Edição digital #72

Serviço
Exposição | Ocupação Paulo Herkenhoff
De 30 de agosto a 23 de novembro de 2025
Terça a sábado, das 11h às 20h, domingos e feriados, das 11h às 19h

Serviço
Exposição | Ocupação Ailton Krenak
De 04 de setembro a 23 de novembro
Terça a sábado, das 11h às 20h, domingos e feriados, das 11h às 19h

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Vagarosa Luminescência Voadora, nova exposição de Luiz Zerbini em São Paulo. Neste corpo de trabalho, a imagem de cupinzeiros do cerrado brasileiro, com larvas em estado de bioluminescência, desencadeia uma nova investigação sobre cor, luz e ritmo, a partir dos fenômenos do mundo natural.

No espaço expositivo, uma grande instalação de esculturas dialoga com pinturas de larga escala, configurando um ambiente onde rastros da presença humana coexistem com a reprodução e transformação da própria imagem da natureza. Nesse meio interconectado e de atmosfera hipnótica, superfícies e volumes se tornam portais para uma percepção expandida. As propriedades pictóricas e esculturais se deslocam de uma obra a outra, instaurando um sistema de trocas visuais. O cupinzeiro, por sua vez, surge ora na pintura, ora como corpo escultórico de textura lisérgica.

“Como em um inventário afetivo e botânico dos trópicos, o artista se volta mais uma vez para a paisagem — não como cenário idílico, mas como corpo vivo, habitado, tensionado por histórias visíveis e invisíveis. A floresta, os campos, as margens dos rios, os vestígios urbanos e os restos do que chamamos de civilização são traduzidos em esculturas e telas de grande dimensão, com padronagens geométricas e gestos orgânicos”, escreve Catarina Duncan no ensaio crítico que acompanha a exposição.

Conjuntamente, as pinturas e a instalação formam uma teia de relações, entre narrativa e geografia, que evidencia a contínua experimentação de Zerbini entre diferentes meios. A exposição mostra como os ambientes, sejam florestas tropicais, arquiteturas animais ou margens costeiras, são compostos de camadas vitais, de equilíbrios entre contrários, transformações em curso, um emaranhado histórico, ecológico e plástico.

Serviço
Exposição | Vagarosa Luminescência Voadora
01 de novembro a 24 de janeiro de 2026
Terça a sexta, das 10h às 19h, sábado das 10h às 18h

A Galeria Gabinete, no Parque Cultural Casa do Governador, em Vila Velha inaugura a exposição Moderna para Sempre – Fotografia Modernista Brasileira na Coleção Itaú Cultural. Depois de apresentada em Vitória, a mostra volta ao Espírito Santo, chegando agora a Vila Velha com um novo recorte desta coleção feito por Iatã Cannabrava, curador de fotografia e pesquisador. Ela reúne 43 obras de 14 artistas renomados, com foco em suas participações no Foto Cine Clube Bandeirante, em particular, e na importância no movimento modernista para a cultura e identidade brasileiras.

Sempre com curadoria de Cannabrava, Moderna para Sempre passou por diferentes cidades do Brasil e do exterior, com diferentes recortes. Começou em 2010 pelo Museu de Arte do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre. Seguiu para Belém, Belo Horizonte, Brasília, Curitiba, Fortaleza, Recife, Ribeirão Preto, Rio de Janeiro, Santos e novamente Porto Alegre, além de Vitória, e agora Vila Velha. Em São Paulo, foi apresentada no próprio IC, em 2014 com o conjunto completo de 115 imagens de 26 artistas. No exterior, esteve em Assunção, no Paraguai; Cidade do México, no México; Lima, no Peru; Buenos Aires, na Argentina; em Montevideo, no Uruguai; e em Santiago, no Chile.

A exposição

Nesta nova itinerância, Moderna para Sempre apresenta obras dos fotógrafos modernistas Ademar Manarini, Eduardo Enfeldt, Eduardo Salvatore, Gaspar Gasparian, Georges Radó, Geraldo de Barros, German Lorca, Gunter E. G. Schroeder, João Bizarro da Nave Filho, José Yalenti, Lucilio Correa Leite Júnior, Osmar Peçanha, Paulo Pires e Rubens Teixeira Scavone. Uma equipe de educadores do Itaú Cultural irá a Vila Velha para formar educadores locais sobre as obras expostas e os artistas, para conduzirem visitas mediadas com o público.

“Atentos às transformações que ocorriam no mundo, os fotógrafos modernistas brasileiros devoraram influências para criar uma nova fotografia, que teve como premissa uma leitura essencialmente criativa e de ruptura”, explica o curador.

“É uma honra para o Parque Cultural Casa do Governador receber a mostra Moderna para Sempre como a segunda exposição da Galeria Gabinete. Ao celebrar nomes como Geraldo de Barros, German Lorca e Eduardo Salvatore, a exposição permite que o público conheça uma parte da história do Brasil pelo olhar de grandes fotógrafos”, avalia Mirella Schena, gestora e coordenadora artístico-cultural do Parque Cultural Casa do Governador.

Assim, um dos destaques da mostra é a obra Formas (1950), de Eduardo Salvatore, nome importante no cenário fotoclubista sendo um dos fundadores do Foto Cine Clube Bandeirante, em 1939, em São Paulo. Outros nomes importantes do período que estão presentes na mostra são Eduardo Enfeldt, com a fotografia Escada Branca (1957), assim como Lucilio Correa Leite Júnior, com Sinfonia Fluorescente (1960), e Sem Título (1966), do português João Bizarro da Nave Filho.

Outro destaque é o conjunto de 13 fotografias de José Yalenti: nove são obras de 1950, além de Energia (1945), Fonte 9 de Julho (1952), e Exaustor e Arquitetura nº7, ambas de 1957. Geraldo de Barros, por sua vez, tem o seu trabalho presente na exposição com Autorretrato, da série Edition Museé de l´Elysé Lausanne (Suíça, 1949), e outras cinco fotografias da série Fotoformas. Também é seis o número de obras que integra o grupo de fotos de German Lorca na exposição. Ainda dos anos 1950, estão presentes Chuva na Vidraça, de 1952, e Curvas Concêntricas e Curvas Cruzadas, ambas de 1955, que se unem a Folhagens, de 1960, e Catedral Aparecida e Pernas, de 10 anos depois.

Integram a mostra, ainda, obras dos fotógrafos Osmar Peçanha e Ademar Manarini. Do primeiro, há Palmas (1951), Equilíbrio (1960) e Linhas (1993), e do segundo, apenas uma, Sem título (1954), que retrata o abstrato-geométrico do autor.

Juntam-se a elas, duas fotografias de Rubens Teixeira Scavone, ambas de 1950, uma de Gaspar Gasparian de 1954, um trabalho do ano de 1960 de Georges Radó, e outros dois de 1970, de Gunter E.G. Schroeder. Quem arremata o recorte em Vila Velha são as obras Páteo de Manobras (1961), Estrutura-Catedral (1954), Luz da Cerâmica (1963) e Sinfonia Industrial (1975), de Paulo Pires.

Fotoclubismo

O fotoclubismo brasileiro teve início em São Paulo, no Foto Cine Clube Bandeirante, em 1939, e se alargou para outros fotoclubes da cidade paulistana. Em geral, era composto por fotógrafos amadores que, livres das obrigações de um trabalho comercial, puderam experimentar e quebrar regras. Entre eles estão artistas como Geraldo de Barros, José Yalenti e German Lorca.

“Nas imagens, encontramos as buscas por formas e volumes, abstracionismos e surrealismo, em uma evidente influência das antigas vanguardas europeias”, conta Cannabrava.

Os trabalhos destes artistas começaram pictorialistas, imitando os padrões da pintura do século XIX. Com o desenvolvimento e crescimento econômico do país, desembocaram no celeiro da fotografia moderna brasileira, a chamada Escola Paulista. “As obras parecem uníssonas porque têm forte unidade temática, divididas em dois grupos: cidades ou formas, sejam elas geométricas, elaboradas ou simétricas”, explica o curador. “A partir deste momento, texturas, contraluzes, enquadramentos sóbrios, linhas, solarizações, fotomontagens, fotogramas, entre outros tópicos, passam a integrar o vocabulário criativo”, reforça.

Vale observar, também, que a maioria dos membros dos fotoclubes era de imigrantes de origem europeia ou descendentes de refugiados das guerras do hemisfério norte, estabelecendo no Brasil uma produção com olhar mais otimista e de esperança no futuro, distante de assuntos sociopolíticos que predominavam nos trabalhos da época, e diferenciando-se do movimento europeu focado nas dificuldades sociais.

Para o curador, este grupo se antecipou ao universo atual, montando o que poderia ser chamado de primeiras redes sociais de que se tem conhecimento na área de fotografia. Por meio de salões, catálogos e concursos, formaram uma teia internacional que divulgava a produção nos grandes centros da fotografia mundial e também do Brasil.

Serviço
Exposição | Moderna para Sempre – Fotografia Modernista Brasileira na Coleção Itaú Cultural
De 05 a 30 de novembro
Terça-feira a sábado, das 08h às 17h (com última entrada às 16h), domingos e feriados, das 08h às 15h (com última entrada às 14h)

A Nara Roesler São Paulo tem o prazer de apresentar Do Vento, exposição individual do artista francês Xavier Veilhan, com obras concebidas através do seu Transatlantic Studio – projeto no qual o artista transfere seu estúdio para um veleiro, oferecendo uma alternativa ao transporte aéreo para o transporte de obras de arte.

A bordo do catamarã Outremer 5X – uma embarcação movida a energia eólica feita com 50% de fibra de linho –, Veilhan, sua equipe e suas obras atravessarão o Oceano Atlântico, partindo de Concarneau, na Bretanha, França, e chegando ao porto de Santos, Brasil. O artista desenvolverá parte das obras durante a viagem e as concluirá em São Paulo, onde serão apresentadas ao público na Nara Roesler São Paulo, de 8 de novembro de 2025 a 31 de janeiro de 2026. “Quero desenvolver ainda mais essa iniciativa de um estúdio flutuante e transporte movido a energia eólica para algumas das minhas próximas exposições. O objetivo é criar novos imaginários e oferecer uma alternativa às pressões e ao ritmo frenético do mundo da arte: feiras e exposições internacionais consomem enormes quantidades de energia e priorizam a velocidade”, explica o artista. “O setor precisa se adaptar aos desafios ecológicos, mas tem dificuldade em fazê-lo mantendo a competitividade. Este projeto é uma experiência, uma tentativa – que tem valor como obra de arte em si”, acrescenta. Para esta expedição, o artista será acompanhado por Roland Jourdain, velejador premiado e cofundador da Fondation Explore; Denis Juhel, capitão assistente; Matthias Colin, oceanógrafo, que estará a bordo para fins de pesquisa; Antoine Veilhan, filho do artista, especializado em carpintaria e marcenaria náutica; e Carmen Panfiloff, assistente de escultura e marcenaria.

A Fondation Explore e o Muséum National d’Histoire Naturelle, em Paris, são parceiros nesta viagem e usarão a travessia para pesquisa científica. Amostras de plâncton serão coletadas ao longo da rota e transmitidas via satélite para alimentar bancos de dados científicos. A bordo, um hidrofólio equipado com um hidrofone registrará a vida subaquática, de modo a conhecê-la e preservá-la.

A intenção é que Veilhan trabalhe como faz em seu estúdio na França. O barco não é apenas um meio de transporte, mas um estúdio em movimento. Para produzir esculturas a bordo, a equipe trará equipamentos para trabalhar madeira da França, projetados por Antoine, construídos para funcionar sem eletricidade, como uma serra de fita acionada por pedal.

Em Do vento, Xavier Veilhan revisita uma preocupação central em sua prática: a relação entre a segunda e a terceira dimensões. Para o artista, toda escultura começa como uma linha, e é através de sua acumulação e sucessão que o volume emerge. Essa articulação entre o gráfico e o espacial reflete a passagem da imagem para a realidade. Um ritmo linear se desdobra ao longo da exposição: em desenhos de parede, móbiles e esculturas, nas quais camadas de madeira compensada montadas sugerem ao mesmo tempo estrutura e fluidez.

Evocando a linha constante do horizonte e as coordenadas móveis das cartas náuticas que deram origem à exposição, essas formas traduzem a travessia transatlântica de Veilhan em um desenho espacial onde orientação e movimento coexistem.

A exposição também incluirá um vídeo, feito durante a viagem, que entrelaça elementos de ficção e documentário. Como observa Veilhan, o projeto é “uma celebração de tudo o que está vivo, uma celebração da natureza”.

A ideia é que a exposição na Nara Roesler São Paulo seja a primeira de um novo modelo de criação e transporte de obras pensado pelo artista, incorporando a sustentabilidade e também o processo criativo de uma maneira mais enfática a sua poética. Dessa forma, pretende-se, por meio de futuras parcerias dentro e fora da França, expandir esse formato, trazendo para ele novos arranjos, materiais e debates.

Serviço
Exposição | Do Vento
De 8 de novembro a 20 de dezembro
Segunda a sexta, das 10h às 18h, sábado das 11h às 15h

O Museu Nacional da Cultura Afro-Brasileira (MUNCAB) inaugura a exposição “Memória: relatos de uma outra História”, um dos acontecimentos centrais da Temporada França-Brasil 2025.

Com curadoria de Nadine Hounkpatin e Jamile Coelho, a mostra reúne 20 artistas negras da diáspora africana e do continente africano, que se apropriam das artes visuais como campo de elaboração da memória e de reconstrução simbólica do mundo. Suas produções instauram um pensamento decolonial, no qual a arte atua como forma de escuta, reescrita e reexistência.

Participam: Amélia Sampaio, Barbara Asei Dantoni, Barbara Portailler, Beya Gille Gacha, Charlotte Yonga, Dalila Dalléas Bouzar, Enam Gbewonyo, Fabiana Ex-Souza, Gosette Lubondo, Josèfa Ntjam, Luana Vitra, Luisa Magaly, Luma Nascimento, Madalena dos Santos Reinbolt, Maria Lídia dos Santos Magliani, Myriam Mihindou, Na Chainkua Reindorf, Selly Raby Kane, Tuli Mekondjo e YêdaMaria.

Após itinerar por Bordeaux, Abidjan, Yaoundé e Antananarivo, a exposição chega a Salvador — cidade em que a herança africana se manifesta como fundamento estético e artístico — para instaurar um novo capítulo do projeto. No MUNCAB, essas artistas constroem um território de enunciação e reparação, no qual imagem, corpo e gesto tornam-se instrumentos de reconfiguração das narrativas históricas e de afirmação das subjetividades negras.

A exposição é uma realização do Ministério da Cultura, Petrobras e Embaixada da França no Brasil, em parceria com o MUNCAB, sob gestão da Amafro.

Serviço
Exposição | Memória: relatos de uma outra História
04 de novembro a 1º de março de 2026
Terça a domingo, das 10h às 16h30, sábado das 10h às 17h

A última exposição de 2025 da Pinacoteca, “Trabalho de Carnaval”, é uma coletiva com obras de 70 artistas de diferentes gerações e origens, como Alberto Pitta, Bajado, Bárbara Wagner, Ilu Obá de Min, Heitor dos Prazeres, Juarez Paraíso, Lita Cerqueira, Maria Apparecida Urbano, Rafa Bqueer e Rosa Magalhães.

A mostra no edifício Pina Contemporânea expõe 200 obras dentre adereços, projetos de decoração e documentação histórica em fotografia e vídeo, além de comissionamentos de projetos inéditos dos artistas Adonai, Ana Lira e Ray Vianna.

Dividida em quatro temas – Fantasia, Trabalho, Poder e Cidade, “Trabalho de Carnaval” apresenta a maior festa popular do país como uma cadeia produtiva que envolve o trabalho das muitas mãos desde antes mesmo da festa acontecer, ao mesmo tempo em que alude à precariedade e invisibilidade desses profissionais.

NÚCLEOS TEMÁTICOS

O núcleo Fantasia faz referência a dois elementos característicos do carnaval: o ato de se fantasiar e a força da imaginação. Projetos e croquis integram a parte central da Grande Galeria, como os estudos de J. Cunha para o carnaval de Salvador e Joana Lira para as decorações de rua do Recife.

Discussões sobre as condições de trabalho da festa são apresentadas no núcleo Trabalho, no qual são apresentadas obras que trazem à tona a representatividade dos trabalhadores.

A relação entre carnaval e espaço urbano ou rural aparece no núcleo Cidade por meio de representações de blocos, cordões, afoxés e outras formas de cortejos. O núcleo reúne obras como as fotografias realizadas por Diego Nigro no bloco de carnaval Galo da Madrugada (2025).

Por fim, o núcleo Poder celebra os encontros de trabalhadores dos canaviais em Pernambuco transformando-se em reis e rainhas do maracatu, assim como mulheres negras e grupos periféricos marginalizados se tornando, por alguns dias, as figuras de comando durante a festa na Bahia: Deusas de Ébano, Reis Momos, Rainhas do Carnaval.

Serviço
Exposição | Trabalho de Carnaval
De 8 de novembro de 2025 a 12 de abril de 2026
Quarta a segunda, das 10h às 18h

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição Nascimento de Antonio Obá, que ocupa todo o espaço da galeria na Barra Funda com obras inéditas e emblemáticas. Os trabalhos, desenvolvidos com técnicas distintas como pintura, desenho, instalação e filme, dão continuidade à investigação do artista sobre a construção da identidade nacional, e suas contradições e influências, por meio de ícones e símbolos presentes na cultura brasileira.

O título da exposição surge da ideia de nascimento como marco de um momento, de uma nova existência sobre a Terra. Este evento milagroso também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção. Para Obá, “Estar sujeito a isso não diz a respeito de uma escolha. Estar sujeito a isso diz a respeito de uma irreverência ao inevitável. Então, o que podemos fazer é demarcar essas várias sortes através do rito, da celebração, do símbolo, da linguagem.”

Cada obra que compõe a exposição confere a essa tentativa de situar a ideia de sorte, fortuna, ora como uma prece, ora com um ritual que celebra isso.

Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Nela, colunas de búzios se derramam sobre peneiras de bronze douradas, carregando ovos de cerâmica pintados de vermelho. Os búzios representam elementos de tentativa de leitura da sorte, do destino e da sina, e simbolizam a moeda de troca, que também se transforma em oferenda. Na disposição que se encontram no espaço, os búzios formam colunas que estão ascendendo, como um território de elevação espiritual e de ressignificação da vida ante ao que ela propõe de fatal.

Na entrada do espaço expositivo, um caminho de espadas de São Jorge e Iansã, conduzem até um novo objeto instalativo: um altar com dois troncos que simbolizam o pelourinho. Os troncos estão inteiramente cravejados de pregos — em um deles, os pregos estão voltados para fora; no outro, para dentro — simbolizando proteção e punição e a dificuldade de harmonizar tensões. Entre os pelourinhos, cabos suspendem uma cabeça de bronze com um prumo na ponta. Esta instalação é uma oferenda ao senhor do caminho, portanto, tem uma relação com Exu.

A instalação Ka’a porá (2024), apresentada pela primeira vez na mostra itinerante Finca-Pé: Estórias da terra no CCBB Rio de Janeiro, Belo Horizonte e Brasília, ocupa lugar de destaque na exposição. Esculturas de pés, representando tanto o pé humano quanto o de uma árvore, enfatizam a conexão com o solo. A configuração da obra lembra um pequeno jardim, com troncos dispostos de forma aparentemente aleatória, cada um sugerindo uma direção diferente dentro de um labirinto. O título da instalação deriva do termo tupi ka’a porá, que se refere a um indivíduo que se estabelece e se ancora à terra. A expressão também remete à figura mítica da Caipora, protetora das florestas na mitologia indígena brasileira. Outro elemento simbólico da instalação revisita o conceito de poda, entendido aqui como um ato de violência que rompe com a vida e a natureza.

Telas de diferentes tamanhos e técnicas compõem a narrativa visual da mostra. Um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô. Nas obras, o artista utiliza de uma mistura de técnicas junto a folhas de ouro, conferindo um tom mágico e fantasioso único às cartas do oráculo. Além dessas, a exposição reúne novas pinturas de grandes dimensões, bem como uma obra pintada diretamente sobre uma das paredes do espaço expositivo. Nessas peças, figuras e símbolos que compõem a identidade brasileira sugerem novas interpretações. A mostra também inclui desenhos inéditos feitos com carvão, nanquim, lápis e têmpera e sobre tela.

O filme Encantado (2024) apresenta uma performance do artista que propõe reflexões sobre sistemas simbólicos — especialmente os religiosos. A ação performática evoca uma perspectiva ritualística, centrada na figura do peregrino, que, em seu gesto, sintetiza elementos de crença, cultura e tradição associados ao imaginário do romeiro.

Com esse conjunto de obras, que atravessa diferentes mídias e simbologias, a exposição reafirma a potência da produção de Antonio Obá na construção de uma poética que investiga identidade, território e espiritualidade.

Serviço
Exposição | Nascimento
De 8 de novembro a 14 de março de 2026
Terça a sexta, das 11h às 19h, sábado das 10h às 17h

Exposição | Eu sou o Silva
De 13 de novembro a 23 de dezembro
Segunda à sexta das 11h00 às 19h00, sábado das 11h às 15h00

Nascido das periferias urbanas e estudado por pesquisadores como um dos movimentos culturais mais influentes do país, o funk se afirma como linguagem estética, política e social que transforma modos de falar, vestir e criar. É a partir dessa força que o Museu da Língua Portuguesa, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, apresenta, no histórico prédio da Estação da Luz, a exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade. Concebida originalmente pelo Museu de Arte do Rio (MAR), onde ficou um ano e meio em cartaz conquistando sucesso de público e crítica, a exposição será aberta ao público de São Paulo no dia 15 de novembro, debatendo o papel do funk nos repertórios linguísticos, artísticos e afetivos, com acervo incorporado sobre o funk paulista.
Com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição irá apresentar e articular a história do funk para além da sua sonoridade, também evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos ao imaginário constituído em torno dele.

Para isso, a exposição contará com 473 obras e itens de acervo, entre pinturas, fotografias e registros audiovisuais. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto terá conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Essas imagens poderão ser vistas em um telão assim que o público entrar na sala expositiva do primeiro andar.

A exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade mostrará o caminho percorrido pelo gênero musical desde a influência da música negra estadunindense, o estabelecimento no Rio de Janeiro com características próprias e depois em São Paulo, onde também assumiu feições locais.

As obras ajudarão a contar a história do funk desde sua gênese nos bailes black, que começaram a acontecer no Rio de Janeiro e em São Paulo no fim dos anos 1960, a partir da ancestralidade negra já presente nas eras Soul e Black Music. Nesses espaços de lazer da juventude negra, eventos como o show do cantor norte-americano James Brown, o Rei do soul, na festa Chic Show realizada no ginásio do Palmeiras em novembro de 1978 atraiu cerca de 22 mil pessoas e entrou para a história. O acontecimento é interpretado por artistas contemporâneos em telas produzidas para a exposição.

Fotografias de acervos pessoais de dançarinos, músicos e demais profissionais envolvidos no universo do funk ou que influenciaram este movimento musical fazem parte do acervo da exposição, entre elas imagens de Jair Rodrigues com os Originais do Samba, Nelson Triunfo, Gerson King Combo e Lady Zu, entre outras.

A abordagem vai se estender, ainda, à presença do funk em variadas dimensões e práticas culturais, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas, para as quais o funk é uma referência de visualidade, alteridade e de forma. Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons, vozes e gestos, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk.

Entre os artistas brasileiros contemporâneos com obras expostas estarão Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black. A obra de Tiago Furtado mostra a relação do Rap e do Funk na comunidade paulistana com prédios do centro histórico de São Paulo ao fundo. Já Markus CZA destaca, em um de seus quadros, movimentos negros inseridos no contexto do paulista erguendo suas bandeiras em frente ao Theatro Municipal de São Paulo.

A exposição temporária FUNK: Um grito de ousadia e liberdade conta com patrocínio máster da Petrobras e da Motiva; patrocínio da Vale; e apoio do Instituto Ultra, do Itaú Unibanco e da CAIXA. Concebida pelo Museu de Arte do Rio, equipamento da Secretaria Municipal de Cultura da cidade do Rio de Janeiro e gerido pela Organização de Estados Ibero-americanos (OEI), a exposição é uma realização do Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas, e do Ministério da Cultura – Lei Rouanet.

Serviço
Exposição | FUNK: Um grito de ousadia e liberdade
De 15 de novembro de 2025 a agosto de 2026
Terça a domingo, das 9h às 16h30 (com permanência até as 18h