Agenda de Arte, Exposições e Eventos Culturais

A Bienal Internacional de Arte Contemporânea de Curitiba anuncia o título, o conceito curatorial e a identidade visual de sua 16ª edição, que acontece em diversos locais da cidade e do estado do Paraná, dentre eles o Museu Oscar Niemeyer, o maior museu de arte da América Latina.

Vivemos um momento de transformação, em que as fronteiras entre o humano e suas tecnologias, o natural e o artificial, tornam-se cada vez mais fluidas. Diante desse cenário, a edição deste ano apresenta o título LIMIARES, propondo um espaço de passagem e reflexão sobre as mudanças que atravessam o presente e apontam para novos modos de existir e de criar. A edição será conduzida pelas curadoras Adriana Almada e Tereza de Arruda, bem como por uma equipe multicultural de curadores convidados.

O conceito curatorial entende este momento limiar em que vivemos também como um espaço fértil no qual a arte atua como mediadora entre mundos. Habitar essa fronteira e criar a partir da incerteza orientam uma proposta que se assume como um espaço de troca entre diferentes áreas do conhecimento e culturas. Para as curadoras Adriana Almada e Tereza de Arruda, “mais do que um conceito, LIMIARES é uma atitude curatorial: habitar a fronteira, permanecer no entre, criar a partir da incerteza, gerando novos caminhos”.

A 16ª Bienal Internacional de Curitiba promove o diálogo entre artistas, pesquisadores, cientistas e estudantes, convidando o público a refletir sobre como estar presente em um mundo em fluxo acelerado e a imaginar novas formas de coexistência. Acesse o statement curatorial aqui.

Marcando o aguardado retorno ao formato presencial após a edição totalmente online de 2021, a 16ª Bienal Internacional de Curitiba apresentará exposições de grandes artistas de diferentes origens e que atuam em múltiplos suportes, do material ao virtual. É um retorno necessário ao circuito mundial da arte, que reforça o posicionamento da América Latina como uma potência cultural. Na sua última edição presencial, em 2019, a Bienal Internacional de Curitiba atraiu mais de um milhão de visitantes.

Serviço
Exposição | 16ª Bienal Internacional de Arte Contemporânea de Curitiba
De 14 de junho a 15 de novembro

Locais
Museu Oscar Niemeyer, Museu Paranaense, Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Museu da Imagem e do Som, Museu Alfredo Andersen, Museu da Fotografia, Museu da Gravura/Memorial de Curitiba, Museu Municipal de Arte, terminais de ônibus e outros espaços de Curitiba.

A exposição propõe um encontro inédito entre obras do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo e obras do acervo do Sesc Bom Retiro, a partir do deslocamento das obras do MAM São Paulo para visitarem um edifício inteiramente ocupado por um acervo que se apresenta de múltiplas maneiras. Ao levar as obras do MAM São Paulo para esse contexto, a curadoria evidencia diferentes formas de mostrar, organizar e tornar públicos os acervos, colocando em relação práticas institucionais, regimes de visibilidade e modos de mediação.

A proposta se estrutura em torno de duas perguntas centrais: o que acontece quando se decide guardar, cuidar e tornar público um conjunto de obras? E o que há para perceber e conhecer em uma obra de arte? Essas questões orientam o percurso expositivo e atravessam as decisões espaciais, narrativas e educativas do projeto. O acervo é compreendido como uma construção histórica e social, cuja existência se realiza plenamente no encontro com o público, quando as obras circulam, são recontextualizadas e ativam novas leituras.

Ao colocar acervos em diálogo, a exposição propõe uma reflexão sobre a função social das instituições culturais e sobre a fruição estética como experiência em relação. A materialidade das obras, os contextos de produção e os dispositivos de mediação e acessibilidade ampliam as possibilidades de percepção e conhecimento. Mire Veja convida o público a experimentar os acervos como um campo vivo, em constante atualização, a partir de seu corpo, de sua linguagem e de suas próprias experiências de vida.

Artistas

Alberto da Veiga Guignard
Alfredo Ceschiatti
Amelia Toledo
Antonio Henrique Amaral
Artur Barrio
Brígida Baltar
Cao Guimarães
Carlos Zilio
Cássio Vasconcellos
Claudio Tozzi
Cleber Machado
Eduardo Coimbra
Emanoel Araujo
Franz Weissmann
German Lorca
Giuliana Giorgi
Heitor dos Prazeres
Iran do Espírito Santo Labö & Rafaela Kennedy
Laura Vinci
Lenora de Barros
Lothar Charoux
Motta & Lima
Nelson Leirner
Paulo Bruscky
Paulo Nenflidio
Pedro Motta
Rodrigo Andrade
Rodrigo Braga
Rosângela Rennó
Rubens Gerchman
Sara Ramo
Xadalu Tupã Jekupé
Zimar

Mirela Estelles é mediadora cultural e investiga os desdobramentos da narração de histórias na educação em museus e exposições de arte. Estudou Comunicação das Artes do Corpo na PUC-SP e especializou-se em Linguagens da Arte no Centro Universitário MariAntonia, onde iniciou as pesquisas e atividades do projeto Histórias para Ver e Ouvir (2011–). Com experiência em arte contemporânea, educação, livro e leitura, culturas da infância, patrimônio imaterial e públicos de museus, realiza a curadoria de exposições e projetos educativos em escolas, livrarias, bibliotecas, museus e outras instituições culturais, com atenção aos aspectos de acessibilidade e diversidade na gestão cultural de equipes multidisciplinares. Atualmente, coordena a área de educação do Museu de Arte Moderna de São Paulo, onde atua desde 2009.

Valquíria Prates investiga a mediação cultural das artes visuais e da literatura em diálogo com pesquisa, escrita, curadoria e educação. É graduada em Letras e Pedagogia, mestre em Políticas Públicas de Acessibilidade pela USP e doutora em Artes pela Unesp, com a tese Como Fazer Junto: a Arte e a Educação na Mediação Cultural. Seu trabalho articula saberes acadêmicos e práticas colaborativas em diferentes territórios e contextos sociais. Atualmente, desenvolve projetos com o Museu de Arte Moderna de São Paulo, o Instituto Moreira Salles, a Fundação Roberto Marinho, Inhotim, o Museu de Arte Contemporânea do Ceará e o Instituto de Arte Contemporânea de Ouro Preto.

O Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo) é uma instituição dedicada à arte moderna e contemporânea. Fundado em 1948, mantém um acervo voltado à produção brasileira dos séculos XX e XXI. Além de exposições, atua em pesquisa, conservação e ações educativas.

Serviço
Exposição | Mire e Veja – MAM São Paulo Visita o Sesc Bom Retiro
De 01 de julho a 27 de setembro
Terça a sexta, das 9h às 20h sábado, das 10h às 20h, domingo e feriados, das 10h às 18h

Serviço
Exposição | Síntese – Arte e Tecnologia
De 02 de julho a 31 de agosto
Quinta a terça, das 10h às 18h (última entrada às 17h)

O Museu do Ipiranga apresenta a exposição inédita Liberdade: bairro plural. A mostra propõe um novo olhar sobre um dos bairros mais conhecidos de São Paulo e convida o público a refletir sobre O que é um bairro? O que é um bairro étnico? E o que torna um bairro plural?

Ao longo de mais de dois séculos, a região foi ocupada e transformada por diferentes grupos sociais e étnicos, tornando-se um território marcado por encontros, trocas culturais, permanências, deslocamentos e disputas de memória.

Com curadoria dos historiadores Paulo Garcez Marins, Mônica Raisa Schpun, Aline Montenegro Magalhães, Francisco Andrade e David Ribeiro, a exposição está organizada em três módulos e apresenta a Liberdade como um território em constante transformação.

Durante a visita mediada, o público é convidado a percorrer a exposição com educadores do Museu, aprofundando temas, contextos históricos e questões apresentadas pela mostra.

Serviço
Exposição | Liberdade: bairro plural
De 7 de julho a 31 de janeiro
Terça a domingo, das 10h às 17h
Duração: 1 hora

A exposição Com Amor, Alcione celebra a trajetória extraordinária de uma das maiores artistas da música brasileira. Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, Alcione consolidou uma obra grandiosa que atravessa gerações e ocupa um lugar singular na cultura do país.

Idealizada e produzida pelo Centro Cultural Vale Maranhão (CCVM), a exposição chega ao Museu das Favelas em sua primeira itinerância, reunindo mais de 650 itens do acervo pessoal de Alcione — entre fotografias raras, vídeos, prêmios, figurinos e objetos marcantes. Com Amor, Alcione convida o público a percorrer momentos da trajetória artística e biográfica da cantora, percorrendo temas como família, fé, carnaval, migração e identidades negra e nordestina, evidenciando como a trajetória de Alcione dialoga com experiências coletivas e processos históricos que constituem a cultura brasileira.

Serviço
Exposição | Com Amor, Alcione
De 10 de julho a 06 de dezembro
Terça a domingo, das 10h às 17h, com permanência até as 18h

A exposição “Alex Flemming Apocalipse” marca o retorno do artista ao Brasil após 34 anos vivendo em Berlim. Com curadoria de Fábio Magalhães, a mostra reúne 30 obras no Palacetes da Sé, no centro de São Paulo.

Instalada nas ruínas de um edifício histórico projetado por Ramos de Azevedo e inaugurado em 1919, a exposição propõe um diálogo entre arte, arquitetura e passagem do tempo. As marcas de deterioração do prédio, a luz natural e a ausência de iluminação elétrica em alguns ambientes fazem parte da experiência concebida pelo artista.

Dividida entre as séries “Apocalipse” e “Retratos Invisíveis”, a mostra aborda temas como fragilidade da existência, transformação, desaparecimento e impermanência. Para Flemming, o espaço funciona como contraponto ao tradicional “cubo branco” das galerias, reforçando a ideia de que tudo é transitório e, um dia, pode se tornar ruína.

Segundo o curador Fábio Magalhães, a exposição reúne trabalhos recentes e inéditos, nos quais a figura humana aparece em tensão com atmosferas de destruição e instabilidade. Em “Retratos Invisíveis”, o apagamento do corpo amplia a reflexão sobre os limites entre presença e ausência.

A mostra inaugura a programação de artes visuais dos Palacetes da Sé, novo espaço multidisciplinar que integra um projeto de revitalização do edifício e pretende se consolidar como polo cultural na região central da capital paulista.

Serviço
Exposição | Alex Flemming Apocalipse
De 9 a 30 de agosto
Todos os dias das 11 às 16 hs

Tarsila do Amaral é uma figura central do modernismo brasileiro e um dos maiores ícones das artes visuais do país. Prestes a completar 140 anos de nascimento, a artista terá uma exposição à altura de sua trajetória: ‘O Brasil de Tarsila’ inaugura, em agosto, um novo espaço expositivo em São Paulo, o Nubank Arte Lab, o maior e mais moderno local de exposições e experiências imersivas do Brasil, com uma estrutura altamente tecnológica, sensorial e interativa.

Localizado no Conjunto Nacional, o empreendimento foi concebido pela Aventura — sob a liderança dos co-CEOs Aniela Jordan, Luiz Calainho e Giulia Jordan — e pela Deeplab Project, de Felipe Reif, com o Nubank, que assume o naming rights do espaço, com inauguração prevista para 15 de agosto.

Já ‘O Brasil de Tarsila‘ é apresentado pelo Ministério da Cultura, via Lei Federal de Incentivo à Cultura, com patrocínio master da EMS, apoio da Alelo, IRB(Re) e BNY. O projeto é uma realização da Tarsila S.A., liderada por Paola do Amaral Montenegro, e a Live Idea, de João Giani, em coprodução com a Deeplab e a Aventura.

Sobre a exposição

Ao longo de mais de dez salas, o universo visual de Tarsila será revisitado por meio de projeções monumentais de 360 graus, cenografia imersiva, trilha sonora e dispositivos interativos com direito a efeitos especiais e até aromas que vão guiar o visitante em uma jornada sensorial de grande escala por cerca de 40 obras da artista, entre pinturas icônicas, desenhos, esboços e ilustrações.

Mais do que contemplar suas obras, o público será convidado a interagir, explorar e mergulhar em ambientes que revelam suas referências, sua trajetória e o contexto artístico que marcou sua produção.

A proposta dialoga com uma linguagem contemporânea já consagrada internacionalmente por exposições imersivas dedicadas a artistas como Monet e Van Gogh, que transformaram a interação entre o público e as artes visuais. Agora, é a vez de uma artista brasileira ocupar esse espaço.

Todo o conteúdo audiovisual da mostra foi desenvolvido por artistas visuais e não por inteligência artificial, garantindo consistência estética e respeito às obras originais. A proposta é utilizar a tecnologia como meio de ampliação da experiência artística, e não como substituição da criação.

‘O Brasil de Tarsila’ busca aproximar novos públicos da arte e formar futuros visitantes de museus e apreciadores das artes visuais. A exposição foi concebida para receber famílias, despertar a curiosidade de crianças e jovens e abrir portas para pessoas que talvez nunca tenham tido contato direto com a obra de Tarsila.

A curadoria é assinada por Paola do Amaral Montenegro e Juliana Miraldi. Paola, gestora da Tarsila do Amaral S.A., atuou diretamente na construção dos enquadramentos narrativos da exposição, assegurando fidelidade à trajetória e ao legado da artista. Já Juliana Miraldi, pesquisadora e curadora de exposições imersivas, estrutura a dimensão conceitual da mostra ao integrar pesquisa acadêmica em artes visuais com as linguagens contemporâneas da arte digital.

A mostra reunirá releituras imersivas de trabalhos emblemáticos como Abaporu, Antropofagia, A Cuca, Operários e O Sono, além de outras obras importantes como São Paulo, Religiões Brasileiras, Figura só e Autorretrato (Le Manteau Rouge). Também integram o percurso desenhos e registros de viagens realizados pela artista, revelando paisagens e referências que marcaram profundamente sua produção.

‘O Brasil de Tarsila’ realizará um grande mergulho no imaginário da artista, recheado por cores vibrantes, paisagens e personagens brasileiros, convidando o público a atravessar suas formas dentro de uma experiência sensorial que conecta Arte e Tecnologia.

Serviço
Exposição | O Brasil de Tarsila
De 15 de agosto a 15 de fevereiro
Quarta a segunda e feriados, das 10h às 22h

Ingressos
De sexta a domingo e feriados – Inteira: R$ 100,00 | Meia-entrada: R$ 50,00
Segundas, quarta e quintas – Inteira: R$ 80,00 | Meia-entrada: R$ 40,00

Serviço
Exposição | Descansar Enquanto – Pintura de Ailton Krenak
De 19 e 30 de agosto
A pintura de Ailton Krenak começa no dia 19 de agosto de 2026 e será realizada ao longo dos dias

O Instituto Antonio Carlos Jobim, localizado no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, abre as portas para a exposição Tom Jobim: Discos Solo. A mostra, dedicada a um dos maiores ícones da música brasileira, oferece uma visão detalhada sobre os 12 LPs que marcaram a carreira solo do maestro, gravados entre 1963 e 1994, desde o primeiro álbum, The Composer of Desafinado Plays, até Antonio Brasileiro, passando por marcos como Wave, Matita Perê, Urubu e outros.

A exposição, que promete ser uma experiência imersiva, convida os visitantes a explorarem a trajetória artística de Tom Jobim por meio de documentos, fotos, gravações, partituras e objetos pessoais pertencentes ao acervo do Instituto. O conceito da exposição surgiu em 2020, durante a pandemia, a partir de uma série de entrevistas virtuais entre Paulo Jobim, filho do maestro e morto recentemente, e Aluísio Didier, curador da mostra e amigo de Tom, que assumiu a direção do instituto neste mesmo ano. Essas conversas, realizadas via Zoom, revelaram detalhes inéditos sobre o processo criativo do compositor e agora se transformaram em documentários, que revelam o processo por trás de cada álbum, oferecendo uma perspectiva íntima e pessoal sobre o legado musical de Jobim. Os vídeos com as conversas foram editados pelo cineasta Cayo Oliveira, também produtor da exposição, e serão apresentados pela primeira vez.

A curadoria de Didier ilumina momentos importantes da carreira do compositor como seu encontro com Vinícius de Moraes, que resultou em clássicos eternos da Bossa Nova e sua colaboração com João Gilberto no LP Chega de Saudade.

Tom Jobim: Discos Solo é uma homenagem a um artista que não apenas transcendeu fronteiras, mas que continua a influenciar gerações de músicos e fãs ao redor do mundo. A exposição não só celebra a obra solo do maestro, como também convida o público a revisitar e redescobrir a profundidade e a beleza de sua música.

Histórias inusitadas

Na exposição, histórias inusitadas do maestro irão divertir os visitantes. Entre elas, duas bastante icônicas, lembradas por Paulo Jobim e Didier nos documentários.

Autor de várias canções com nomes de mulheres, Tom foi procurado por um pesquisador com um projeto de livro sobre as músicas e suas musas inspiradoras: Luiza, personagem interpretada por Vera Fischer na novela Brilhante; Gabriela, personagem de Jorge Amado; O samba de Maria Luiza, a filha caçula, entre outras.

No entanto, o tal pesquisador também pergunta pela “musa” Carla que inspirara a canção do mesmo nome. Tom se surpreende e questiona: “Que Carla?” O pesquisador insiste: “Ora, a da música dos anos 50, “Carla, meu amor”, responde o rapaz.    Acontece que a canção se chamava “Cala, meu amor”.

“O pesquisador já havia até se encontrado com a mulher que tinha sido a fonte de inspiração”, diverte -se Paulinho, em um dos bate-papo com Didier.

***

Músicos são sempre cobrados pela crítica ou pelos fãs por novidades, novas músicas, por uma atualização de sua arte, um diálogo com influências, novas tecnologias. Com Tom, sempre fiel ao “velho” piano acústico ou ao violão, não foi diferente. No disco Tide, podemos ouvi-lo no piano elétrico Fender Rhodes, hoje um clássico, mas na época, um som diferente, um passo à frente dos instrumentos acústicos. Na época as pessoas se perguntaram: “O que houve, Tom cedendo a um som mais pop?” Sim e não. Se o resultado ficou ótimo na faixa “Takatanga”, o fato se deveu a um copo de uísque derrubado dentro do piano acústico do estúdio, que impossibilitou o instrumento para a gravação. “Jobim, sem opção, aceita arriscar-se no Fender Rhodes e parece que gostou, pois no LP seguinte, Stone Flower, repete a experiência em várias faixas”, conta Didier.

Serviço
Exposição | Tom Jobim: Discos Solo
De 09 de outubro (exposição permanete)
Diariamente (exceto na quarta-feira), de 9h às 17h

O MAC USP (Museu de Arte Contemporânea da USP) possui um importante conjunto de 561 desenhos de Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976). Reunidos pelo próprio artista, abarcando sua produção de 1920 a 1950. A exposição Di Cavalcanti: militante, boêmio, brasileiro, que o Museu apresenta a partir de 8 de novembro, traz 115 desenhos desse conjunto.

A curadoria de Helouise Costa e Marcelo Bortoloti observa que, embora mais conhecido como pintor “, Di Cavalcanti iniciou-se na arte por meio do desenho e fez dele um espaço de liberdade temática e estilística, de diálogo com outros artistas e rica experimentação”.

Em uma projeção audiovisual, todos os 561 desenhos serão apresentados ao público. Além dos desenhos pertencentes ao MAC USP serão apresentadas obras vindas do Instituto de Estudos Brasileiros (IEB USP), Museu de Arte Brasileira (FAAP), Biblioteca Mário de Andrade, Pinacoteca de São Paulo e coleções particulares.

Serviço
Exposição | DI CAVALCANTI: militante, boêmio, brasileiro
De 08 de novembro a 18 de outubro
Terça a domingo das 10 às 21 horas

A Portas Vilaseca inaugura Fogo Corredor, exposição coletiva que reúne 20 artistas de diferentes gerações e linguagens, marcando o encerramento da programação de 2025. Com curadoria de Lucas Albuquerque, a mostra apresenta artistas representados pela galeria e convidados de diversas regiões do país, incluindo Guerreiro do Divino Amor, Rayana Rayo, Thiago Martins de Melo, entre outros.

Em uma expografia provocante, Fogo Corredor nasce da reflexão em torno de histórias populares e encantarias associadas ao fogo. É o caso da lenda que dá título à mostra: um ser sobrenatural feito de fogo, integrante de crenças populares do Norte e Nordeste do Brasil, cujas narrativas o associam a almas de pessoas mortas que retornam para assustar, queimar ou perseguir suas vítimas.

Dividida em dois andares, a mostra propõe dois percursos expositivos que se complementam. O térreo agrupa trabalhos que sugerem ou derivam de relações com o sagrado, seja ele de ordem profana ou não. André Griffo, Thiago Martins de Melo e Manuela Costa Lima abordam as conotações ora punitivas, ora purificadoras do fogo em tradições cristãs e pagãs, enquanto Paloma Bosquê, Ayla Tavares e Alex Cerveny propõem narrativas em torno de rituais, seres fantásticos e deambulações sincréticas, explorando as formas e materialidades de seus trabalhos.

No terceiro andar da galeria, as narrativas fantasmagóricas do fogo aparecem como elemento pop, apresentadas em obras que o tratam como pastiche, derivação ou virtualidade. O grupo reúne artistas como Guerreiro do Divino Amor, biarritzzz e Randolpho Lamonier, em cujos trabalhos o fogo se manifesta em narrativas que entrelaçam história e política, evocando sujeitos historicamente localizáveis — vivos ou mortos. Já Mateus Moreira e Luiza Lukah mergulham em fabulações sobre seres incandescentes.

Em uma proposição que combina arte, história popular, literatura e ficção, o curador fluminense Lucas Albuquerque sugere uma narrativa sobrenatural, na qual cada obra atua como uma entidade de uma história compartilhada: “Conduzido nos fios de ficção de vinte artistas – por vezes ancorados em ecos da realidade, principalmente nas obras de maior teor político – Fogo Corredor apresenta dois pequenos universos cósmicos, tramados entre a força vital do artista e a espiritual daqueles que são convocados e/ou imaginados”.

Esperamos a sua visita!

Serviço
Exposição | Fogo Corredor
De 13 de novembro a 10 de outubro 2026
Terça a sexta, das 11h às 19h, sábados, das 11h às 17h.

Da contemporaneidade que abriga a criatividade e maestria de Nuno Ramos em consonância com o interesse em produzir obras que ressignificam materiais de Marcos Amaro, nasce a mostra A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro, no Museu FAMA, em Itu, São Paulo. Donos de um estética ousada e estilos inconfundíveis, os artistas dialogam nessa mostra com obras que permeiam suas histórias, reveladas na Sala Almeida Jr., no Setor 5.

Trata-se de um diálogo entre criações de diferentes períodos de Nuno e outras que são parte da construção da trajetória de Amaro, “trajetória essa que atravessa e ecoa a dele em muitos aspectos”, nas palavras de Marcos. Nuno Ramos é artista plástico, compositor, dramaturgo, escritor e ensaísta, e há mais de 30 anos trabalha com sobreposição de materiais, que vão de vaselina à cera de abelha, até pigmentos, tinta a óleo, tecidos, plásticos e metais. “O que mais me toca é a pintura, a organização dos materiais e a forma como eles se apresentam ao mundo”, revela Amaro. “Nuno é, para mim, um dos grandes artistas da contemporaneidade. Embora eu pertença a uma geração posterior à sua — como costuma acontecer — foi justamente seu trabalho que abriu caminhos e possibilidades de expansão de linguagem para a minha geração e para a minha própria prática artística”, completa Marcos.

E com base nessa admiração a mostra traz dezenas de obras de ambos os artistas, inclusive, em relação aos trabalhos de Nuno, algumas são parte do acervo pessoal de Amaro que além de empresário e fundador do Museu FAMA, é colecionador. Enquanto artista plástico, Marcos Amaro é conhecido por um estilo peculiar que mistura estética industrial com toques de afeto e nas quais revela seu profundo interesse pela matéria, conferindo-lhes novos sentidos e narrativas.

“A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro” apresenta obras de grandes dimensões, tridimensionais e que se destacam por sua espacialidade e volumetria. Para além da complexidade de execução e plasticidade que as envolvem, as obras que compõem a mostra se conectam diretamente com a generosa escala dos galpões do Museu e ficam em cartaz até 1 de novembro de 2027.

Serviço
Exposição | Leva tempo, mas vai dar tempo
De 14 de março a 01 de novembro
Quartas-feiras, e de sexta a domingo, das 11h às 17h

A primeira exposição institucional de Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, apresenta a obra deste artista que se dedicou à representação de cenas de guerras e conflitos sociais, de ritos da umbanda e paisagens rurais, e cuja vida reflete diversos aspectos da modernidade no país.

A mostra Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio reúne mais de 50 pinturas realizadas entre as décadas de 1950 e 1960, em conjunto de trabalhos que demonstram o interesse de Leal pelas contradições que estruturaram o processo de modernização do Rio de Janeiro.

Paulo Pedro Leal passou anos vendendo suas obras no Passeio Público, no centro do Rio de Janeiro. O artista se identificava como “pintor espiritual” e viveu às margens do circuito institucional da arte brasileira do século 20, até que em 1953 o marchand e galerista Jean Boghici passou a comercializar seus trabalhos. Sua produção artística inclui pintura histórica, paisagem,  natureza-morta, cenas de macumba e a vida urbana no Rio de Janeiro, realizada a partir da observação do mundo ao redor e do contato com reproduções em livros e periódicos.

A exposição começa com obras que evidenciam o interesse de PPL pelos gêneros da pintura ocidental, Afogamento de mendigos (1965) Naufrágio (1953) ainda que o artista os tenha aprendido fora dos circuitos institucionais. Na galeria, há trabalhos sobre naufrágios – grande interesse do artista, que foi estivador – e batalhas navais inspiradas em eventos da Primeira Grande Guerra.

Podem ser vistas ainda naturezas-mortas e uma série de paisagens, fruto da observação do avanço do subúrbio sobre o campo. Podem ser vistas obras como Batalha Naval/Bombardeio de um porto (1966), A casa do Capitão (1950) e Casal com frutas (sem data).

Em seguida, cenários de conflitos no Rio de Janeiro estão representados nas cenas de brigas de bar e assassinatos, que exploram o contraste de classe e questões raciais. Em destaque estão as obras Cirurgia moderna (1953), Crime no hotel (1965) – obra doada ao acervo do museu – e Afogamento dos mendigos (1965), que faz de Leal o único artista a retratar o maior escândalo público de violência de Estado pré-ditadura militar. Em 1963, sob o truculento governo de Carlos Lacerda, Jornais cariocas expuseram fotografias do Serviço de Repressão à Mendicância atirando pessoas em situação de rua no rio Guandu, em um episódio que ficou conhecido como “Operação Mata-Mendigos”.

Na terceira e última sala, estão presentes obras de cunho erótico, produto da observação de PPL da atividade dos bordéis da cidade. Além disso, podem ser vistas representações de festas profanas e religiosas, imagens sincréticas e macumbas, onde aparece seu notável esforço descritivo no intuito de explicar todos os componentes desse rito do qual foi sacerdote, como nas obras Candomblé (sem data) e Alegorias religiosas (sem data).

Serviço
Exposição | Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio
De 11 de abril a 08 de novembro
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)

Um amplo mapeamento da produção visual brasileira contemporânea, que articula diferentes linguagens e traz cerca de 130 artistas de todas as regiões do país, ganha forma na exposição Delírio Tropical – Recanto no Sesc Pinheiros, com curadoria de Orlando Maneschy e curadoria adjunta de Keyla Sobral. Com cerca de 280 obras, a mostra propõe uma imersão no imaginário de um Brasil plural, múltiplo e em constante reinvenção, compondo um mosaico que vai de imagens históricas a produções contemporâneas e que se voltam às experiências singulares em territórios distintos e entendimentos de mundo.

Delírio Tropical – Recanto constrói uma narrativa que articula diferentes manifestações visuais artísticas — da fotografia ao vídeo, passando por cartazes, lambes, revistas, esculturas, pinturas e objetos. A mostra propõe uma reflexão sobre o papel das imagens na construção do entendimento do país e de suas múltiplas identidades, a partir de uma curadoria que reúne artistas comprometidos com suas experiências, territórios e modos de existência, incluindo perspectivas culturais das várias regiões do país, ao lado de uma diversidade de vozes contemporâneas.

O conjunto expositivo inclui obras de artistas como Anna Maria Maiolino, Ayrson Heráclito, Cildo Meireles, Claudia Andujar, Dalton Paula, Denilson Baniwa, Hal Wildson, Índigo Braga, Rosângela Rennó e Karim Aïnouz.

“Buscamos reunir artistas que olham para o Brasil a partir de seus territórios, que usam a imagem como elemento decisivo na construção de discursos, ressaltando uma ideia de país diverso”, afirma o curador Orlando Maneschy. “A exposição é um convite a romper com olhares estereotipados e a se abrir para experiências que nos deslocam e nos transformam”, completa Maneschy.

Originalmente apresentada na Pinacoteca do Ceará como parte do Fotofestival Solar, a exposição chega ao Sesc Pinheiros como itinerância, ampliando o acesso a um conjunto de obras que tensionam estereótipos e revelam um Brasil marcado por disputas simbólicas, afetos, violências, resistências e desejos. Na capital paulista, a mostra conta com uma obra inédita de Keyla Sobral e expografia pensada para as especificidades do Sesc Pinheiros.

Um caminho visual por múltiplos Brasis

A mostra parte da ideia de que a imagem, em suas múltiplas formas de circulação — do das capas de discos ao GIF, da fotografia ao impresso que atravessa o cotidiano — é um elemento central na construção do imaginário brasileiro. Com artistas de diferentes contextos, a seleção de obras apresenta um país em construção e diverso, atravessado por tensões entre memória e atualidade, sem buscar um discurso fechado, mas aberto à reflexão. Nesse percurso, imagens históricas e contemporâneas se aproximam para retomar questões que seguem latentes, sugerindo continuidades entre passado e presente.

Mais do que um recorte autoral, Delírio Tropical – Recanto sugere um campo de escuta em que os trabalhos dialogam entre si e constroem, coletivamente, uma leitura possível do Brasil, entre tantas outras plausíveis, que não quer ser totalizante e, inclusive, assume ausências e lacunas. A curadoria se organiza como uma articulação desses olhares, e o resultado é um caminho por um Brasil em que diferentes corpos, identidades e narrativas emergem não como representação, mas como presença, ativando outras formas de ver, imaginar e se relacionar com o país.

A expografia conduz o visitante por um fluxo imersivo que começa em um ambiente de caráter quase ritualístico, evocando a ruptura com visões cristalizadas, e avança por núcleos que abordam temas como identidade, memória, mídia, território e poder. Ao longo do trajeto, obras de distintas épocas e contextos entram em diálogo, criando conexões inesperadas e ativando novas leituras sobre o Brasil.

A relação entre imagem e circulação também está em destaque na montagem, incorporando elementos da cultura visual cotidiana, como capas de revistas, de discos e registros documentais, que ajudam a construir o imaginário coletivo brasileiro. Nesse sentido, Delírio Tropical – Recanto propõe não apenas observar imagens, mas refletir sobre como elas moldam percepções, narrativas e sentidos.

A realização da mostra integra o compromisso institucional do Sesc São Paulo de ampliar o acesso à produção artística contemporânea e promover o encontro entre diferentes públicos e repertórios culturais. É um convite ao público para reimaginar o Brasil a partir de sua diversidade, de seus contrastes e de sua riqueza simbólica. A programação inclui ainda ações educativas, visitas mediadas e atividades formativas, ampliando as possibilidades de diálogo com os públicos.

Serviço
Exposição | Delírio Tropical – Recanto
De 6 de maio a 13 de outubro
Terça a sábado, das 10h30 às 21h, domingos e feriados, das 10h30 às 18h

A mostra O espaço e o lugar, na DAN Galeria Interior, reúne 75 obras e propõe uma leitura sobre a maneira como o espaço se transforma em lugar quando passa pelo corpo e pela memória, com curadoria de Fábio Magalhães e expografia do Fernando Poles Arquitetos. A cadeira, presente em diferentes trabalhos, conduz essa investigação: objeto cotidiano, medida humana, ponto de repouso, marca de intimidade e também abertura para uma dimensão mais ampla, ligada ao tempo e ao espaço.

A partir desse eixo, Fábio Magalhães aproxima obras de Adolfo Estrada, Almir Mavignier, Dionísio Del Santo, Ferreira Gullar, Gonçalo Ivo, José Roberto Aguilar, José Spaniol, Sergio Fingermann e Valentino Fialdini. O percurso articula pinturas, objetos, obras geométricas e abstratas em torno de uma pergunta central: como uma situação privada pode conter uma ideia de mundo?

Serviço
Exposição | O espaço e o lugar
De 09 de maio a 10 de outubro
Segunda a sexta, das 10h às 18h; sábados, das 10h às 13h

Beatriz Milhazes, grande nome da arte brasileira, é conhecida por seu trabalho que alia rigor geométrico a uma atmosfera sempre festiva, fruto de sua paleta exuberante. Arte têxtil, chita, bordado, tecelagem tipicamente brasileira e grafismos indígenas são referências das quais ela se alimenta, transformando tudo isso em uma linguagem própria.

“Gravuras do acervo da Pinacoteca de São Paulo” reúne pela primeira vez um conjunto de 27 gravuras produzidas entre 1996 e 2019, resultado da colaboração de Beatriz com Jean-Paul Rusell, fundador da Durham Press — estúdio de edição de gravuras, livros de artista e obras únicas sediado na Pensilvânia, Estados Unidos.

A Pinacoteca é o único museu do mundo que possui esse conjunto de trabalhos.

Complexidade e beleza

Visitantes poderão apreciar obras de múltiplas cores, estampas florais formando portais, guirlandas e ramos frondosos; as gravuras de Beatriz desenvolvidas ao lado de Jean-Paul Rusell.

A produção da artista é marcada por uma linguagem de complexidade e beleza, e pela coerência no modo como consegue transitar entre diferentes técnicas, partindo sempre da pintura até chegar nas gravuras.

Em suas obras aparecem também formas sinuosas, discos, mandalas e colares de contas, incrementando a tradição geométrica brasileira. Na exposição é possível também perceber o modo como Milhazes monta e remonta as formas, as cores e os espaços aparentemente vazios, como os que aparecem em O pato (1996) e Noite de verão (2006).

Serviço
Exposição | Gravuras do acervo da Pinacoteca de São Paulo
De 16 de maio a 14 de março de 2027
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h), sábados e segundos domingos do mês gratuitos

O Museu de Arte Sacra de São Paulo (MAS-SP), instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo, administrado pela Organização Social de Cultura SAMAS, apresenta a exposição “Elementares”, da artista Denise Milan, que apresenta um conjunto de obras que articulam arte, ciência e pensamento contemporâneo a partir da investigação da matéria. A mostra, com curadoria de Naomi Moniz, destaca a produção recente da artista em diálogo com sua trajetória consolidada, marcada pelo uso de geodos e cristais como elementos centrais de sua pesquisa.

Reunindo um conjunto significativo de obras, a exposição investiga os sistemas dinâmicos da matéria em nível molecular, articulando conceitos como caos, criatividade, sobrevivência, adaptação e transformação. No centro desse percurso está o que a artista define como o “drama da matéria” — uma narrativa que compreende a Terra como organismo vivo, portador de memória e energia.

Ao tratar a pedra como um banco de dados, Denise Milan propõe uma leitura da matéria como arquivo de processos que atravessam o tempo profundo do planeta, revelando histórias formadas ao longo de milhões de anos. Os trabalhos apresentados evidenciam os ciclos de criação e destruição que estruturam a vida na Terra e apontam para uma mudança de perspectiva: antigas metanarrativas cedem espaço a uma fabulação especulativa que inclui toda a natureza como agente ativo.

Nesse contexto, animais, florestas, microrganismos e minerais assumem protagonismo, ressaltando a interdependência entre os diferentes sistemas de vida e a delicada sintonia que sustenta o universo. Combinando rigor conceitual e força visual, a exposição aproxima arte e ciência para refletir sobre o papel da matéria como potência criativa e narrativa.

Com “Elementares”, Denise Milan convida o público a repensar as relações entre humanidade e natureza, em um momento em que compreender os ciclos e a energia do planeta se torna cada vez mais urgente. A mostra reafirma a relevância de sua trajetória no cenário contemporâneo e propõe uma experiência que conecta estética, conhecimento e imaginação sobre os futuros possíveis da Terra.

A exposição se organiza em cinco núcleos que funcionam como uma travessia entre matéria, origem, transformação e percepção. Cada conjunto ocupa uma etapa desse percurso e ajuda a orientar o visitante dentro da pesquisa de Denise Milan sobre arte, ciência, natureza e espiritualidade.

Elementares I reúne imagens derivadas de geodos e cristais em que surgem figuras humanas, organismos e formas híbridas inscritas na própria matéria mineral. As obras partem da observação de basaltos e quartzos cristalizados ao longo de milhões de anos. Denise Milan trata essas formações como “enunciações de vidas eternas” e associa o núcleo às origens da matéria e aos processos de coexistência entre diferentes estruturas minerais.

Elementares II amplia essa investigação e desloca as figuras minerais para uma dimensão mais corporal e escultórica. O núcleo apresenta peças em alumínio fundido derivadas das formas observadas nos cristais, transformando desenhos minerais em presenças físicas. Aqui, a exposição aproxima geologia, corpo e memória, propondo uma leitura da matéria como organismo em transformação contínua.

Imaginários da Terra articula pedra, metal e quartzito em obras que aproximam ciência, imaginação e paisagem. Denise Milan trata a natureza como linguagem e constrói composições em que minerais, superfícies e vazios funcionam como mapas simbólicos da formação terrestre. O núcleo dialoga diretamente com a ideia de escutar a natureza “em sua própria linguagem”, citada no catálogo a partir do físico Frank Wilczek.

Explosões concentra trabalhos ligados à expansão, ruptura e energia interna dos cristais. As obras partem de estruturas geométricas e simétricas encontradas na natureza para discutir instabilidade, transformação e imprevisibilidade. O catálogo relaciona esse núcleo à complexidade do universo e às formas de organização da matéria.

Origens funciona como eixo conceitual da mostra e conecta todos os núcleos anteriores. A ideia de origem aparece tanto no sentido geológico quanto espiritual: origem da matéria, da vida, da consciência e das imagens. Ao longo do percurso, a exposição aproxima ciência, mineralogia e imaginação para construir uma narrativa em que o ser humano deixa de ocupar o centro e passa a ser entendido como parte de um processo cósmico, biológico e terrestre mais amplo.

“Denise tece fábulas como metáfora para sugerir uma revolução nos padrões de comportamento humano e uma nova conduta, centrada na conexão, cooperação e cura, em vez de polarização, cobiça e rivalidade. Elementares não apenas expande os limites artísticos que Milan vem explorando ao longo de toda a sua carreira, mas também nos incita a questionar não apenas a maneira como nós, humanos, pensamos que devemos interagir e nos comportar uns com os outros, mas nos vermos como parte da Natureza e da rede da vida. É um convite para uma jornada além de nós mesmos: um “transumanar” como diria Dante Alighieri, adquirir mais conhecimentos para evoluir e acompanhar a “Estrela Guia” às cavernas escuras e profundas do ventre da terra. Nelas, as figuras estranhamente familiares despertam lembranças perdidas de estados inconscientes da memória ao nos reconhecermos– seres flutuando em lugares do “antes “ e “depois”, suspensos na simetria do tempo e do espaço que revela o centro, lugar de origem e do futuro.”

Naomi Moniz, curadora

Serviço
Exposição | Elementares
De 29 de maio a 27 de setembro
Terça a domingo, das 09h às 17h (entrada até às 16h30)

A iniciativa, concebida pela Haus der Kunst (Munique, Alemanha) e realizada em colaboração com a Pinacoteca, visa colocar a infância no centro da experiência artística. Mais do que uma exposição, trata-se de uma rede de trocas culturais que convida crianças a pensarem, viverem e intervirem no mundo por meio da arte.

“Para crianças: experiências com a arte desde 1968” é focada no público infantil, embora se estenda a visitantes de todas as idades. Inaugurada na Haus der Kunst, em Munique, na Alemanha, em 2025. Agora na Pinacoteca, ela reúne trabalhos de onze artistas de vários países, todos, a seu modo, atravessados por materiais, brincadeiras, perguntas, pesquisas e histórias tão característicos do universo das crianças.

A obra mais antiga é de 1968 e essa não é uma data qualquer. Nesse período histórico, os movimentos de contracultura questionaram as estruturas sociais e saíram em defesa de liberdade de pensamento e expressão para todas as pessoas.

Desde então, ficou evidente que a infância inspira uma sensibilidade e um conjunto de atitudes imprescindíveis para as mudanças individuais e coletivas. A vida em sociedade, a arte e o museu não são os mesmos na presença de uma criança.

Curadoria de Ana Maria Maia e Lorraine Mendes.

A exposição tem patrocínio de Mattos Filho, Acrilex, Ateliê Quero Quero. Apoio institucional: Unicef, para cada criança. Realização: Haus der Kuns, APAC, Pinacoteca de São Paulo, CULTSP, Secretaria da Cultura, Economia e Industria Criativas, Ministério da cultura Governo do Brasil do lado do povo brasileiro

Uma exposição de Haus der Kuns e da Pinacoteca de São Paulo.

Serviço
Exposição | Para crianças: experiências com a arte desde 1968
De 30 de maio a 18 de outubro
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)

O MAC USP apresenta a exposição Beijo de Língua, individual do artista Nelson Felix (Rio de janeiro, 1954), trazendo dezenas de obras, entre esculturas (algumas de grande porte), desenhos, fotografias e um vídeo. A curadoria é de Fernanda Pitta, docente do MAC USP. A ideia da exposição nasceu em 1978, quando Nelson Felix, visitando a região andina, percebeu uma coincidência entre as línguas Aimara (falada na região) e o Aramaico (da tradição semítica, do oriente médio): escritas em espanhol elas se tornam palíndromos (Aemara e Aramea). Felix passou a carregar esse pensamento por décadas, até encontrar em Beijo de Língua, a forma para materializá-la como uma das maiores exposições já realizadas pelo artista. “É uma exposição de esculturas, principalmente”, diz Nelson.

No núcleo central da mostra, Felix apresenta três esculturas criadas a partir de chapas de mármore. Escultura para Homero, Escultura para Santa Teresa e Escultura para Bertrand articulam três campos centrais em seu trabalho: sacrifício, tolerância e amor. O artista escolheu textos de três autores – Bertrand Russel, Homero e Santa Teresa D’Ávila, e alguns trechos são escritos nas línguas Aimara e Aramaico nas chapas de mármore, criando uma superfície rendada na pedra. Beijo de Língua tem três esculturas, formadas por duas chapas de mármore cada uma. As duas chapas, coladas, têm o mesmo texto, em duas versões: de um lado em Aimara e do outro, em Aramaico.

– Colo estas duas chapas com os textos, aliás, é a primeira vez que uso cola em meu trabalho. Aqui a cola é material tão importante como o próprio mármore, ou o bronze ou mesmo os elementos vegetais que uso. Assim, nos caracteres, surgem vazamentos mútuos, as línguas se tocam, é para mim, um beijo – afirma o artista.

“As superfícies se tocam, mas mantêm intervalos onde os idiomas não coincidem. A cola evidencia a operação que sustenta a união sem eliminar a diferença. O texto passa a atuar como matéria, inscrita e articulada na estrutura da obra”, observa a curadora Fernanda Pitta.

Já Carta de amor, trabalho apresentado em 2022 em forma contínua, como um projeto, agora ganha duas novas versões, escultóricas: Pétala e Caule. As obras apresentam diversos materiais: mármore, bronze, ferro, cabo de aço, cacto e fio de seda. As séries de desenhos revelam diferentes facetas do trabalho de Felix, com referências de obras anteriores, e estudos do trabalho atual. Na série 7 noites vazias e 21 dias como 21 anos (2024) podemos ver um mesmo gesto, feito com bastão de óleo, que nunca é igual a si mesmo. A obra gráfica Tartaruga de Homero (2024), série com três trabalhos, traz referências do verso de Homero (Hino Homérico a Hermes), em que Hermes mata uma tartaruga e cria a primeira cítara. Para Felix, na criação deste instrumento, acontece o nascimento da música.

Para a curadora da exposição, “a partir do movimento de retomada e rearticulação contínua de ideias, materiais e procedimentos, as obras de Nelson Felix deixam de operar de forma isolada e passam a constituir um conjunto de relações, formando um conjunto aberto, em que as obras se relacionam por aproximações e distâncias, entre línguas e sistemas de pensamento, como o Aramaico e o Aimara, eixo central da exposição.”

Exposição | Beijo de Língua
De 30 de maio a 20 de novembro
Terça a domingo das 10 às 21 horas

A Casa Museu Ema Klabin apresenta a exposição Habitar São Paulo: relatos femininos, com idealização do curador da casa museu, Paulo de Freitas Costa, e curadoria do núcleo educativo. A mostra convida o público a percorrer a cidade a partir de narrativas de dez escritoras, reunindo trechos de suas obras que atravessam o cotidiano, a memória e o espaço de suas casas em São Paulo. Ao transitar entre o íntimo e o coletivo, os relatos revelam diferentes formas de viver e perceber a cidade. Os trechos selecionados estarão expostos ao lado de fotografias raras dos ambientes de suas casas, que remetem aos contextos descritos pelas autoras.

A exposição busca apresentar a cidade a partir de narrativas femininas que atravessam diferentes épocas, contextos sociais e territórios. Gilda de Mello e Souza, Zélia Gattai, Rita Lee, Giovana Madalosso, Paula Fábrio, Adriele Oliveira, Helena Silvestre, Lilia Guerra, Luísa Marilac e Prudence Kalambay partem da memória íntima, familiar e coletiva para construir retratos de diferentes formas de habitar a cidade.

“São Paulo guarda muitas memórias, muitas histórias. A exposição Habitar São Paulo: relatos femininos toma emprestado o olhar e a perspectiva dessas escritoras que descreveram realidades e histórias tão particulares quanto universais, nos trazendo relatos sensíveis, trágicos, íntimos ou até engraçados. A mostra busca, assim, ampliar o olhar para uma pluralidade de vivências em uma cidade marcada por intensos contrastes”, explica Cristiane Alves, coordenadora do educativo e uma das curadoras da exposição.

Esses relatos serão apresentados a partir de cinco eixos narrativos: família, trabalho e convívio; memória de objetos e espaços; da janela para fora; percepções sensoriais; e a cidade sonhada. Organizada a partir desses percursos, a exposição se distribui pelos ambientes da casa museu e propõe um diálogo entre literatura e memória. O público também terá acesso a gravações em áudio com vozes femininas que narram os textos selecionados e a um espaço de leitura com livros das escritoras participantes, possibilitando uma maior aproximação com as obras e narrativas presentes na mostra.

“Quando realizamos a exposição Tempos de uma casa no ano passado, percebemos a importância dos relatos de Ema Klabin e de suas amigas e funcionárias na construção de uma memória mais abrangente, com uma sensibilidade especial. Para esta exposição, pensamos em expandir a experiência, trazendo histórias potentes que nos permitem enxergar toda a cidade de outra forma”, afirma Paulo Costa, curador da casa museu e idealizador da mostra.

Exposição | Habitar São Paulo: relatos femininos
De 30 de maio a 27 de setembro
Quarta a domingo, das 11h às 17h, com permanência até as 18h; visitas mediadas de quarta a sexta, às 11h, 14h, 15h e 16h; sábado, domingo e feriado, às 14h

No Japão, existe uma cultura cromática única – conhecida como Nihon no dentōshoku (“cores tradicionais do Japão”, em tradução livre) – e dentre essas cores, o branco envolve a sensibilidade dos japoneses, refletindo diversas percepções evocadas no imaginário como paz, purificação, leveza, silêncio e até precisão. É esta cor que assume o papel de fio condutor da exposição “Shiro: uma escala de nuances” (shiro significa “branco”, em tradução do japonês), que estreia no dia 2 de junho na Japan House São Paulo (JHSP). A mostra inédita segue em cartaz no andar térreo da instituição até 25 de outubro, com entrada gratuita.

Com curadoria da diretora cultural da instituição, Natasha Barzaghi Geenen, a mostra introduz diversas tonalidades da ​cor ​branca no Japão, passando por quatro elementos: papel, seda, neve e sal, revelando as suas relações com a cultura japonesa. A inspiração para o recorte veio da leitura da obra “O País das Neves” (1948), de Yasunari Kawabata, durante o Clube de Leitura JHSP + Quatro Cinco Um em junho do ano passado, que descreve as vastas paisagens brancas do norte do país e o processo de alvejamento de um tecido na neve. “Shiro não é fruto de um conceito​ específico​, tem uma inspiração poética e abstrata. O branco, enquanto junção de todas as demais cores, serve aqui como ponto de partida simbólico para pensar como o Japão carrega tantas nuances e sutilezas, como é um país de muitas gamas, que podem passar despercebidas, mas não para o povo japonês, cujo olhar é apurado até para essas mínimas diferenças do branco”, afirma Natasha.

Dividida em quatro grandes núcleos temáticos correspondentes a cada elemento, a expografia convida os visitantes a um mergulho pelas nuances simbólicas da cor. Logo na entrada, uma tabela cromática com uma seleção de 19 tons de branco catalogados no Japão representa as diversas nuances que uma única cor pode ter, a partir das centenas de cores tradicionais do Japão.

No núcleo de Papel, a instalação “Poem of life”, da artista Ayumi Shibata, é feita de inúmeras folhas de papel cortadas como na técnica de kiri-ê e amarradas entre si, simbolizando o desejo da artista pela paz e harmonia do mundo. A obra de aproximadamente três metros de altura também trabalha a relação do papel com luz e sombra a partir de um espelho em sua base. Neste núcleo, o público também poderá conhecer o processo de produção do Kurotani Washi (papel japonês tradicional feito à mão), desde a colheita dos ramos de Kōzo (amoreira) – base para a fabricação deste elemento – até sua finalização. Amostras de três tipos de fibras que dão origem ao washi: Kōzo, Mitsumata e Gampi também estarão em exibição.

Para o núcleo de Seda,​​ a artista Kaoru Hirano apresenta uma obra produzida especialmente para a exposição. Conhecida por desconstruir peças de roupa em suas criações, Hirano escolheu trabalhar com um juban branco de seda (peça de vestuário tradicional japonesa usada por baixo do quimono), de sua avó paterna, falecida em 2018, para criar uma espécie de teia suspensa na instalação “untitled-grandmother”. A delicada obra site-specific de quase 4 metros de diâmetro reflete sobre memória afetiva e os laços construídos (e desconstruídos) dentro dessa relação familiar. Amostras de casulos do bicho-da-seda, fios e tecido da província japonesa de Gunma, referência na produção de seda, também serão apresentados neste núcleo, acompanhados por uma breve introdução em vídeo dessa confecção no Japão.

Já o núcleo Neve, aborda as paisagens do Norte do Japão, com seus invernos rigorosos, que evocam uma sensação de branco infinito, como descrito no livro de Kawabata. Para representar essa vastidão, foram selecionadas três fotografias de Land Art (intervenções feitas diretamente na paisagem natural), do artista Tomohiro Kajiyama, além de um vídeo demonstrando o processo de criação. Nesses trabalhos, é possível ver como o artista compreende a paisagem tomada pela neve como uma tela em branco, para ir caminhando instintivamente sobre ela com um par de pequenos esquis, guiado apenas pelas imagens em sua mente sem o uso de ferramentas de medição. Desse processo, resultam quilômetros de linhas que formam desenhos complexos, possíveis de serem contemplados em sua magnitude apenas do alto. Efêmeras, as “Snow Art” de Kajiyama costumam ocupar áreas de aproximadamente 100m² cada. “Suas criações ocorrem desde antes do amanhecer, no silêncio congelante, enquanto o céu começa a mudar de cor e continuam pela tarde, às vezes estendendo-se por vários dias. Segundo o artista, cada passo que ele dá para compactar a neve representa sua filosofia de esculpir a própria vida com uma mentalidade positiva, mesmo diante das adversidades”, explica a curadora.

A neve é um elemento tão presente no dia a dia do Japão, que os japoneses até desenvolveram um glossário dedicado a descrever suas diversas formas – seja a neve fina que parece pó, seja a neve macia que se assemelha a um mochi (bolinho de arroz glutinoso).

Assim como a neve, o sal também é especial no dia a dia dos japoneses. Embora o Japão seja um país cercado por mar, o seu ambiente não é propício à produção de sal. Por isso, desde tempos antigos, a produção de sal é feita por um método que consiste em duas etapas: a concentração da água do mar em salinas, e o processo de evaporação por meio da fervura. Esse método permanece em prática até hoje, mesmo que a produção seja feita majoritariamente de forma industrializada. Além de ser utilizado como tempero e conservante, o sal também é um objeto ritualístico na tradição xintoísta. A prática popular de criar pequenos montes de sal e deixá-los perto das entradas das casas, estabelecimentos ou santuários, como forma de atrair boa sorte e afastar os maus espíritos é chamada de morishio ou morijio. Dentre as inúmeras variações de sais encontradas no mundo, a mostra apresenta cinco tipos, originários de diversas regiões do Japão, evidenciando suas diferentes características e granulações.

A exposição também integra o programa JHSP Acessível, oferecendo WebApp com conteúdos acessíveis e textos traduzidos em inglês, espanhol e japonês, bem como recursos táteis, audiodescrição e vídeos em Libras para proporcionar acessibilidade a todos os visitantes.

Exposição | Shiro: uma escala de nuances
De 02 de junho a 25 de outubro
Terça a sexta, das 10h às 18h; sábados, domingos e feriados, das 10h às 19h

Nottingham Contemporary is thrilled to present the first European institutional solo exhibition And the soul is for the birds, of the late self-taught Brazilian artist Francisco da Silva (1922/3*–1985, Brazil), known as ‘Chico da Silva,’ or simply ‘Chico’. 

Chico’s paintings were a glimpse into an immense non-hierarchical cosmology that was fuelled by the artist’s own imagination, mythology and folklore. Depicting sea creatures swimming on the currents of outer space, and fantastical creatures vividly painted in hallucinatory battles or stretching their jaws agape to consume smaller creatures, Chico’s works call attention to the interconnectedness of everything. 

During his life, Chico’s practice was subject to significant local and international fascination, though in international contexts it was often exoticised as ‘primitive art’. Questions of authorship and authenticity following Chico’s establishment of a collective studio practice, the Pirambu School, also divided opinions. The exhibition at Nottingham Contemporary will present a selection of seminal paintings created throughout the artist’s lifetime and will celebrate Chico’s contribution and legacy to contemporary Indigenous art practice in Brazil. 

Chico was born surrounded by the Amazon rainforest in Alto Tejo, and while he moved across the region, he spent his life living in Brazil. Beginning his artistic journey through painting the whitewashed walls of the fishermen’s houses in Praia Formosa, he gave shape and colour to his drawings with pieces of charcoal, bricks, leaves, and other elements found around him. 

In his gouaches and paintings, Chico represented mainly forest creatures, such as birds and fish of the Amazon, as well as fantastical figures, such as dragons. His artworks give form to stories and mythologies from the oral tradition embedded in the culture of Northern Brazil. His compositions are marked by rich polychromy and the graphic details of his drawings, composed of colorful wefts and lines. 

Given the originality of his style and compositions, he stood out in the context of the so-called Brazilian popular art movement and, in addition to achieving great commercial success during his lifetime, he attracted considerable interest from critics. Among the major exhibitions he has participated in are: Francisco da Silva, Galerie Pour L’Art, Lausanne, Switzerland (1950); Exhibition of Primitive and Modern Art, Musée d‘Ethnographie, Neuchâtel, Switzerland (1956); 8 Brazilian Naïve Painters, Galerie Jacques Massol, Paris, France (1965); 9ª São Paulo Art Biennial, Brazil (1967); and Tradition and Rupture: Synthesis of Brazilian Art and Culture, Fundação Bienal de São Paulo, Brazil (1984). In addition, in 1966 he received the Honorable Mention award for his participation in the 33rd Venice Biennale. 

* The artist’s date of birth is not precisely known and is widely circulated as 1910. Given the precarious nature of record-keeping in early twentieth-century Brazil, together with the adverse conditions of his life, it is unfortunately not possible to determine the exact date with certainty. In recent years, however, based on cross-referenced data and interviews given by the artist, it has been established that the widely circulated 1910 date does not align with the findings of researchers.

Serviço
Exposição | And the soul is for the birds
De 06 de junho a 13 de setembro
Terça a sexta, das 10:00h às 17:00h; sábado, das 11h às 18; domingo, das 10h às 17h

O Centro Cultural FIESP (CCF) recebe, pela primeira vez, a exposição “Victor Brecheret: a imagem indígena como símbolo de brasilidade”. A mostra propõe um novo olhar sobre a trajetória de um dos principais nomes do modernismo brasileiro, reunindo obras, fotografias e documentos que ajudam a compreender como Brecheret desenvolveu uma linguagem artística própria e como a figura indígena atravessou diferentes momentos de sua produção,?até se tornar um dos principais símbolos de sua fase final.

A exposição aborda a construção da linguagem escultórica do artista, um dos grandes nomes do Modernismo Brasileiro ligado à Semana de Arte Moderna de 1922. Ela destaca a última fase de sua produção, marcada pela influência das culturas indígenas. O percurso reúne esculturas, desenhos, fotografias e documentos que ajudam a contextualizar esse momento de sua trajetória.

Entre os destaques está a escultura “Acalanto de Bartira”, também conhecida como “Mulher Deitada na Rede”, considerada uma das obras mais emblemáticas de Brecheret e uma síntese de sua trajetória artística. A peça reúne elementos centrais de sua produção, especialmente a busca por uma representação mais sensível e humanizada da brasilidade. 

“Essa exposição convida o público a revisitar Victor Brecheret a partir de um olhar mais humano e contemporâneo, entendendo como a imagem indígena atravessou sua obra e sua visão sobre a construção da identidade brasileira”, afirma Fernando Brecheret, diretor do Instituto Victor Brecheret. 

‘’Para Tais Lara, diretora do Centro Cultural FIESP, a exposição convida o público a revisitar a obra de Victor Brecheret por um olhar contemporâneo e sensível, ressaltando sua contribuição fundamental para o Modernismo Brasileiro e para a construção da identidade cultural do país. Com a mostra, o SESI-SP reafirma seu compromisso com a valorização da arte e a democratização do acesso à cultura para públicos diversos.”

Há obras de Brecheret em coleções públicas e privadas no Brasil e no exterior, além de forte presença de seu trabalho em praças e monumentos da cidade de São Paulo. A proposta da exposição é ampliar o olhar sobre o artista para além de suas esculturas monumentais, e revelar diferentes camadas de sua trajetória. 

A curadoria é assinada por Maria Izabel Branco Ribeiro, em parceria com o Instituto Victor Brecheret (IVB), presidido por Victor Brecheret Filho.

Exposição | Victor Brecheret: a imagem indígena como símbolo de brasilidade
De 11 de junho a 30 de agosto
Terça a domingo, 10h às 20h – Entrada gratuita: não é necessário fazer reserva.

A fotógrafa carioca Isabel Becker inaugura a exposição Rejuntes Afetivos, no Museu de Arte de Brasília (MAB). Com curadoria de Cecília Fortes, a mostra reúne trabalhos que partem da memória para construir um olhar para a estética cultural brasileira.

O projeto nasce das primeiras memórias afetivas da artista. As primeiras referências vêm das estampas de azulejos presentes em cozinhas e banheiros, espaços do cotidiano marcados pela simplicidade e pela repetição de padrões gráficos muito característicos no Brasil entre as décadas de 1950 e 1970. São imagens ligadas à memórias passadas, que permanecem como referência no novo trabalho da artista.

Ao revisitar seu próprio acervo, Isabel percebe a presença recorrente desses azulejos em suas fotografias. A partir dessa constatação, inicia uma pesquisa que parte do íntimo e avança para uma investigação mais ampla sobre a permanência dessa estética no tempo. A artista passa a buscar esses vestígios em casas e ambientes que ainda preservam esses padrões, conectando memória pessoal e história coletiva.

Esse percurso leva ao encontro com a arquitetura modernista no Brasil. Durante a construção de Brasília, arte e arquitetura passam a se integrar de forma mais direta, incorporando azulejos como parte dos projetos. Referências como Le Corbusier e Lúcio Costa ajudam a consolidar esse pensamento, que ganha expressão nas fachadas, nos pilotis e nos espaços públicos da cidade.

Nas obras, a artista se aproxima de painéis e desenhos ligados a nomes como Athos Bulcão, Marcílio Mendes e Marcelo Campelo. Esses elementos aparecem reorganizados em fotografias que misturam observação e construção de cena. As imagens são apresentadas em dípticos e trípticos de 42 x 50 cm, reforçando a repetição e o ritmo presentes na azulejaria.

Em Rejuntes Afetivos, Isabel Becker retoma esses elementos por meio da fotografia. As obras exploram repetição, cor e composição, criando imagens que transitam entre registro e construção. “Cada imagem conta algum tipo de história, família, afetos e patrimônio”, afirma a artista. Em outro momento, reforça: “Na repetição das imagens, convido à reflexão sobre a preservação da nossa história, e a sustentabilidade, que não é mais uma escolha, é um único caminho.”

A montagem da exposição acompanha esse pensamento e se inspira na lógica dos painéis, propondo uma ocupação do espaço que dialoga com a arquitetura. “Rejuntes Afetivos dialoga com a arquitetura e nos conduz a espaços imaginários, um olhar para dentro”, resume.

Por meio da fotografia, o projeto propõe uma leitura contemporânea dessa herança, não apenas documentando, mas reativando visualmente esses azulejos como memória viva de um ideal estético e cultural que permanece no cotidiano urbano.

Com uma trajetória consolidada na fotografia, incluindo trabalhos para O Globo e revistas da Editora Abril, Isabel Becker desenvolve desde 2011 uma pesquisa autoral marcada pelo uso da cor e pela construção de imagens que transitam entre o real e o imaginário. Ao longo de sua carreira, realizou exposições individuais e participou de importantes mostras no Brasil e no exterior, com destaque para apresentações no Grand Palais, em Paris, além de edições da ArtRio. Em 2023, levou a exposição Luz na Sombra ao Espaço Cultural do Ministério Público, em Brasília, reforçando sua relação com a cidade. Em 2024, participou de mostras coletivas em São Paulo e voltou a apresentar a série em instituições no Rio de Janeiro e em Brasília.

A exposição tem o apoio da Fundação Athos Bulcão e Casa Museu Ema Klabin.

Serviço
Exposição | Rejuntes Afetivos
De 13 de junho a 30 de agosto
Todos os dias, exceto terça-feira, das 10h às 19h

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, com gestão da Associação Museu Afro Brasil – Organização Social de Cultura (AMAB), inaugura a exposição “Afríquia: o artista como colecionador”, com curadoria de Gabrielle Nascimento. A mostra convida o público a conhecer a coleção de arte africana do Museu a partir do olhar de seu fundador, Emanoel Araujo, revelando como suas escolhas artísticas, intelectuais e curatoriais contribuíram para a formação de um dos mais importantes acervos dedicados às culturas africanas no Brasil.

“Esta exposição parte da compreensão de que toda coleção é também uma narrativa. Ao reunir obras, documentos, fotografias e registros da trajetória de Emanoel Araujo, buscamos mostrar como seu olhar ajudou a construir não apenas uma coleção de arte africana, mas uma forma de pensar as relações entre África, diáspora e identidade afro-brasileira“, destaca a curadora Gabrielle Nascimento.

Reunindo mais de 200 obras, a exposição apresenta esculturas, pinturas, máscaras, documentos, fotografias, livros, discos, tecidos e objetos tridimensionais que ajudam a compreender não apenas a construção da coleção africana do Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, mas também a trajetória de Emanoel Araujo como artista, colecionador, curador e museólogo.

Composta majoritariamente por peças do próprio acervo do Museu, a mostra reúne obras tradicionais e contemporâneas, com destaque para produções da Nigéria e do Benim. O percurso expositivo evidencia as relações estabelecidas por Emanoel Araujo entre África e Brasil, revelando como referências culturais, religiosas e estéticas presentes no continente africano influenciaram sua produção artística e seu projeto museológico.

O título da exposição faz referência à série de xilogravuras Suíte Afríquia I, II e III, produzida por Emanoel Araujo em 1977 após sua participação no II Festival Mundial de Arte e Cultura Negra e Africana (FESTAC 77), realizado na Nigéria. A experiência marcou sua primeira viagem ao continente africano e teve impacto significativo tanto em sua produção artística quanto na formação inicial de sua coleção.

Mais do que apresentar objetos, a exposição propõe refletir sobre o colecionismo como uma forma de construção de narrativas. Ao acompanhar documentos, registros de aquisição, fotografias e obras reunidas ao longo de décadas, o público tem acesso a aspectos pouco conhecidos da atuação de Emanoel Araujo e às formas como ele construiu conexões entre memória, arte e diáspora africana.

A mostra também aproxima arte africana tradicional e contemporânea, reunindo desde máscaras Gelede e Egungun e esculturas de matriz iorubana até produções de artistas contemporâneos africanos incorporadas ao acervo em diferentes momentos da trajetória do Museu. A proposta evidencia a diversidade e a complexidade das produções culturais africanas, afastando leituras estereotipadas e destacando seus diálogos com a modernidade e os circuitos globais da arte.

Serviço
Exposição | Afríquia: o artista como colecionador
De 26 de junho a 13 de setembro
Terça a domingo, das 10h às 17h (permanência até às 18h)

Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Férias para Sempre, exposição individual de Tiago Carneiro da Cunha. Reunindo um novo conjunto de pinturas, a mostra do artista paulistano, radicado no Rio de Janeiro, se desenvolve por meio de cenas enigmáticas nas quais estados de lazer, prazer e repouso tornam-se cada vez mais difíceis de distinguir de imagens de colapso, desaparecimento ou morte. Corpos reclinados aparecem ao longo das obras, espalhados por praias, jardins, ruas e interiores, sua imobilidade suspensa entre férias e catástrofe. Ao mesmo tempo bem-humoradas, inquietantes e teatrais, as pinturas resistem a narrativas fixas, permitindo que momentos de ócio, vulnerabilidade e absurdo componham um tableau aberto a múltiplas interpretações.

Todas as telas são produzidas em um formato recorrente, compartilhando as mesmas dimensões, como variações dentro de uma mesma estrutura formal e conceitual. As composições se abrem para espaços amplos que oscilam entre paisagem e cenário teatral, conforme os enquadramentos panorâmicos de Carneiro da Cunha criam um campo visual em que primeiro plano e fundo se tornam protagonistas equivalentes. Coqueiros inclinados ecoam as posturas das figuras, enquanto crepúsculos dramáticos, focos concentrados de luz e construções espaciais marcadas conferem a muitas cenas uma qualidade quase autoiluminada. A exposição inclui duas interpretações distintas da Pietà, aproximando um dos motivos centrais da tradição clássica de imagens extraídas da vida contemporânea. Ao longo de Férias para Sempre, ambientes idílicos e urbanos convivem e se contaminam, animados por referências à cultura visual e à atmosfera cotidiana do Rio de Janeiro. Em conjunto, essas pinturas exploram o território incerto onde espetáculo e intimidade, humor e melancolia, férias eternas e descanso final começam a se confundir.

Entre suas exposições individuais recentes destacam-se Maldita Comédia, Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo (2023) e Green Galaxy, Misako & Rosen, Tóquio (2022). Participou também das exposições coletivas Terraphilia: Beyond the Human in the Thyssen-Bornemisza Collections, no Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madri (2025),  Estado Bruto, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro (2021) e A iminência das poéticas – 30ª Bienal de São Paulo (2012).O artista possui obras em importantes coleções públicas, entre elas o SFMoMA – San Francisco Museum of Modern Art, em San Francisco; TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection, Madrid; a Saatchi Collection, em Londres; o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio); o Museu de Arte do Rio (MAR); e o Arizona State University Art Museum, em Tempe.

A exposição é acompanhada por um texto de Gabriel Secchin.

Serviço
Exposição | Férias para Sempre
De 27 de junho a 29 de agosto
Terça a sexta, das 10h às 19h sábado, das 10h às 18h

Com trabalhos que incluem fotografia, instalação, vídeo, performance e desenho, a produção de Carolina Caycedo (colombiana nascida em Londres, Reino Unido,1978) se constitui como um ponto de encontro entre saberes e práticas que vão da arte contemporânea aos saberes ancestrais ribeirinhos e às estratégias de resistência de movimentos sociais latino-americanos.

A trajetória de Caycedo foi marcada por múltiplos processos migratórios que informam sua prática, refletindo as relações simbólicas e culturais que estabelecemos com o mundo. Trabalhando frequentemente de forma colaborativa, a artista busca reconstruir uma memória comunitária dos bens comuns, que englobam desde o espaço público urbano até rios e montanhas.

Com curadoria de Isabella Rjeille, a exposição confluências apresenta um panorama abrangente de sua obra e conta com criações recentes desenvolvidas no contexto brasileiro em diálogo com outros contextos latino-americanos e suas diásporas. O título se refere tanto à convergência de cursos de água quanto ao encontro de pessoas, ideias e culturas.

As paredes da exposição Carolina Caycedo: confluências foram pintadas com a cor  Porcelana da Tintas Coral, uma marca da AkzoNobel.

Serviço
Exposição | confluências
De 03 de julho a 04 de outubro
Terças e sextas das 10h às 22h; quartas, sábados e domingos das 10h às 18h

O que resta de um lugar quando ele é atravessado pela memória? Como a paisagem continua a se transformar quando passa a existir também no campo da imaginação? Essas questões atravessam A invenção do Paraíso: Gabriela Melzer & Ygor Landarin, exposição que coloca em diálogo, pela primeira vez, os dois artistas nos espaços principais da Galatea Salvador. A abertura acontece durante as celebrações da Independência da Bahia, período em que a cidade revisita sua história e reafirma sua potência cultural.

Tomando a ideia de paraíso como construção simbólica, provisóriae subjetiva, a mostra coloca em diálogo duas pesquisas que investigam as relações entre matéria e transformação. Embora partam de linguagens distintas, Melzer e Landarin compartilham o interesse por elementos do mundo visível, como formações geológicas, organismos marinhos, relevos, arquiteturas e vestígios materiais, que são continuamente reelaborados em suas obras.

Gabriela Melzer dá continuidade à investigação que vem desenvolvendo nos últimos anos em torno da abstração, da cor e da percepção. Em suas pinturas, referências observadas na natureza e na paisagem construída são transformadas em composições marcadas por contornos orgânicos e pela construção de paisagens interiores.

Parte das obras nasce da observação da arquitetura de Salvador e dos desgastes provocados pela ação do clima sobre suas superfícies. Em vez de representação direta, Melzer converte essas referências em estruturas pictóricas nas quais formas orgânicas, campos cromáticos e sistemas lineares coexistem em negociação constante. Linhas sinuosas atravessam áreas de cor organizadas por divisões modulares, produzindo composições que equilibram controle e improvisação, estabilidade e mudança.

Suas pinturas são construídas por meio da sobreposição de sucessivas camadas de tinta, às quais se somam gestos realizados com bastões oleosos que registram movimentos e ritmos sobre a superfície. Em Desenhos (2026), série realizada com bastão de óleo sobre painel telado, Melzer intensifica a presença do desenho e aprofunda uma investigação voltada a aspectos que escapam à observação imediata. Linhas e campos de cor organizam-se em composições que convidam a uma observação prolongada.

Sobre seu processo criativo, Gabriela Melzer declara: “Nas obras, o meu objetivo não é meramente representar o mundo, mas explorar essas brechas — lugares onde o físico e o não físico se tocam, criando uma realidade que sentimos, mas não vemos. Essa é uma busca por abrir espaços que todos podem acessar, mesmo que não estejam claramente delineados. Trata-se de nos permitir sentir além do que estamos acostumados, juntos, e encontrar uma maneira de dar forma ao que normalmente passaria despercebido.”

Já Ygor Landarin apresenta obras que nascem de seu interesse pelos lugares que atravessam sua trajetória e pelos vestígios que permanecem neles. Bordado, escultura e materiais como areia, porcelana fria e cimento aparecem como ferramentas para investigar relações entre matéria, tempo e memória. Em muitos de seus trabalhos, referências arqueológicas, concheiros e sambaquis servem como ponto de partida.

Parte dessa produção foi desenvolvida para a exposição após uma temporada de pesquisa em Salvador, quando Landarin realizou coletas em praias da cidade e ampliou seu contato com referências locais. A obra de Juarez Paraíso torna-se referência central na construção de Paraízo (2026), que reúne areia, conchas, ouriços e pedras. O trabalho transforma esses elementos em uma espécie de cartografia afetiva da cidade, construída a partir de vestígios, deslocamentos e das marcas deixadas pela passagem do tempo na paisagem soteropolitana.

A mostra também marca o início da representação de Ygor Landarin pela Galatea. Em um momento de crescente projeção institucional, o artista integra, em 2026, a exposição 39º Panorama da Arte Brasileira: Depois que tudo foi dito, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, e foi indicado ao Prêmio Pipa. Sua produção artística também integra a coleção do Museu de Arte do Rio.

Mesmo partindo de práticas distintas, Melzer e Landarin compartilham interesses estéticos que se cruzam. Na pesquisa artística de ambos, a matéria está sempre em transformação, entre acumulação e modificação ao longo do tempo e dos territórios. O Paraíso, aqui, transita entre o real e o imaginado, não como um lugar idealizado, mas como uma experiência em permanente mudança, onde imagens emergem como resultado de operações que articulam memória, observação e imaginação.

A programação da mostra inclui ainda uma conversa com Camila Yunes Guarita – fundadora da Kura e uma das principais art advisors do Brasil – ao lado de Gabriela Melzer e Ygor Landarin. O encontro será uma oportunidade para conhecer os caminhos que deram origem à exposição, destacando as aproximações entre as pesquisas dos artistas e a maneira como suas experiências em Salvador aparecem nos trabalhos apresentados. A atividade acontece no dia 3 de julho, às 16h30, pouco antes da abertura, no espaço principal da galeria.

Serviço
Exposição | A invenção do Paraíso: Gabriela Melzer & Ygor Landarin
De 03 de julho a 10 de outubro
Terça-feira, Quarta-feira, Quinta-feira, das 10:00h às 19:00h; Sexta, das 10h às 18h, das Sábado, das 11h às 15h

Na exposição Alegorias ancestrais apresentamos um conjunto de desenhos produzidos por Elias Santos em 2004, pertencentes à série iniciada em 1995. A presença das máscaras dos Zambiapungas abre espaço para uma leitura que articula as marcas de sofrimento presentes nesses corpos à violência histórica exercida contra populações africanas e afrodescendentes no Brasil. Nessa perspectiva, a deformação das figuras deixa de remeter apenas a experiências individuais e passa a evocar os processos de repressão que incidiram sobre essas práticas culturais e religiosas.

Paralelamente ao desenho, Elias desenvolve uma investigação escultórica ligada ao reaproveitamento de materiais cotidianos. Suas primeiras esculturas revelam o interesse por caixas de papelão, tecidos e materiais comuns encontrados no cotidiano urbano, como lixas adquiridas em lojas de construção civil e retalhos de tecidos. As esculturas apresentadas nesta exposição pertencem a dois momentos distintos de uma mesma pesquisa, compreendendo peças produzidas entre 2010 e 2013 e, posteriormente, entre 2024 e 2026. Em ambos os períodos, o papelão ocupa um lugar central em sua prática: um material simultaneamente frágil e resistente é utilizado tanto como estrutura prototípica quanto como parte constitutiva das peças. Após a modelagem dos volumes, as esculturas passam por sucessivas etapas de emassamento, lixamento e revestimento com tecidos preparados pelo próprio artista. O processo evidencia uma relação cuidadosa com a matéria, na qual cada etapa de elaboração contribui para a transformação de materiais ordinários em formas de grande sofisticação formal. Apesar de transitar por diferentes materialidades, suas esculturas encontram unidade na atenção dedicada aos processos construtivos, ao trabalho paciente de execução e à transformação dos materiais.

Na série mais antiga de esculturas geométricas aqui apresentada, predominam tonalidades sóbrias, como preto, branco e cinza, reforçando a dimensão estrutural e quase arquitetônica das peças. Suas formas pontiagudas e rigorosamente construídas evocam uma reflexão sobre a própria natureza da geometria, entendida não apenas como um sistema abstrato, mas como um princípio presente na constituição do mundo. Como observa o próprio artista, a forma geométrica está na base das formações minerais e das moléculas que compõem os organismos vivos e, consequentemente, as formas orgânicas.

À medida que essas esculturas se desenvolvem, seu geometrismo vai se complexificando, remetendo a repertórios simbólicos associados às religiões afro-brasileiras. Entre essas referências, destaca-se a relação que Elias Santos desenvolve com Exu, orixá responsável pela comunicação entre os mundos material e espiritual, cuja presença se manifesta de maneira recorrente em seu imaginário formal e simbólico. Em uma de suas peças, por exemplo, o tridente surge de forma explícita, tensionando a fronteira entre abstração geométrica e signo ritual. Esses elementos do universo das religiões afro-brasileiras atravessam o repertório visual do artista e se incorporam ao seu vocabulário formal. Embora não tenha sido iniciado na religião, Elias passou a conviver com esses universos, a frequentá-los e pesquisá-los após mudar-se para Salvador, onde ingressou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia. Entre terreiros, festas populares, feiras e manifestações culturais afro-brasileiras, esse conjunto de referências sedimentou-se em seu imaginário, tornando-se parte constitutiva das estruturas simbólicas e formais que atravessam sua produção.

A série mais recente de esculturas inaugura um novo momento em sua pesquisa. Nos últimos anos, a partir do convite da Galatea para participar da exposição coletiva Cais (Galatea Salvador, 2024) e dar continuidade à apresentação de suas obras na galeria, Elias retoma sua produção escultórica, incorporando formas mais curvas, camadas cromáticas intensas e materiais brilhantes, especialmente o lamê, tecido amplamente utilizado tanto nas vestimentas do candomblé quanto nas fantasias carnavalescas afro-baianas. Apesar da produção recente, a investigação desses materiais é anterior e remonta à sua experiência como assistente na confecção de adornos para o bloco afro Olodum, entre 2009 e 2010, quando teve contato direto com tecidos, brilhos e estampas, preservando as sobras desses materiais para futuras experimentações.

É nessa nova fase, apresentada nesta exposição por meio de esculturas inéditas, que suas obras se tornam mais sensuais, vibrantes e luminosas, intensificando suas dimensões performáticas. Os tecidos metálicos, brilhos e superfícies cintilantes projetam signos afro-brasileiros em um horizonte futurista, unindo ancestralidade e imaginação. As formas evocam memórias e cosmologias herdadas, refletindo um brilho do passado como forma de iluminar novas fabulações para o futuro.

Ao longo de sua trajetória, Elias Santos transforma a geometria em um campo de investigação no qual rigor formal, observação da natureza e repertórios afro-brasileiros se entrelaçam. Em suas esculturas, ritmos simétricos, estruturas modulares e volumes cuidadosamente construídos evocam tanto princípios presentes na constituição do mundo natural quanto símbolos e cosmologias associados às tradições afro-diaspóricas. Nesse sentido, sua produção aproxima-se de uma linhagem de escultores afro-brasileiros, como Rubem Valentim, José Adário dos Santos e Ayrson Heráclito.

Seja nos desenhos inspirados pelas formas híbridas das orquídeas, nos corpos mascarados que evocam os Zambiapungas ou nas esculturas construídas a partir de materiais reaproveitados, a obra de Elias revela um interesse contínuo pelos processos de transformação, nos quais natureza, corpo e ancestralidade se conectam em uma mesma investigação. Entre a precisão construtiva e a exuberância sensorial, suas obras articulam passado e presente, permanência e reinvenção, afirmando sua prática como forma de atualização de memórias e cosmologias que permanecem vivas e em constante transformação.

ALANA SILVEIRA é produtora cultural, curadora e diretora da Galatea Salvador

Serviço
Exposição | Alegorias ancestrais
De 03 de julho a 10 de outubro
Terça-feira, Quarta-feira, Quinta-feira, das 10:00h às 19:00h; Sexta, das 10h às 18h, das Sábado, das 11h às 15h

Integrando a programação da 16ª Bienal Internacional de Curitiba – LIMIARES, a exposição “Outras Paisagens“, com curadoria de Juliana Crispe e produção executiva de Corina Ishikura, reúne 35 artistas de diferentes gerações e territórios para refletir sobre as transformações urgentes do presente por meio da arte contemporânea. A mostra terá abertura no dia 1º de julho, às 19h, no Museu de Arte de Santa Catarina (MASC), no Centro Integrado de Cultura (CIC), e seguirá com visitação gratuita até o dia 4 de outubro de 2026.

A mostra propõe uma ampliação da ideia tradicional de paisagem. Mais do que representação do mundo natural, a paisagem é apresentada como experiência, memória, corpo, território e imaginação. As obras colocam em diálogo questões relacionadas às cosmologias ancestrais, aos arquivos, às expedições científicas, aos corpos dissidentes e aos imaginários especulativos, revelando tensões entre o humano e o tecnológico, o ancestral e o contemporâneo, o natural e o artificial.

Em sintonia com o tema LIMIARES, concebido pelas curadoras da Bienal Adriana Almada e Tereza de Arruda, a exposição habita espaços de transição e deslocamento, convidando o público a perceber o mundo como um campo em permanente transformação. Inspirada na noção de tempo espiralar, desenvolvida por Leda Maria Martins, a mostra compreende o passado, o presente e o futuro como temporalidades que se entrelaçam, abrindo caminhos para outras formas de existência, pertencimento e cuidado.

Ao reunir artistas na cena contemporânea, “Outras Paisagens” convida o visitante a deslocar o olhar e imaginar novas cartografias afetivas, políticas e sensíveis para o nosso tempo.

Participam da exposição os artistas: Aline Mararú, Aline Moreno, Amanda Melo da Mota, Ana Nitzan, Antonio Pulquério, Auá Mendes, bruCa teiXeira, Carlos Asp, Cássio Markowski, Corina Ishikura, Dani Shirozono, Desirée Feldmann, Elias Muradi, Fayga Ostrower, Franzoi, Jaider Esbell, Linda Poll, Lorena Galeri, Lucimar Bello, Marcella Moraes, Marcia Gadioli, Marina Uieara, Mauricio Igor, Milla Jung, Moara Tupinambá, Nilton Campos, Nita Monteiro, Rafaela Jemmene, Renata Felinto, Sandra Correia Favero, Sérgio Adriano H, Sheyla Ayo, Silvana Macêdo, Thatiana Cardoso e Tuca Chicalé.

Serviço
Exposição | Outras Paisagens
De 01 de julho a 04 de outubro
Terça-feira a domingo, das 10h às 21h

Com obras de Anne Lefebvre, Antonio Társis, Artur Lescher, Cristiano Lenhardt, Damián Ortega, Daniel Steegmann Mangrané, Erika Verzutti, Ernesto Neto, Flávia Vieira, João Maria Gusmão, Laís Amaral, Luiz Zerbini, Lygia Pape, Manuella Silveira, Marcius Galan, Marina Rheingantz, Marcos Siqueira, Patrícia Leite, Paulo Nimer Pjota, Paula Siebra, Pedro Tudela, Pedro Vaz, Rivane Neuenschwander, Santídio Pereira, Solange Pessoa e Vasco Futscher.

A Fortes D’Aloia & Gabriel tem o prazer de anunciar Soft Ground, a sexta edição de sua exposição anual de verão em Comporta, Portugal, apresentada pelo segundo ano consecutivo em colaboração com a Mendes Wood DM e, pela primeira vez, com a galeria portuguesa Kubikgallery.

A programação deste ano acontece em dois espaços: a Casa da Cultura da Comporta e o Espaço Museológico Museu do Arroz. A exposição coloca a arte contemporânea em diálogo com a atmosfera singular da região, propondo uma forma de experiência mais lenta e contemplativa. Fundamentada na abertura e no diálogo, a iniciativa reflete o espírito colaborativo das galerias ao fomentar parcerias significativas com instituições afins.

Situada entre os extensos arrozais e as dunas douradas de Comporta — uma das mais longas praias contínuas do mundo e uma das reservas naturais mais importantes da Europa — Soft Ground confronta as crescentes pressões que hoje recaem sobre a região. As recentes temporadas de eventos climáticos extremos tornaram impossível ignorar a gravidade da situação: tempestades que avançam sobre a costa, cidades inteiras submersas por enchentes, uma paisagem que se transforma diante de nossos olhos com uma velocidade e uma violência que não deixam espaço para dúvidas. “Tenho testemunhado a transformação desta região ao longo das últimas décadas, e esses debates tornaram-se mais urgentes do que nunca”, afirma Maria Ana Pimenta, sócia e diretora internacional da Fortes D’Aloia & Gabriel, idealizadora do projeto anual. “Nos interessa trazer à Comporta uma experiência visual e material potente, ao mesmo tempo em que abrimos um diálogo sobre questões centrais para esta região e profundamente conectadas às práticas de nossos artistas.”

Foi justamente esse sentimento de crise acelerada que deu à exposição sua urgência. “As mudanças que estamos testemunhando não são apenas ecológicas, mas também sociais e políticas, e sentimos que isso precisava ser abordado agora, por meio da arte”, afirma Carolyn Drake Kandiyoti, sócia da Mendes Wood DM. “A crise climática e a especulação imobiliária deixaram de ser forças abstratas; elas estão remodelando fisicamente a terra e a vida daqueles que a habitam.”

Por meio de diferentes linguagens, os artistas observam atentamente este momento de transição. No lugar de elegias ao que foi perdido, as obras perguntam o que vem a seguir e se ainda há tempo para moldar esse futuro. Soft Ground é apresentada em dois espaços por três galerias cuja colaboração reflete a convicção compartilhada de que o momento exige uma resposta coletiva, uma troca artística que ultrapasse os modelos tradicionais de exposição. A Kubik Gallery tem marcado presença em Comporta durante os dois últimos verões, aprofundando sua relação com a região e sua comunidade. “Unir forças com a Fortes D’Aloia & Gabriel e a Mendes Wood DM em Soft Ground nos permite criar algo com verdadeiro alcance”, afirma João Azinheiro, diretor da Kubik Gallery. “Uma exposição que fala à região como um todo e à escala dos desafios que estão em jogo.” Juntas, as três galerias promovem um diálogo urgente entre gestos frágeis de cuidado e preservação e as forças ecológicas, sociais e políticas que ameaçam sobrepujá-los.

A exposição será acompanhada por um ensaio crítico da curadora e escritora Filipa Ramos. Ramos é uma das vozes mais relevantes na intersecção entre arte, ecologia e imagem em movimento, reconhecida por sua investigação rigorosa sobre coexistência multiespécies, fragilidade ambiental e políticas da paisagem. Seu texto oferecerá um enquadramento crítico para as questões levantadas pela exposição: a terra, a transformação e as formas de atenção e cuidado que ainda precisamos escolher praticar.

Serviço
Exposição | Soft Ground
De 4 de julho a 5 de setembro
Terça a domingo, das 10h30 às 21h

O Paço Imperial apresenta a exposição “Micélio, entre o fim e o começo de tudo” da artista Kyria Oliveira. Com curadoria de Clara Pignaton, a mostra reúne esculturas produzidas por meio da técnica da feltragem e desenvolvidas a partir de sua pesquisa poética sobre o micélio — rede subterrânea de fungos capaz de estabelecer conexões, trocas e formas de comunicação invisíveis entre organismos da floresta.

Dona de uma técnica apurada e profundamente sensível, a artista esculpe como quem costura uma vestimenta, estabelecendo uma relação íntima entre matéria e corpo. A lã, sobreposta em delicadas camadas, é feltrada pelo atrito entre água, sabão e gesto, em um processo repetitivo e meditativo, no qual o fazer manual se torna uma espécie de ritual. As esculturas moles e delicadas evocam ninhos, vísceras, fungos, organismos desconhecidos ou fragmentos de paisagens vivas. Em sua maciez, despertam um desejo de aproximação, acolhimento e afeto.

A exposição ocupa a galeria Armazém D’El Rei no Paço Imperial, reunindo obras da série Micélio, que convidam o público a fabular novos mundos a partir de estruturas híbridas que habitam o imaginário da artista, criando uma simbiose entre fungos e ninhos, entre proteção e decomposição, entre fim e reinício. O micélio, ao se expandir sob a terra, cria redes de troca e sobrevivência que permitem à floresta responder coletivamente às ameaças do ambiente. Mais do que uma referência científica, essa imagem torna-se, na exposição, uma metáfora poética e política: a possibilidade de imaginar formas de coexistência baseadas na interdependência, no cuidado e na capacidade de regeneração da vida.

“Assim como a nossa existência está no limiar entre a vida e a morte, eu busco esse momento do “entre”: entre mundos, entre a casa, entre o corpo e entre o tempo. Entre o agora e a eternidade, somos o instante. Acredita-se que o micélio ao se ramificar pela floresta cria um canal de comunicação na floresta, independente de qualquer comprovação científica, é inspirador imaginar que a floresta se protege onde a humanidade falhou”, declara a artista.

“Na série Micélio, interessa à artista pensar as esculturas para além da condição de objeto, propondo reflexões sobre uma ecologia política das coisas e sobre materialidades que resistem. Ninhos e cogumelos aparecem como fios condutores de vidas possíveis em meio às clareiras e aos solos áridos produzidos pelas transformações humanas sobre a paisagem. São formas que sugerem abrigo, regeneração e continuidade, mesmo diante de cenários de exaustão e ruína”, afirma a curadora Clara Pignaton.

Serviço
Exposição | Micélio, entre o fim e o começo de tudo
De 4 de julho a 6 de setembro
Terça a domingo, das 12h às 18h

O projeto Nordeste expandido: estratégias de (ré)existir volta-se para a produção das artes visuais dos estados que compõem a área de atuação do Banco do Nordeste, buscando evidenciar a potência da diversidade e as múltiplas formas de afirmação da vida. A curadoria geral contou com a participação de Jacqueline Medeiros, auxiliada por Cecília Galindo, em parceria com curadores locais, culminando em exposições realizadas em todas as capitais nordestinas, além de Montes Claros (MG) e Vitória (ES).

Propor uma coleção para o BNB significa assumir como princípio a representatividade de toda a sua área de atuação, incluindo uma atenção especial à produção artística das cidades do interior da região. Nesse sentido, o projeto buscou reduzir as diferenças quantitativas de artistas por estado dentro da Coleção. A partir da análise do acervo já existente, foram selecionados tanto artistas históricos quanto nomes da produção contemporânea, reconhecendo a pluralidade da região em contraponto à ideia muitas vezes engessada de uma identidade homogênea. A escolha das obras privilegiou conjuntos capazes de estabelecer diálogos múltiplos e plurais.

Pensar em “Nordestes” é partir, antes de tudo, de um território movente, múltiplo e diverso. À medida que as obras foram incorporadas, novas camadas de realidade também passaram a integrar a coleção do Banco.

O projeto esteve sempre vinculado aos processos curatoriais de cada estado, o que conferiu singularidade a cada etapa e reforçou a complexidade do seu contexto geral.

Não houve preferência por técnicas ou estéticas específicas. Ainda assim, a pintura aparece de forma predominante, como um campo aberto de disputas de visualidades, linguagens, experiências de vida, intimidades e cotidianos, criando léxicos próprios para compreender o mundo a partir de si e, assim, conectar-se a ele. Também se destaca a atuação desses artistas em seus territórios afetivos e simbólicos, ao mesmo tempo em que se apropriam da iconografia clássica da arte e de técnicas tradicionais — como a tinta a óleo e o verniz — ressignificando-as no presente.

Popular e contemporâneo coexistem sem hierarquias, cronologias rígidas ou segmentações sociais, raciais e étnicas. A proposta curatorial busca subverter as persistentes hierarquizações da História da Arte, ainda presentes em diferentes esferas do sistema artístico, aproximando os trabalhos por afinidades poéticas, entre harmonias e tensões.

As obras estão  organizadas em quatro núcleos inspirados na poética de músicas de autores da região a saber:. Este coco é feito com palmas de mão, do Coco Raízes de Arcoverde, reúne trabalhos ligados às crenças, culturas, saberes e tradições, evocando uma descendência cuja essência é a coletividade. Tocando em frente o chão da canção, de Gal Costa e Caetano Veloso, aborda os contornos políticos e sociais dos corpos, suas subjetividades, manifestações e rupturas. Galos, Noites e Quintais, do cearense Belchior, atravessa as memórias de quem migrou do campo para a cidade, entre desafios e esperanças. Já De chapéu e sol aberto, do compositor pernambucano Capiba, apresenta os olhares dos artistas sobre as paisagens de um Nordeste expandido, tanto geográfica quanto subjetivamente.

A exposição já percorreu as cidades de São Luís (MA), Teresina (PI), Fortaleza (CE), Natal (RN), João Pessoa (PB) e Aracaju (SE), chegando agora ao Sudeste. Reúne 216 obras de 107 artistas, compondo um circuito de encontros e conversas em torno dos trabalhos expostos e dos principais temas presentes nas produções. Esses encontros contam com a participação de curadores locais, artistas e convidados, reforçando a importância dos espaços de diálogo, da roda de conversa e da troca como forças motrizes do pensamento artístico.

A coleção do Banco do Nordeste foi construída ao longo de sua trajetória institucional. Para uma instituição cuja função é contribuir para o desenvolvimento do Nordeste, do Espírito Santo e do Norte de Minas Gerais, a constituição de um acervo de arte surge como um desdobramento natural. Os caminhos que levaram à formação dessa coleção passaram por diferentes estratégias, nas quais prevaleceram as relações diretas com os artistas.

O público é apresentado, assim, às diferentes dinâmicas de produção locais e à potência dessa diversidade. Sem a pretensão de constituir um mapeamento ou esgotar a pesquisa, o projeto permanece aberto a novos desdobramentos, investigações e encontros que certamente ainda virão.

Serviço
Exposição | Nordeste expandido: estratégias de (ré)existir
De 4 de julho a 6 de setembro
Terça a domingo, das 12h às 18h

“Sempre sonhei com isso. Ter a força das lagartas. Ver asas surgindo do meu corpo de verme. Voar ao invés de arrastar-me pelo chão. Apoiar-me no ar e não sobre a pedra. Passar de uma existência a outra sem ter que morrer e renascer e, assim, revirar o mundo sem sequer o tocar. A mais perigosa forma de magia. A existência mais próxima da morte. A metamorfose”
Emanuele Coccia (Metaformoses)

Transmorfos são seres capazes de assumir diferentes contornos por meio da metamorfose e transfiguração, seja esse corpo animal, vegetal, humano ou sobrenatural. Tais criaturas habitam de maneira ampla mitologias africanas, indígenas, nórdicas e populares de distintas regiões, conectando-nos com as milhares de possibilidades vitais de existência, tão discutidas ao longo da história. Mais do que figuras do imaginário, essas formas ecoam cosmologias nas quais o corpo não é uma essência fixa, mas uma posição transitória — como propõe Eduardo Viveiros de Castro, ao pensar o perspectivismo ameríndio, no qual todos os seres compartilham uma condição de sujeito, diferenciando-se apenas pelos corpos que habitam. Não é sobre virar outro, mas revelar que já se é múltiplo.

A mostra coletiva “Ecologias do corpo” visa refletir e ampliar nosso pensamento e nossos horizontes sobre a transhumanidade e as possibilidades do ser a partir da obra de artistas contemporâneos brasileiros que discutem o tema em suas respectivas produções, sejam elas papel, pintura, escultura, vídeo, fotografia ou instalação. São eles Alex Červený, Barrão, Caroline Ricca Lee, Davi de Jesus do Nascimento, Gabriel Massan, Gustavo Caboco, Juno B, Manuela Costa Silva, Marina Woisky, Josi, Saulo Szabó e Selva de Carvalho.

A transhumanidade permeia a maneira como nos comunicamos com o mundo. Porque viver requer experimentar a ideia de ‘contágio’ como medida para nossas relações com outras espécies, culturas e tecnologias. Nesse sentido, como sugere Donna Haraway, não existimos como entidades isoladas, mas como seres que se constituem no “fazer-com” — em alianças e contaminações contínuas com o que nos cerca. Somos permanentemente afetados por diferentes formas de existência, vegetais, animais, minerais, inorgânicas e, inclusive, artificiais. Essa ecologia de corpos e seres, que compreendem humanos e não humanos, envolvem relações biológicas, políticas e de afeto, que nos contaminam e nos modificam constantemente, levando-nos a inúmeras mudanças, em como agimos, sentimos e vemos o mundo ao redor. É quando a transformação deixa de ser metáfora e passa a afetar o modo como o corpo se posiciona no mundo — abrindo fissuras no que antes parecia estável. Todos estamos aptos a nos transfigurarmos. Essa é a beleza da experiência vital compartilhada. Afinal, quem deseja a terrível limitação de viver apenas do que é passível de fazer sentido? É característica do ser animado buscar a profunda desordem orgânica que, no entanto, dá a pressentir uma ordem subjacente.

Discutir o transmorfismo na arte e na vida é falar também sobre liberdade. Liberdade de deixar-se ir para fora, mas principalmente para dentro de nós mesmos. Uma liberdade que não se afirma pela autonomia, mas pela capacidade de atravessar e ser atravessado — de reconhecer-se múltiplo, em relação, em constante metamorfose. É sustentar tal transformação, mesmo quando ela dissolve aquilo que pensávamos ser. Há, nesse gesto, uma ética do descontrole: permitir ao outro — humano ou não — existir em sua alteridade, ao mesmo tempo em que se aceita o risco de não coincidir consigo mesmo. Ser livre, nesse contexto, é abdicar da forma fixa, é consentir com o fluxo, é existir na borda entre o que já foi e o que ainda não tem nome. Como afirma Clarice Lispector em seu clássico Água Viva, “Escuta: eu te deixo ser, deixei-me ser então.”

Serviço
Exposição | Ecologias do corpo
De 4 de julho a 6 de setembro
Terça a domingo, das 12h às 18h

Espaços de convivência e troca, as ruas revelam um Brasil plural, vibrante e em movimento, onde tradição e inovação caminham lado a lado, moldando formas de viver e de imaginar o futuro. É dessa atmosfera que nasce a exposição inédita Celebrar as ruas: 50 anos de Fiat e brasilidade na Casa Fiat de Cultura, uma experiência que convida o público a mergulhar na essência da nossa cultura e na força criativa que transforma o cotidiano em arte.

Com curadoria de Yuri Quevedo, Peter Fassbender e Marcos Rozen, além da curadoria de moda de Mercedes Tristão, a mostra ocupa todos os espaços da instituição com mais de 250 peças, entre obras de arte, fotografias históricas, looks de moda, automóveis que marcaram gerações, além de vídeos, instalações imersivas e obras site-specific.

Para os apaixonados por automóveis, o lendário Fiat 147, primeiro carro movido a álcool produzido em série no mundo, ganhou protagonismo na exposição, mostrando como a ousadia e a inovação redefiniram a indústria nacional nas últimas cinco décadas. Para retratar o espírito transformador dos anos 1970, a exposição apresenta registros históricos de grande impacto, como a visita do então presidente Juscelino Kubitschek à fábrica da Fiat, em Betim (MG), um momento que ajudou a consolidar a marca como parte da história do país.

A exposição conduz o visitante por uma narrativa envolvente, que se desdobra em múltiplas linguagens e convida tanto à interação lúdica quanto à reflexão sobre o futuro. Ao longo do percurso, surgem obras de grandes nomes da arte brasileira, como Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Guignard, Di Cavalcanti, Djanira da Motta e Silva, Cláudio Tozzi e Beatriz Milhazes, que ajudam a contar a história da arte nacional em diálogo com o presente.

A mostra também destaca criações de ícones da moda brasileira, como Clodovil Hernandes e Ronaldo Fraga, além de carros-conceito que revelam a força criativa do país e provocam novos olhares sobre legado, inovação e futuro. As ruas, nesse contexto, aparecem como palco de transformações e experiências coletivas, reafirmando sua potência como espaço de cultura e identidade.

Ao celebrar 50 anos de história no Brasil, a Fiat reafirma seu papel como protagonista na vida e na cultura do país. Mais do que veículos, seus modelos se tornaram símbolos de progresso e inovação, acompanhando de perto a evolução da sociedade por meio de design arrojado, tecnologia de ponta e funcionalidade que dialogam com o cotidiano do brasileiro. Em um país de dimensões continentais, o automóvel vai muito além da mobilidade: transforma-se em uma poderosa expressão cultural, tão presente e apaixonante quanto o futebol, a moda, o Carnaval e a religiosidade. Mais do que meios de transporte, os carros da Fiat consolidam-se como ícones de pertencimento e emoção, parte essencial da identidade brasileira e da forma como o país se reconhece, celebra sua história e projeta o futuro.

Serviço
Exposição | Celebrar as ruas: 50 anos de Fiat e brasilidade na Casa Fiat de Cultura
De 07 de julho a 11 de outubro
Terça-feira, Quarta-feira, Quinta-feira das 10:00h às 21:00h; sábados, domingos e feriados, das 10h às 18h (exceto segundas-feiras)

A Anat Ebgi tem o prazer de apresentar JANELAS IMAGINÁRIAS, da artista brasileira Mucki Botkay. Esta é a primeira exposição individual da artista na galeria e sua estreia nos Estados Unidos. A mostra estará em cartaz no espaço da 6150 Wilshire Blvd.

Mucki Botkay traduz a linguagem da pintura em planos meticulosamente bordados com miçangas de vidro coloridas à mão. Suas composições, de grande complexidade óptica, são construídas sobre uma sólida paleta cromática desenvolvida pela própria artista e por sutis variações no tamanho, formato, orientação e densidade das miçangas, fazendo com que a imagem oscile entre um todo unificado e milhares de pontos individuais de luz.

Emaranhados densos de raízes de mangue e naturezas-mortas de composição depurada cintilam em luz e ritmo, com superfícies que ganham vida pela acumulação de pequenas contas reluzentes. As tapeçarias de Botkay expandem as possibilidades da pintura herdadas do Modernismo ao colocar questões relacionadas à cor, à superfície e à abstração em diálogo com tradições materiais de práticas artesanais como a tapeçaria, o mosaico e o bordado.

Inspirando-se nas paisagens costeiras do Rio de Janeiro e da Bahia, assim como nos ecossistemas da Mata Atlântica, Botkay traduz formas orgânicas em campos imersivos de cor. Jardins, florestas, flores, cipós, ondas e garrafas surgem em suas imagens antes de se dissolverem gradualmente em redes ritmadas de pontos e partículas que transitam entre a representação e a abstração à medida que o espectador se aproxima de suas superfícies intrincadas.

Formada em artes decorativas pela École Supérieure des Ensembles, em Genebra, no fim da década de 1970, Botkay chegou à sua prática atual após décadas de experimentação com design têxtil, moda, estamparia e bordado. As obras que produz hoje são desenvolvidas em colaboração com uma rede de bordadeiras locais altamente especializadas, refletindo tanto sua profunda conexão com o território quanto seu compromisso contínuo com o fortalecimento das comunidades artísticas no Brasil.

O processo intensivo de bordado com miçangas reforça os temas presentes na própria obra. Cada miçanga se acumula para formar grandes estruturas como copas de árvores, sistemas de raízes e anéis de crescimento, que registram a passagem do tempo. Crescimento, repetição e duração são, ao mesmo tempo, tema e processo de uma pesquisa que amplia a linguagem da pintura por meio da textura, do movimento e da materialidade.

Mucki Botkay nasceu em 1958, no Rio de Janeiro, Brasil. Realizou sua primeira exposição individual em 2025 na Galatea Salvador, em Salvador, Brasil. A Anat Ebgi apresentou o trabalho da artista pela primeira vez nos Estados Unidos no início deste ano, durante a Frieze Los Angeles. Botkay vive e trabalha no Rio de Janeiro

Serviço
Exposição | JANELAS IMAGINÁRIAS
De 11 de julho a 28 de agosto
Terça a sábado, das 11h às 18h

É com júbilo que a Galeria de Arte André sedia a nova individual de Philip Hallawell, artista tão ligado à história do espaço. A mostra pode servir de festejo pelos 50 anos da primeira individual do artista, na própria André, no final dos anos 1970. No entanto, o evento pode marcar as razões pelas quais Hallawell inscreve sua importância na arte brasileira.

Desenvolvendo sua teoria de image ID e lançando um livro sobre o assunto, isso revela o forte caráter didático que a carreira do artista abriga. Já se tornou um clássico o seu programa na TV Cultura. Mesmo com o avanço enorme da tecnologia, Hallawell sabe bem o valor do grafite sobre o papel.

Outra faceta relevante de Hallawell é a contribuição para a documentação das exposições de artes visuais. Para a primeira individual, o artista concebeu e veiculou um pequeno folder, em cores, que servia de registro das telas presentes e 5 textos críticos, inclusive um de Pietro Maria Bardi (1900-1999). Não era usual tal espécie de catálogo e o sucesso da empreitada fez com que a galeria continuasse tal expediente, também feito em outros espaços e fundamental para o patrimônio visual da arte brasileira

E talvez o aspecto mais importante da mostra de agora é a relevante produção ligada ao onírico, simbólico e imaginário de Hallawell na arte nacional. Ao virmos os óleos de escala avantajada, por exemplo, exibidos hoje percebemos a qualidade tanto visual quanto conceitual de Hallawell, também presente nos desenhos e pasteis do artista.

Serviço
Exposição | Individual de Philip Hallawell
De 14 de julho a 10 de outubro
Segunda a sexta das 9h às 19h, sábado das 10h às 14h

Observação de elementos simples do cotidiano e um olhar sensível dos ciclos da natureza estão presentes nos trabalhos da artista Clara Fernandes a exposição “O Jardim também sonha”. Com curadoria de Victoria Beatriz, a mostra inédita abre no Espaço Jardim da Fundação Cultural Badesc, em Florianópolis.

Formada por objetos tridimensionais, compostos na maioria por tramas de ferro e gesso, como suporte para plantas, a mostra inédita apresenta 16 obras, com dimensões e densidades bem variadas, que foram desenvolvidas pela artista a partir de 2001. Entre os trabalhos apresentados estão a instalação ‘Efêmera’, que foi inspirada nas flores brancas que surgem da árvore Embiruçu, planta presente no jardim da casa e ateliê da artista no bairro Ratones, em Florianópolis.

“Essas flores, que aparecem à noite e permanecem pouco tempo, se destacam na escala cromática de todo ambiente. E as obras trazem um contraste entre cheio e vazio, leve e pesado, mesmo se tratando dos mesmos elementos”, explica Clara.

A curadora destaca que a artista está sempre percebendo como as árvores crescem, como precisam de água, como todo o sistema precisa funcionar para que aquilo aconteça. “Clara observa como os organismos criam condições para que outras vidas existam. Mais do que representar a natureza, interessa-lhe compreender seus modos de agir, uma tecnologia da própria vida. Por isso, acho bonita essa sensibilidade da Clara em relação à ecologia. A gente consegue perceber certas formas, certos movimentos, que depois vão contribuir para a própria trama das obras”, compartilha Victoria.

Essa será a quarta vez que a artista participa de exposições na Fundação Cultural Badesc. Foram duas individuais, “LUME”, em 2009, e “Epifânicas”, em 2015, e a coletiva “Exaptações – Jardim”, em 2024.

Para Clara Fernandes, ocupar o Jardim da Fundação Cultural Badesc é um exercício que envolve tanto os desafios do espaço e das condições climáticas quanto as possibilidades de ampliar o alcance da exposição. “Ao ser convidada para essa mostra, no Jardim, senti o desafio, no tempo do inverno, sujeito a ventos e chuvas, numa época pessoal onde busco estabilidade e permanência, dada minha juventude. Mas ao sair no espaço externo do atelier, percebi toda essa criação que mantenho, uma verdadeira vida expandida, pensei em fazer ao Jardim da Fundação uma visita do meu jardim”, completa a artista.

A exposição “O Jardim também sonha” poderá ser visitada até 15 de outubro de 2026, de segunda a sexta, das 13h às 19h. A Fundação Cultural Badesc fica na Rua Visconde de Ouro Preto, 216, no Centro de Florianópolis/SC.

Serviço
Exposição | O Jardim também sonha
De 16 de julho a 15 de outubro
Segunda a sexta, das 13h às 19h

Serviço
Exposição | Jogos de Contaminação
De 18 de julho a 31 de outubro
Terça a domingo, das 11h às 17h

A Casa Roberto Marinho amplia a programação da exposição o (tempo), individual de Waltercio Caldas, com uma mostra de cinema concebida pelo próprio artista. Reunindo 20 clássicos, a seleção estabelece um diálogo com temas centrais de sua produção, como tempo, espaço, percepção, linguagem e construção das imagens.

“Jean-Luc Godard disse que se o cinema não for capaz de nos falar de algo que não existe, ele será apenas uma indústria”, comenta Waltercio. “Os filmes aqui selecionados nos dão uma nova perspectiva para essa ideia quase absurda que chamamos de realidade. Estar diante dos fatos inventados nos redime de um cotidiano implacável que insiste em nos fazer desacreditar das múltiplas maneiras de ver os fatos. Nestes casos a ficção nos liberta.”

Ao longo de dez semanas, a mostra convida o público a estabelecer novas relações com a exposição a partir de produções realizadas entre as décadas de 1930 e 2020, por nomes fundamentais do cinema mundial como Andrei Tarkovsky, Jean-Luc Godard, Luchino Visconti, Michelangelo Antonioni, Orson Welles, Stanley Kubrick e Wim Wenders. Entre os títulos brasileiros estão Terra em Transe, de Glauber Rocha, e Limite, de Mario Peixoto.

As sessões acontecem às terças e quintas-feiras, sempre às 15h, até 22 de setembro, sem cobrança adicional de ingresso. As senhas serão distribuídas por ordem de chegada, com retirada trinta minutos antes de cada exibição. O auditório da Casa Roberto Marinho é acessível a pessoas com deficiência física e tem capacidade para 34 espectadores.

Programação completa:

Julho (sessões às 15h)

21/07 – O Amigo Americano (Wim Wenders)
23/07 – Asas do Desejo (Wim Wenders)
28/07 – Limite (Mario Peixoto)
30/07 – Terra em Transe (Glauber Rocha)

Agosto (sessões às 15h)

04/08 – Rocco e Seus Irmãos (Luchino Visconti)
06/08 – O Leopardo (Luchino Visconti)
11/08 – No Tempo das Diligências (John Ford)
13/08 – Era uma Vez no Oeste (Sergio Leone)
18/08 – Adeus à Linguagem (Jean-Luc Godard)
20/08 – Acossado (Jean-Luc Godard)
25/08 – A Pista (Chris Marker) + Um Condenado à Morte Escapou (Robert Bresson)
27/08 – Solaris (Andrei Tarkovsky)

Setembro (sessões às 15h)

01/09 – Dr. Fantástico (Stanley Kubrick)
03/09 – Barry Lyndon (Stanley Kubrick)
08/09 – A Marca da Maldade (Orson Welles)
10/09 – Verdades e Mentiras (Orson Welles)
15/09 – O Olhar de Michelangelo (Michelangelo Antonioni) + Profissão: Repórter (Michelangelo Antonioni)
17/09 – A Biblioteca do Mundo de Umberto Eco (Davide Ferrario)
22/09 – Um Condenado à Morte Escapou (Robert Bresson)

Serviço
Exposição | o (tempo)
De 21 de julho a 22 de setembro
Terça a domingo, das 12h às 18h
(Aos sábados, domingos e feriados, a Casa Roberto Marinho abre a área verde e a cafeteria a partir das 9h.)

Exposição “Entre o Instante e a Eternidade” reúne alguns trabalhos do artista que ninguém nunca viu.

A segunda exposição que integra o projeto Hassis 100 Anos será aberta no Museu Histórico de Santa Catarina, no Palácio Cruz e Sousa, em Florianópolis. Com curadoria de Luciana Paulo Corrêa e Monique Fonseca, “Entre o Instante e a Eternidade” vai reunir algumas obras do artista que nunca foram expostas ao público. A abertura será às 10h30, e a entrada é gratuita.

Realizadas em suportes como tela, papel kraft e plástico, as 18 obras pictóricas pertencentes ao acervo da Fundação Hassis evidenciam a diversidade de materiais explorados pelo artista. As pinturas revelam diferentes momentos da produção de Hassis e ampliam as possibilidades de leitura da obra.

Segundo a curadora Monique Fonseca, cerca de 80% das obras nunca foram exibidas antes e são resultado de pesquisa aprofundada no acervo da Fundação. “O processo de seleção das obras envolveu uma ampla pesquisa com o propósito de revelar trabalhos pouco conhecidos e oferecer novas leituras sobre a produção do artista. Esta é uma oportunidade singular de conhecer facetas ainda pouco exploradas de Hassis”, compartilha.

Embora marcada pelo ineditismo, a exposição também contempla temas emblemáticos da trajetória do artista. Entre eles, obras dedicadas a Florianópolis e à sua paisagem, como “Vento Sul e Chuva”, pintada em 1957 e considerada uma obra símbolo. Também estão presentes séries que abordam Carnaval, religiosidade e outros temas recorrentes.

Ao propor o título “Entre o Instante e a Eternidade”, a curadoria reconhece o lugar singular que Hassis ocupa: uma obra que não pertence apenas ao passado, mas que continua a alcançar o presente com a mesma força. Para Monique Fonseca, a expectativa é que o público se surpreenda ao visitar a mostra. “A exposição não foi concebida como retrospectiva, mas como experiência que mostra a atualidade de Hassis. E se ao final da visita o público sentir que esteve diante de um artista cuja obra permanece viva, capaz de emocionar, provocar e encantar cem anos depois de seu nascimento, teremos alcançado nosso principal objetivo”, afirma.

Essa não será a primeira vez que obras de Hassis serão apresentadas no Museu Histórico de Santa Catarina. O artista já participou de duas individuais no local, em 1990, com “Contestado – Terra Contestada”, e em 1991, com “Farra do Boi”.

Serviço
Exposição | Entre o Instante e a Eternidade
De 25 de julho a 28 de março de 2027
Terça a sexta, das 10h às 18h, e aos sábados e domingos, das 10h às 17h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição coletiva “Rajada encarnada”, como parte de seu II Ciclo Expositivo do ano. Com curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, a coletiva reúne trabalhos de Ana Prata, Anderson Borba, Maria Andrade, Pedro França e Rodrigo Andrade.

A mostra propõe uma reflexão sobre procedimentos e operações que constituem a prática artística e a obra de arte, destacando diferentes linguagens, modos de construção e materialidades que reverberam intensidades. No texto crítico, Thais Rivitti aponta que não cabe formular uma ideia geral ou um endereçamento conceitual capaz de dar conta do conjunto apresentado, uma vez que a exposição convida o público a observar de perto como os artistas trabalham e constroem sua pesquisa ao longo do tempo.

“Deixar um pouco de lado as referências circunstanciais que cada trabalho inevitavelmente guarda e atentar para seus modos de construção. Acompanhar o olhar, deslizando entre as obras, percorrendo superfícies, enroscando em emaranhados nodosos, dando de cara com materialidades mais duras e opacas, oscilando junto às vibrações mais frenéticas. Assim, é possível ver os trabalhos conversando entre si”, descreve a crítica de arte e curadora.

A exposição conta com dois grandes trabalhos de Pedro França (Rio de Janeiro, 1984) que partem de um suporte fragmentado, composto pela colagem de pedaços menores de papel. Sua estratégia de construção é a do acúmulo, na qual os desenhos do artista, transferidos para a tela por meio da técnica da monotipia, vão se sobrepondo, criando densidade e peso pela insistência e abundância das linhas e marcas importantes do labor do artista: áreas rasgadas, sobreposições, colagens.

Nos trabalhos de Anderson Borba (Santos, 1972), em oposição ao acúmulo, a ação muitas vezes começa com a subtração de matéria, por meio do desbaste da madeira, o gesto de entalhar, perfurar e escavar. Suas esculturas também evidenciam uma atenção especial às superfícies, aproximando-se de questões da própria pintura: além do volume e peso, sua obra investiga as formas de percepção da matéria.

No campo da pintura — embora os artistas entrelaçem linguagens a todo momento — as pinturas leves e atmosféricas de Maria Andrade (São Paulo, 1967) são conduzidas pela cor. Na série escolhida para a exposição, ela instala pequenas asas de metal nos trabalhos, criando um território em suspensão que oscila entre a ideia de tornar os objetos flutuantes e presos no espaço.

Já Ana Prata (Sete Lagoas, 1980) aproxima-se do mundo cotidiano — com fragmentos da arquitetura, revestimentos, móveis e objetos domésticos — para deslocar suas condições habituais e ampliar não somente sua presença no campo visual, mas também a condição de isolamento dos objetos no vazio. Também utilizando o mundo como um repertório plástico, Rodrigo Andrade (São Paulo, 1962) dá atenção à tinta como matéria. Em sua longa trajetória no campo da pintura, a tinta se torna um material quase escultórico, com densidade e peso, criando superfícies ásperas ou lisas, que se apresentam de formas diferentes ao espectador.

Além da coletiva, o II Ciclo Expositivo inclui as individuais “Política da superfície”, de Ana Raylander Mártis dos Anjos (Gabinete) e “Mitologias do mistério”, de Omep (Projeto 280X1020). Para o curador Claudio Cretti, “este ciclo propõe tensionar as dimensões constitutivas da prática artística contemporânea, ampliando as possibilidades de leitura do mundo e evidenciando, nessas fricções, a potência da oposição”.

Ainda no dia 25 de julho, o programa de Performances da Casa apresenta “O amor é floresta”, uma performance instalativa de Rodrigo Munhoz a.k.a. Amor Experimental em que plantas urbanas, conectadas a captadores, convertem o toque em som.

O II Ciclo Expositivo é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú, apoio de Casal Garcia e Interfood e apoio de mídia de Catraca Livre.

Serviço
Exposição | Rajada encarnada
De 25 de julho a 25 de outubro
Quarta a domingo, das 11h às 18h

Em colaboração com Cristina Tolovi e Luana Fortes, a Galeria Marília Razuk apresenta Quarto, mostra coletiva que dá continuidade a uma investigação curatorial que articula espaços domésticos e suas dimensões simbólicas e afetivas A exposição será realizada no Anexo Galeria Marilia Razuk, número 62 da Rua Jerônimo da Veiga, um espaço destinado a projetos especiais.

Partindo da ideia deste quarto como um ambiente íntimo e privado, a exposição propõe uma aproximação sensível com esse território onde o indivíduo se encontra consigo mesmo e, ocasionalmente, com o outro. As obras reunidas refletem sobre estados de solidão, relações de companhia amorosa e/ou sexual, além de explorar o universo onírico, os devaneios e as construções subjetivas que emergem nesse espaço.

Cristina Tolovi pontua: “Quarto parte de um espaço que todos conhecemos, mas que raramente pensamos: o lugar onde a subjetividade se forma. A exposição reúne obras que abordam esse território íntimo como refúgio, mas também como um campo ativo de construção, onde desejos, memórias e tensões ganham forma.”

A mostra desdobra questões já abordadas na coletiva Sala de Jantar, também realizada no Anexo Galeria Marilia Razuk, em maio de 2025, e que teve como ponto de partida o emblemático trabalho Hôtel du Pavot, Chambre 202, de Dorothea Tanning, estabelecendo conexões entre o surrealismo e suas investigações sobre o inconsciente e o espaço doméstico.

Reunindo artistas como Alan Chu, Ana Dias Batista, Ana Sant´Anna, A Transälien, Bruno Faria, Carolina Colichio, Débora Bolzsoni, Estúdio Rain, Juliana Sedó, Karola Braga, Lyz Parayzo, Marcus Deusdedit, Maria Tereza Bomfim, Mónica Heller, Patricia Faragone, Regina Vater, Rodrigo Bueno, Rose Afefé, Seba Calfuqueo e Thiago Honório, a coletiva propõe um percurso imersivo por diferentes abordagens contemporâneas que investigam a intimidade, o corpo, o desejo e os espaços de recolhimento.

“Passada a sala de jantar, uma caminhada por um corredor escuro leva até o quarto. Se, antes, procuramos dar o primeiro passo dentro da intimidade associada ao espaço doméstico, agora, damos os outros. Chegamos ao espaço que mais pode revelar sobre seu dono ou dona. Na sala de jantar, havia pequenas revelações, mas elas eram controladas, e se misturavam frequentemente a estratégias exibicionistas relativas a como alguém gostaria de ser visto”, conta Luana Fortes. Ainda segundo Luana, no quarto, há pouco espaço para estratégia. Por isso, esta exposição se aproxima sobre aspectos mais sutis do momento em que as pessoas se recolhem nos quartos onde dormem.

Quarto convida o público a atravessar um território sensível onde o privado se torna compartilhável e onde o quarto, mais do que um espaço físico, se revela como um campo de projeção subjetiva, memória e imaginação.

Serviço
Exposição | Quarto
De 09 de Maio a 08 de Agosto
Segunda a sexta, das 10h30 às 19h; sábado, das 11h às 16h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição “Política da superfície”, de Ana Raylander Mártis dos Anjos, como parte do II Ciclo Expositivo da Casa. Instalada no Gabinete, a mostra tem curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, e investiga a influência do maestro Heitor Villa-Lobos na implementação do ensino musical escolar no Brasil.

A artista visual Ana Raylander Mártis dos Anjos (Minas Gerais, 1995) desenvolve projetos a longo prazo com foco em pesquisa. Ela procura estabelecer um diálogo entre a história coletiva e sua biografia, recorrendo com frequência aos saberes da educação e escrita. Após participar da 36ª Bienal de São Paulo e do 59th Carnegie International, na Pensilvânia, EUA, a artista apresenta na Casa de Cultura do Parque um novo desdobramento de sua investigação sobre os cantos orfeônicos, prática coral amplamente difundida no Brasil ao longo do século 20.

Ao tomar como ponto de partida a atuação de Heitor Villa-Lobos na implementação do ensino musical escolar durante a Era Vargas, a exposição recupera um momento em que a música foi incorporada como ferramenta de promoção da ideologia nacionalista do regime vigente. Os cantos orfeônicos — realizados em escolas, praças e estádios — reuniam grandes grupos sob regência unificada, compondo uma massa sonora que participava da construção simbólica de uma identidade nacional.

“Neste período, a ideia de Brasil emergia como um mito de unidade, sustentado pela promessa de uma voz coletiva que, ao mesmo tempo em que incluía grupos, também acabava por suprimir aquilo que desviava”, reflete a artista. Em “Política da superfície”, ela utiliza o rodapé do Gabinete como um operador semelhante, em diálogo com a localização da instituição, às margens do Parque Villa-Lobos. Situado entre a parede e o chão, esse elemento arquitetônico ocupa uma região limiar: embora associado ao acabamento do espaço doméstico, também atua como uma tecnologia discreta de normalização, capaz de mascarar irregularidades e produzir continuidade onde há fraturas — um tipo de verniz social, como aponta Raylander.

Em “Política da Superfície”, a artista retoma o seu interesse pelos cantos orfeônicos e corais amadores, iniciado com o projeto Coral de Choros [Choratório] em 2018, para aprofundar a pesquisa sobre as contradições que atravessam a educação musical brasileira, a construção da ideia de povo e as narrativas de brasilidade cristalizadas no imaginário da nação. “Procuro observar com precisão aquilo que permanece junto ao chão, aquilo que se acumula nas bordas, as evidências que a história empurra para a porção mais rasteira do estrato social. Talvez seja justamente nessa região inferior, vizinha ao rodapé, onde as promessas de unidade começam a mostrar suas fissuras”, completa Raylander. Neste contexto, o silêncio assume um papel central para a artista no projeto, onde deixa de ser ausência de som e opera como um campo político.

Além da individual de Raylander, o II Ciclo Expositivo inclui a mostra coletiva “Rajada encarnada” (Galeria do Parque) e a individual “Mitologias do mistério”, de Omep (Projeto 280X1020). Para o curador Claudio Cretti, “este ciclo propõe tensionar as dimensões constitutivas da prática artística contemporânea, ampliando as possibilidades de leitura do mundo e evidenciando, nessas fricções, a potência da oposição”.

Ainda no dia 25 de julho, o programa de Performances da Casa apresenta “O amor é floresta”, uma performance instalativa de Rodrigo Munhoz a.k.a. Amor Experimental em que plantas urbanas, conectadas a captadores, convertem o toque em som.

O II Ciclo Expositivo é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú, apoio de Casal Garcia e Interfood e apoio de mídia de Catraca Livre.

Serviço
Exposição | Política da superfície
De 25 de julho a 25 de outubro
Quarta a domingo, das 11h às 18h