar
De 1º de outubro a 14 de novembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h; Sábado, das 10h às 17h

A Sardenberg tem a satisfação de apresentar Entrar na Roda, segunda exposição individual de Janina McQuoid na galeria. O título evoca as brincadeiras infantis de roda, o gesto de integrar uma dinâmica coletiva e a roda como mecanismo de movimento. Participar, mover-se e encontrar apoio se entrelaçam nas obras, nas quais sustentar um corpo constitui uma ação central. Figuras, rodas e volumes envolvidos experimentam maneiras de ocupar o espaço e permanecer. Como projeções de um corpo feminino e artístico, essas construções investigam um lugar no mundo. Pintar, amarrar, modelar e revestir são modos de constituí-lo, negociando seus limites e suas possibilidades de movimento.

Papel machê, madeira, alumínio, tecido, gesso, cera e fios compõem anatomias cujas articulações permanecem à vista. As superfícies guardam os gestos da fabricação em espessuras, dobras e remendos. Sobre elas, a pintura estabelece relações próprias. Uma cor reúne materiais distintos; uma pincelada atravessa um relevo; uma mancha interrompe a continuidade de uma forma. Essa elaboração cromática interfere na percepção do peso e dos contornos.

Em Varal, o rosa percorre o apoio inclinado e se expande pela estrutura superior, articulando elementos projetados em diversas direções. Conforme o ponto de vista, o conjunto se concentra ou se abre. Em Roda gigante, acentos vermelhos pontuam o círculo escuro, enquanto pinceladas claras e passagens azuladas e ocres introduzem variações nos volumes. A pintura acompanha a modelagem e oferece outros percursos ao olhar, distribuindo o giro sugerido pela roda em ritmos e intervalos.

Macabéa torna especialmente sensível a transformação da escultura pelo deslocamento do observador. De perfil, quase se reduz a uma linha sinuosa; de frente, abre-se numa trama que deixa o espaço passar. Conhecê-la exige tempo, percorrer suas faces e rever aquilo que parecia definido. O título evoca a personagem de A hora da estrela, de Clarice Lispector, e a questão de como uma vida encontra lugar e reconhecimento. A aproximação com as figuras alongadas de Alberto Giacometti passa pela intensidade humana que poucos elementos podem adquirir. Em Janina, essa presença se constitui também nos vazios.

Artista/mãe reúne criação e movimento numa bicicleta que avança sobre tubos de tinta. As rodas desiguais encontram um terreno feito dos materiais do trabalho artístico. A pintura está na superfície da escultura e no chão que ela precisa atravessar. Para avançar, esse corpo precisa encontrar apoio e equilíbrio sobre os próprios materiais de trabalho.

As reflexões da historiadora da arte feminista Griselda Pollock sobre a subjetividade feminina e materna ajudam a pensar esse corpo a partir das relações que o constituem. Em Artista/mãe, o vínculo entre mãe e filho pode ser pensado na distribuição dos apoios, na necessidade de ajustar o próprio movimento à presença de outro. Criar e sustentar uma vida envolvem tempos que se cruzam e transformam as condições do trabalho. Essa experiência adquire uma dimensão escultórica na negociação entre pesos, distâncias e espaços compartilhados.

A inteligência construtiva da brincadeira aproxima essas obras do circo de Alexander Calder, cujos personagens e aparelhos fazem do equilíbrio um acontecimento. Em Janina, rodas e estruturas inclinadas convidam a imaginar o que essas figuras poderiam fazer. A aparência de improvisação torna sensível o trabalho de ajustar as partes e encontrar uma posição possível. Já as figuras atravessadas por fios de Germaine Richier, como Le Diabolo, permitem pensar como a anatomia se prolonga nas linhas que ligam suas extremidades. O corpo ocupa o espaço também por aquilo que mantém separado e conectado.

Os procedimentos de envolver e ligar encontram uma interlocução em Eva Hesse. Em Janina, enrolar produz espessura, e as amarrações registram o tempo dedicado a reunir as partes. Essas operações guardam uma ambivalência. Um nó sustenta e comprime; um revestimento protege e oculta. Em Borda, o ocre aproxima massa, amarrações e base, enquanto áreas verdes e acinzentadas perturbam essa unidade. Seu volume evoca O enigma de Isidore Ducasse, de Man Ray. A pintura participa desse enigma, tornando incertos os limites entre as matérias e a identidade daquilo que vemos.

Entrar na Roda faz da sustentação uma experiência física, perceptiva e relacional. Cada ligação permite uma postura e estabelece um limite. Entre o impulso de avançar e o esforço de permanecer, Janina dá forma às condições de uma existência que precisa continuamente compor seu espaço e seu tempo com os de outros.

Serviço
Exposição | Entrar na Roda
De 03 de outubro a 07 de novembro
Terça a sexta, das 10h às 18h; Sábados, das 11h às 17h

A Sardenberg tem o prazer de apresentar Estranha Natureza, de Adriana Coppio. Plantas, insetos, construções e figuras humanas oferecem a proximidade de um mundo conhecido. Aos poucos, as formas admitem outras leituras. Um tronco sugere um corpo, um inseto se confunde com um galho, uma reunião de crianças adquire a gravidade de uma aparição. O reconhecimento abre uma pergunta. “Estranha” designa tanto aquilo que vemos quanto o movimento de um olhar que começa a rever suas certezas.

Nas pinturas em acrílica de Coppio, a cor participa dessa dúvida. Amarelos e ocres aproximam matérias distintas, verdes se adensam nas sombras, rosas ganham intensidade junto aos azuis. A luz parece emergir do fundo da tela ou concentrar-se numa superfície, conferindo-lhe uma presença inesperada. O olhar acompanha essas relações, descobre semelhanças e depois as desfaz. Uma planta pode sugerir alguém sem deixar de ser planta. A imagem sustenta ambas as percepções.

Em Exuberância em Azul, o azul ocupa grande parte da tela e altera a escala perceptiva do vaso. O recipiente alaranjado e as flores rosas avançam contra esse campo, enquanto diagonais escuras o atravessam. Os galhos e suas sombras oferecem configurações diferentes de um mesmo organismo. A intensidade cromática confere à planta uma presença que encontra ressonância no protagonismo do vegetal em Tarsila do Amaral. Coppio preserva as irregularidades e texturas do crescimento, fazendo a cor conviver com a observação minuciosa da matéria.

Em Florida, os tons quentes do vaso, do tronco e do piso estabelecem continuidades, interrompidas pelos claros da parede. Ao fundo, uma flor esculpida encontra sua contraparte na planta viva. A repetição do motivo aproxima ornamento e organismo, mas seus tempos divergem. Uma forma foi fixada na arquitetura; a outra permanece sujeita ao crescimento. Na base avolumada da rosa-do-deserto, podemos reconhecer membros ou um corpo recolhido. Essa anatomia possível aproxima a pintura das continuidades entre corpo e natureza exploradas por Maria Martins. Em Coppio, a metamorfose permanece suspensa no olhar, que pode reconhecer uma figura humana e voltar a perceber a planta.

Sua toxicidade acrescenta uma tensão à cena. Cultivada pela beleza, ela participa da intimidade doméstica sem se tornar inteiramente inofensiva. O vaso acomoda essa convivência entre atração e risco. Também a flor esculpida merece atenção, pois a pintura dá espessura ao que facilmente seria percebido como simples decoração. Diante dela, podemos perguntar quanto de nosso julgamento já estava decidido ao classificarmos alguma coisa como ornamental. O olhar chega às imagens com valores aprendidos, que elas podem colocar em questão.

Em Anjos, os claros dos trajes aproximam as crianças numa forma coletiva, enquanto os rostos preservam diferenças e expressões particulares. As asas permitem reconhecer uma encenação religiosa. A frontalidade e a quietude, porém, emprestam ao grupo a solenidade de uma aparição. Esse encontro entre infância, intimidade e imagem sagrada permite uma aproximação com Farnese de Andrade, em cujos objetos bonecos e referências devocionais adquirem uma presença inquietante. A afinidade se estende aos insetos pintados por Coppio, cujas configurações sugerem máscaras ou rostos. Entre a criança vestida de anjo e o inseto que parece devolver nosso olhar, a pintura mantém aberta a dúvida sobre o que constitui uma presença.

A infância comparece na possibilidade de experimentar outra identidade, de vestir uma imagem e oferecer-se ao olhar dos outros. Há uma afinidade com os livros de histórias, nos quais o extraordinário pode surgir dentro de um ambiente familiar. O inquietante se insinua nessa proximidade.

Em Hierofania, os ocres aproximam o tronco e a construção, tornando difícil estabelecer onde termina uma matéria e começa a outra. A copa se abre em verdes e amarelos contra o céu. A árvore que brota da igreja parece participar de sua arquitetura, ao mesmo tempo que a transforma. O título orienta nossa atenção para uma manifestação do sagrado; a pintura mantém em aberto seu lugar. Ele pode estar no edifício, no crescimento vegetal ou na relação que nosso olhar estabelece entre ambos.

Num presente que solicita identificação e resposta imediatas, essas pinturas prolongam o intervalo entre ver e decidir. Sua pertinência está na experiência de perceber que a primeira identificação permanece insuficiente e que precisamos voltar à imagem. A cor nos aproxima, uma semelhança nos detém, um detalhe modifica o conjunto. Em Estranha Natureza, a familiaridade não encerra o encontro. Quanto mais olhamos, mais percebemos o que ainda escapa.

Serviço
Exposição | Estranha Natureza
De 26 de outubro a 26 de novembro
Terça a sexta, das 10h às 18h; Sábados, das 11h às 17h

A artista Gabriela Sacchetto apresenta a exposição “Na Vizinhança das Coisas”, que reúne cerca de 30 trabalhos novos dedicados à observação da paisagem urbana. A partir de cenas encontradas em caminhadas e deslocamentos cotidianos, a artista transforma elementos aparentemente banais da cidade, como fachadas, torres, telhados e galpões, em pequenas pinturas que convidam o público a olhar com mais atenção para o entorno.

Uma característica de sua produção é o uso de tacos, rodapés e fragmentos de madeira reaproveitados como suporte. As formas, rachaduras e marcas desses materiais participam da composição das imagens, criando relações entre a paisagem representada e os vestígios de uso presentes na própria madeira.

A exposição também apresenta trabalhos realizados durante uma residência artística na Dinamarca, onde Gabriela encontrou outras condições de luz e paisagem. Enquanto as pinturas inspiradas em São Paulo apresentam tons ocres e terrosos, as obras produzidas no exterior exploram brancos frios e verdes acinzentados.

Ao reunir esses diferentes registros, “Na Vizinhança das Coisas” propõe uma reflexão sobre as maneiras de perceber e habitar os espaços, valorizando detalhes da cidade que frequentemente passam despercebidos.

Serviço
Exposição | Na Vizinhança das Coisas
De 3 de outubro a 14 de novembro
Terça-feira a sábado, das 11h às 17h

Serviço
Exposição | Estrutura do Imaginário
De 03 de outubro a 10 fevereiro
Das 14h às 18h

Bárbara Banida e Emer Freire inauguram apresentam a exposição “Mecanosfera”, com curadoria de Lucas Dilacerda, na Claraboia. Realizada em parceria com a Cave, a mostra discute o pós-humanismo e o vitalismo material através de instalações, cerâmicas, pinturas, esculturas e sons.

O título parte do conceito de mecanosfera, desenvolvido pelos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari, que compreende o mundo como um conjunto de agenciamentos maquínicos, biológicos, tecnológicos, sociais e naturais. Nessa perspectiva, o humano deixa de ocupar uma posição central e a realidade passa a ser entendida como uma rede de conexões na qual não há separação rígida entre tecnologia e natureza ou entre o biológico e o social.

“Esta exposição aproxima as poéticas de Bárbara Banida e Emer Freire por meio do erotismo material. Aqui, vemos seres híbridos, mas não é o hibridismo que nos interessa, e sim o grau zero da vida, ponto ápice do desejo, sem linguagem e sem separabilidade: o instante fulgor no infinito onde não há formas determinadas, na qual tudo que existe é, ao mesmo tempo, o mínimo de determinação e o máximo de possibilidades”, afirma Lucas Dilacerda, que assina a curadoria da exposição.

Na produção de Bárbara Banida, essa reflexão se desenvolve a partir de Erotar, planeta ficcional criado pela artista em estado de regeneração. Suas esculturas em cerâmica assumem a forma de criaturas híbridas e paisagens de geografias imaginárias, em uma pesquisa que se contrapõe aos discursos de fim do mundo e ao pessimismo ambiental.

Emer Freire, por sua vez, constrói sistemas por meio do acoplamento de elementos industriais e orgânicos. Ao reunir diferentes materialidades, sua pesquisa questiona divisões estabelecidas entre elas e investiga formas de coexistência entre matérias distintas.

A aproximação entre os dois artistas conduz a uma reflexão sobre as formas como a humanidade historicamente se relacionou com diferentes vidas no planeta e sobre o que a própria matéria pode sugerir em termos de outras relações e futuros possíveis.

“Mecanosfera acontece como dois planetas que se alinham. As poéticas de Bárbara Banida e Emer Freire se aproximam pelo espanto diante da matéria e pelo desejo de imaginar o que ela pode se tornar quando suas divisões deixam de funcionar. Se em Bárbara esse encontro acontece pelo romance, pela força erótica que faz vulcões desejarem estrelas, cometas beijarem a terra e o barro lembrar que nunca esteve separado da Natureza; em Emer ele acontece pelo terror da ficção científica, diante de máquinas, fósseis e matérias alienígenas que já não conseguimos reconhecer como naturais ou artificiais, vivas ou mortas. Bárbara olha para o cosmos e fabula mundos onde a matéria se apaixona; Emer olha para os resíduos deste mundo e constrói agenciamentos em que a matéria reaprende a viver. Uma produz mitologias de atração, o outro cria ecologias de contaminação. Mas romance e terror conduzem ao mesmo lugar: ao desconhecido que surge quando aquilo que parecia separado volta a se encontrar.”, conclui Lucas Dilacerda.

Serviço
Exposição | Mecanosfera
De 6 de outubro a 14 de novembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h; Sábado, das 11h às 15h

A exposição “Suspensa Voluta”, de Pedro Azaleia, reúne pinturas recentes do artista construídas a partir de suas caminhadas e deslocamentos pela cidade. Fachadas, ornamentos arquitetônicos, plantas e outras formas encontradas no caminho tornam-se pontos de partida para uma investigação sobre paisagem urbana, memória e passagem do tempo. Nas telas, elementos de diferentes origens se encontram e se sobrepõem, criando uma atmosfera noturna e enigmática, na qual a cidade aparece menos como cenário e mais como um território repleto de vestígios a serem observados.

Durante seus percursos por centros históricos, Azaleia volta a atenção para detalhes de edifícios antigos, muitos deles abandonados, como volutas, colunas, frisos e gradis. O artista identifica formas semelhantes também na natureza, seja nos movimentos de uma planta, no corpo de uma jiboia ou em estruturas de fungos. Essas aproximações atravessam suas pinturas, colocando lado a lado arquitetura e elementos naturais e revelando padrões visuais que parecem se repetir em contextos distintos. Em vez de representar uma natureza idealizada, o artista investiga como ela persiste e se manifesta no interior da experiência urbana.

Esse processo de observação encontra correspondência na própria construção das obras. No ateliê, Azaleia acumula diversas camadas de tinta sobre a tela e, posteriormente, rasura essa superfície com estilete, retirando matéria para fazer surgir linhas e figuras. Pintar passa, assim, tanto pela adição quanto pela subtração. A cor também ocupa um lugar central: em vez de funcionar apenas como recurso para criar luz, sombra ou volume, ela é tratada como matéria. As combinações cromáticas partem ainda de uma investigação da história da pintura e de artistas como Paul Gauguin, cujas paletas são observadas, decompostas e reconstruídas pelo artista.

A relação com a cidade também aparece na dimensão gráfica de seu trabalho. Antes da pintura, Azaleia desenvolveu uma experiência com a pichação durante seus deslocamentos de skate pelo espaço urbano. Algo dessa escrita permanece na maneira como risca e rasura as superfícies das telas. Assim como os muros acumulam inscrições, apagamentos e marcas de diferentes momentos, suas pinturas funcionam como uma espécie de palimpsesto: cada nova camada convive com rastros das anteriores. Elementos arquitetônicos e naturais surgem ainda a partir de diferentes pontos de vista, rompendo com uma perspectiva única e fazendo com que tempos, espaços e imagens coexistam sobre o mesmo plano.

Em “Suspensa Voluta”, observar uma pintura torna-se, portanto, um exercício de procurar pistas sem necessariamente encontrar uma resposta definitiva. As obras aproximam temporalidades históricas, botânicas e urbanas e transformam fragmentos encontrados pelo artista em imagens que oscilam entre reconhecimento e estranhamento. Ruínas, plantas, ornamentos, cores e inscrições formam uma espécie de labirinto visual no qual passado e presente permanecem sobrepostos. Mais do que reconstruir aquilo que desapareceu, Azaleia parece interessado nos vestígios deixados por essas transformações — pintando, como sugere o texto curatorial, como quem faz “botânica no asfalto”.

Serviço
Exposição | Suspensa Voluta
De 06 de outubro a 14 de novembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h; Sábado, das 11h às 15h

A exposição “Umbra”, de Gi Monteiro, reúne trabalhos que partem das curvas, torções e movimentos da matéria para investigar processos de transformação, nascimento e continuidade. Na pesquisa da artista, a linha reta dá lugar à dobra, entendida não apenas como forma, mas como modo de pensar aquilo que escapa à estabilidade e à precisão. Formas orgânicas, fluxos e movimentos atravessam as obras e estabelecem aproximações entre corpo, natureza e diferentes estados da matéria.

Essa investigação aparece na série “Nevoeiro”, iniciada em 2025, na qual Gi combina desenho e recorte sobre lona negra de algodão. Traços longos e curvilíneos dão origem a formas fechadas e áreas de cores sutis, quase metálicas, que emergem sobre o fundo escuro. A artista parte da própria condição do nevoeiro — matéria visível, mas difícil de apreender — para explorar relações entre presença e desaparecimento, proximidade e distância, materialidade e imaginação.

A ideia de algo que existe em estado de potência também atravessa a série “Sementes”. Nesses trabalhos, a artista se interessa pela semente como forma que contém uma vida ainda por acontecer. Já em “Recém nascida”, sua atenção se desloca para outro momento de passagem: o nascimento e o primeiro contato de um corpo com o espaço exterior. As duas séries aproximam germinação, hereditariedade, mutação e transformação, pensando a vida como um processo que não acontece de maneira linear.

As formas curvas e retorcidas que aparecem nos trabalhos reforçam essas relações. Elas podem remeter tanto às estruturas de plantas e organismos quanto à circulação do sangue, ao DNA, às ondas e às volutas da arquitetura barroca. A dança, prática que também integra o processo criativo de Gi Monteiro, acrescenta a dimensão do corpo e do movimento a essa pesquisa, na qual uma forma parece continuamente se transformar em outra.

Em “Umbra”, sementes, nevoeiros e corpos recém-nascidos se encontram justamente em momentos nos quais algo deixa de ser o que era sem ainda ter assumido uma nova forma. Sobre fundos escuros, as imagens parecem surgir gradualmente, entre aparição e desaparecimento, latência e transformação. Em vez de uma trajetória em linha reta, Gi Monteiro propõe pensar esses processos por meio de desvios, expansões, contrações e dobras, fazendo da instabilidade uma condição para o surgimento de novas formas.

Serviço
Exposição | Umbra
De 06 de outubro a 14 de novembro
Segunda a sexta, das 10h às 19h; Sábado, das 11h às 15h

“Nós, Jovens” reúne reproduções de vinte obras criadas por adolescentes que cumprem medida socioeducativa em São Paulo e por jovens em uma instituição de custódia em West Yorkshire, na Inglaterra, durante oficinas de experimentação plástica realizadas entre abril e julho de 2026.

Ao todo, foram doze oficinas realizadas simultaneamente em dois países: no Brasil, na Fundação CASA Juquiá, no bairro do Brás, e na Inglaterra, na HM Young Offender Institution Wetherby. Cada instituição contou com a participação de dez a vinte e cinco adolescentes. O ponto de partida foram as músicas favoritas dos jovens, que serviram de inspiração para a criação de imagens autorais com serigrafia, colagem e outras técnicas gráficas.

Os depoimentos que acompanham as imagens da exposição foram escritos pelos próprios artistas e acrescentam novas camadas de sentido aos trabalhos. 

Serviço
Exposição | Nós, Jovens
De 7 de outubro a 1 de junho
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h). Sábados e segundos domingos do mês gratuitos.

O Ateliê397 inaugura, em 8 de outubro, a exposição Horizontes do Solo, com trabalhos de Bárbara Banida, Cláudio Cretti e Pedro França e curadoria de Érica Burini. A mostra é fruto da primeira edição da Residência Instituto Olho d’Água (IOD’A), realizada em fevereiro de 2026, em Coronel José Dias, no Piauí. As obras investigam as relações entre o passado arqueológico, as memórias das comunidades e a vida contemporânea no território do Parque Nacional Serra da Capivara e em suas imediações.

Concebida por Márcia Lerro Pimenta e Marian Rodrigues e realizada em parceria com o Instituto Olho d’Água, a residência reuniu os três artistas e a curadora em uma experiência de pesquisa e convivência. O programa incluiu visitas aos sítios arqueológicos e a instituições como o Museu do Homem Americano, além do contato com moradores e com as atividades do instituto, dedicado ao fortalecimento da identidade cultural dos povos da região.

A exposição parte da ideia do solo como um espaço no qual diferentes tempos se encontram. Em diálogo com o pensamento do antropólogo Tim Ingold, o texto crítico de Burini propõe olhar para esse chão como uma superfície em transformação, marcada por vestígios e pela interpenetração entre passado e presente. Nesse contexto, os artistas desenvolveram trabalhos que aproximam as pinturas rupestres, a fauna e a flora da Caatinga, a pesquisa científica e os saberes das comunidades locais.

Esse encontro também envolve os conflitos decorrentes da criação do parque, em 1979. A proteção do patrimônio arqueológico e ambiental foi acompanhada pela desapropriação de famílias tradicionais, que perderam suas casas e o acesso às áreas de cultivo e coleta. Reaproximar essas comunidades do território é uma das frentes de atuação do Instituto Olho d’Água, que oferece espaços de convivência, leitura e criação, com atividades de cerâmica, bordado, arqueologia, capoeira e teatro, entre outras.

Cláudio Cretti apresenta um trabalho escultórico com objetos coletados em conversas com a população, além desenhos inspirados pela experiência na residência. Pedro França produziu, em colaboração com Gilvonete Paes, professor no IOD’A, e alunos atendidos pelo Instituto, um painel de cerâmica em forma circular, como uma grande panela ou cratera, que reúne ossos, aviões, bolos, dinossauros, videogames e outros sonhos, modelados em um processo coletivo. Já Bárbara Banida investigou as memórias das mulheres atendidas pelo IOD’A através de canções e memórias relatadas, que foram gravadas e unidas em uma instalação montada com gavetas e objetos guardados — um altar de miudezas. Ela também traz pinturas feitas com óxidos de ferro, componente principal das tintas utilizadas nas pinturas rupestres. 

Dois conjuntos de vídeos ampliam o contexto das obras. O filme Dez mil anos de arte rupestre no Piauí, dirigido por Anne-Marie Pessis e filmado em 16 mm em 1984, apresenta pinturas e gravuras rupestres da Serra da Capivara. Com texto de Niède Guidon, narração de Catherine Railliet e trilha sonora de Bernadette Arnaud, a produção examina diferentes tradições gráficas e suas sobreposições nos sítios arqueológicos.

Já os vídeos do projeto Cabine de Memórias, realizado pelo Instituto Olho d’Água, apresentam depoimentos de moradores tradicionais do território. As lembranças de infância, do cultivo, das brincadeiras, das canções e das festas registram modos de vida ligados à região e contribuem para a preservação de seu patrimônio material e imaterial.

Ao reunir produção artística, registros arqueológicos e histórias de vida, Horizontes do Solo propõe imaginar um futuro que reconheça os diferentes saberes e experiências de quem compartilha um mesmo chão.

Serviço
Exposição | Horizontes do Solo
De 8 de outubro a 21 de novembro
Quarta a sábado, das 14h às 18h

A Casa Yara DW, em Pinheiros, apresenta, de 10 de outubro a 21 de novembro de 2026, Amigo do Sol, Amante da Lua, exposição individual do artista paulistano Thiago Nevs (São Paulo, 1985), com curadoria da historiadora da arte e pesquisadora Érica Burini. A mostra reúne cerca de 12 obras inéditas, produzidas a partir de 2022, e introduz a marchetaria na pesquisa do artista. Apresentados em pares, os trabalhos colocam pintura e marchetaria em diálogo, explorando contrastes entre cores, materiais e modos de construir uma imagem.

Na leitura de Burini, os contrastes ganham destaque com a introdução da marchetaria na produção de Nevs. Eles aparecem no encontro entre o colorido das pinturas e os tons naturais dos materiais empregados na técnica, que combina recortes para formar desenhos sobre uma superfície. A disposição em pares permite observar como um mesmo repertório ganha novas cores e texturas. Para a curadora, essa paleta mais restrita traz às imagens uma tonalidade sépia, próxima à de fotografias antigas, acrescentando outra relação com a memória à produção do artista.

Esses encontros também dão sentido ao título da exposição. Dia e noite, claro e escuro, ornamento popular e geometria construtiva. Na mostra, Nevs amplia esse diálogo entre técnicas artesanais tradicionais e estruturas compositivas contemporâneas, dando continuidade à investigação dos saberes e das imagens que circulam fora dos espaços formais da arte.

Filetes de carrocerias de caminhão, frases de lameiros, grafite e cartazes feitos por letristas estão entre as referências dessa pesquisa. Criado na periferia de São Paulo e filho de caminhoneiro, Nevs aproxima essas manifestações de sua própria história e de observações realizadas em viagens pelo Brasil e pela América Latina. Seu interesse se volta aos desenhos, letras e adornos que conferem identidade a veículos, fachadas e espaços de passagem.

A mostra dá continuidade a questões presentes em Panorama, realizada na Chocolate Notebooks, em 2021, e Sobre-Carga, apresentada na Usina Luis Maluf, em 2022. Nessas exposições, o artista explorou a pintura ornamental de carrocerias e incorporou lonas, cordas e objetos do universo dos caminhões a pinturas, esculturas e instalações.

No encerramento de Amigo do Sol, Amante da Lua, em 21 de novembro, a Casa Yara DW promove um bate papo aberto ao público com a participação do artista.

Serviço
Exposição | Amigo do Sol, Amante da Lua
De 10 de outubro a 21 de novembro
Segunda a sexta, das 9h às 18h