REVISTA
edição digital #74

Galatea e Nara Roesler têm a alegria de colaborar pela primeira vez na realização da mostra Barracas e fachadas do nordeste,

Com curadoria de Tomás Toledo, sócio-fundador da Galatea e Alana Silveira, diretora da Galatea Salvador, a coletiva propõe uma interlocução entre os programas das galerias ao explorar as afinidades entre os artistas Montez Magno (1934, Pernambuco), Mari Ra (1996, São Paulo), Zé di Cabeça (1974, Bahia), Fabio Miguez (1962, São Paulo) e Adenor Gondim (1950, Bahia). A mostra propõe um olhar ampliado para as arquiteturas vernaculares que marcam o Nordeste: fachadas urbanas, platibandas ornamentais, barracas de feiras e festas e estruturas efêmeras que configuram a paisagem social e cultural da região.

Nesse conjunto, Fabio Miguez investiga as fachadas de Salvador como um mosaico de variações arquitetônicas enquanto Zé di Cabeça transforma registros das platibandas do subúrbio ferroviário soteropolitano em pinturas. Mari Ra reconhece afinidades entre as geometrias que encontrou em Recife e Olinda e aquelas presentes na Zona Leste paulistana, revelando vínculos construídos pela migração nordestina. Já Montez Magno e Adenor Gondim convergem ao destacar as formas vernaculares do Nordeste, Magno pela via da abstração geométrica presentes nas séries Barracas do Nordeste (1972-1993) e Fachadas do Nordeste (1996-1997) e Gondim pelo registro fotográfico das barracas que marcaram as festas populares de Salvador.

A parceria entre as galerias se dá no aniversário de 2 anos da Galatea em Salvador e reforça o seu intuito de fazer da sede na capital baiana um ponto de convergência para intercâmbios e trocas entre artistas, agentes culturais, colecionadores, galerias e o público em geral.

Serviço
Exposição | Barracas e fachadas do nordeste
De 30 de janeiro a 30 de maio
Terça – quinta, das 10 às 19h, sexta, das 10 às 18h, sábado, das 11h às 15h

O Sesc Sorocaba recebe a 4ª edição de Frestas – Trienal de Artes. Intitulada do caminho um rezo, a mostra expõe o ato de caminhar como gesto político, espiritual e de construção de conhecimento, aproximando práticas artísticas, educativas e comunitárias.

Com a curadoria de Luciara Ribeiro, Naine Terena e Khadyg Fares, a Trienal propõe uma escuta atenta ao território sorocabano, atravessando suas camadas históricas, visuais e sociais.

O título do caminho um rezo une o conceito de “caminho como rezo”, difundido pelo professor e artista Tadeu Kaingang, à noção andina de “Thaki”, descrita pela socióloga Silvia Rivera Cusicanqui, e à ideia de “confluências afropindorâmicas”, do pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos (Nêgo Bispo), orientando uma reconexão com experiências culturais, educacionais e de memória que articulam corpo, território e vida social.

São, ao todo, 188 obras (das quais 26 foram comissionadas) desenvolvidas a partir de experiências negras, indígenas, periféricas e dissidentes, que ocupam tanto a unidade, quanto espaços da cidade, como a Capela João de Camargo, o Clube 28 de Setembro, o Monumento Pelourinho e o Monumento à Mãe Preta.

Assim como nas edições anteriores, Frestas se afirma como uma iniciativa que descentraliza o circuito de arte contemporânea, reconhecendo Sorocaba e o interior paulista como território de confluência entre relações artísticas e comunitárias.

Serviço
Exposição | do caminho um rezo
De 27 de fevereiro a 16 de agosto
Terças a sextas, 9h às 21h30. Sábados, 10h às 20h. Domingos e feriados, 10h às 18h30. Exceto dia 3/4

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição Solidão Coletiva, individual inédita de Julio Bittencourt que propõe uma reflexão visual sobre as contradições da sociedade contemporânea e os modos de existência em um mundo cada vez mais povoado, acelerado e regulado. Com curadoria de Guilherme Wisnik e expografia assinada por Daniela Thomas, a mostra reúne oito séries fotográficas realizadas entre 2016 e 2023, resultado de um extenso trabalho de observação em grandes centros urbanos como São Paulo, Nova York, Tóquio, Mumbai, Pequim e Jacarta.

O título da exposição dialoga com o pensamento da filósofa Hannah Arendt, para quem a sociedade moderna, estruturada em torno do trabalho, tende a suprimir a possibilidade de ação e a reduzir o indivíduo à condição de agente funcional. “As imagens de Bittencourt observam grupos humanos imersos em rotinas produtivas, fluxos incessantes de informação e espaços que impõem contenção física e simbólica. O confinamento surge como eixo recorrente, mesmo quando os mecanismos de controle não se apresentam de forma explícita”, conta Wisnik.

Em suas fotografias, Julio Bittencourt busca registrar não acontecimentos extraordinários, mas estados de suspensão. São, para o artista, corpos anônimos, captados em situações de espera, repetição ou adaptação a ambientes que os condicionam. De empregados isolados em escritórios a trabalhadores alojados em hotéis cápsula, a privação deixa de ser exceção para se tornar parte estrutural do cotidiano urbano. “Há, nesse gesto, uma dimensão política que não se baseia na denúncia direta, mas na insistência em tornar visível aquilo que costuma passar despercebido”, diz o curador.

As séries se articulam como capítulos de uma narrativa aberta, marcada por tensão e ressonância. Transitando entre o documental e o conceitual, Julio Bittencourt explora a fotografia como linguagem crítica, livre do compromisso jornalístico com o fato imediato, mas atenta às possibilidades poéticas do olhar.

Solidão Coletiva – Júlio Bittencourt é uma exposição apresentada pela CAIXA Cultural, com realização da Phi Projetos e Cinnamon e patrocínio da CAIXA e Governo do Brasil.

Serviço
Exposição | Solidão Coletiva
De 03 de março a 12 de julho
Terça a domingo, das 9h às 18h

O CCBB BH recebe a exposição “Marlene Barros: Tecitura do Feminino”, com obras em escultura, crochê e bordado da artista maranhense Marlene Barros, propondo uma reflexão sobre o corpo feminino, a desvalorização histórica das mulheres e a invisibilização de seus fazeres no campo da arte. Com curadoria de Betânia Pinheiro, a mostra transforma o gesto íntimo do costurar em narrativa pública de resistência, pertencimento e reinvenção, transformando agulha e linha em instrumentos de denúncia, memória e elaboração simbólica.  

A exposição conta com instalações como “Eu tenho a tua cara”, com 49 rostos de mulheres que trocam olhos e bocas costurados, tensionando identidade e alteridade; “Caixa Preta”, que constrói um autorretrato expandido a partir de fotografias, intervenções têxteis e escritos; “Coso porque está roto”, que apresenta um casaco cujo avesso revela órgãos bordados que simbolizam sentimentos e acionam a ideia de reparo; “Entre nós”, que mergulha em objetos de crochê para problematizar tarefas naturalizadas no âmbito doméstico; e “Quem pariu, que embale”, que questiona a atribuição quase exclusiva do cuidado dos filhos às mulheres. A montagem do percurso expositivo, coordenada por Fábio Nunes, com produção executiva de Júlia Martins, propõe uma trajetória não cronológica, permitindo que o público construa sua própria experiência entre matéria, gesto e memória.  

Com mais de quatro décadas de atuação, Marlene Barros consolidou-se como referência no cenário artístico maranhense, articulando produção, formação e redes culturais por meio do Ateliê Marlene Barros e do Ponto de Cultura Coletivo ZBM. A exposição tem origem em pesquisa desenvolvida durante seu mestrado em Arte Contemporânea na Universidade de Aveiro, quando propôs costurar simbolicamente uma casa em ruínas no campus Santiago, em Portugal, em um gesto de remendar fissuras do tempo. A casa, convertida em metáfora do corpo, permitiu expandir a reflexão para o universo feminino em suas dimensões sociais, políticas e afetivas, compreendendo a tecelagem como metáfora dos vínculos, da memória e do fluxo da vida. 

Serviço
Exposição | Marlene Barros: Tecitura do Feminino
De 04 de março a 01 de junho
Quarta a segunda, das 10h às 22h

O MASP — Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand exibe Claudia Alarcón & Silät: viver tecendo. A mostra reúne 25 trabalhos que contemplam a produção artística de Claudia Alarcón (La Puntana, Argentina, 1989) & Silät, coletivo formado por mais de cem tecedeiras do povo Wichí. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Laura Cosendey, curadora assistente, MASP, a exposição marca a estreia da artista e do grupo em um museu brasileiro.

As obras são produzidas com fios de chaguar, uma bromélia de fibras resilientes nativa do clima semiárido do Gran Chaco, maior bioma da América Latina depois da Amazônia, que ocupa as regiões norte e nordeste da Argentina, chegando até o Paraguai. A preparação do chaguar e a técnica de entrelaçar os fios com as mãos, sem o uso de um tear, provêm da confecção das bolsas yicas, objeto central para a cultura wichí. Tradicionalmente, a yica tem formato quadrado, com padrões geométricos que representam a flora e a fauna de seu território, remetendo a temas como orelhas de tatu, olhos de coruja e cascos de tartaruga. Embora seja o ponto de partida do trabalho de Alarcón & Silät, suas obras transcendem esse repertório tradicional. A partir de oficinas que propunham pensar novos formatos para as bolsas yicas, o coletivo Silät se organizou em 2023, passando a produzir tecidos dentro do contexto artístico.

Historicamente, os têxteis produzidos pelos Wichí tinham tons terrosos, avermelhados e azuis acinzentados, mas as artistas passaram a adicionar cores mais intensas com anilinas no processo de preparação dos fios, chegando a matizes exuberantes de tons laranja e fúcsia, por exemplo. Outra importante inovação do trabalho de Alarcón & Silät está no próprio processo de produção dos tecidos: enquanto tradicionalmente as mulheres sempre teceram individualmente, as integrantes do Silät desenvolveram métodos para que várias integrantes pudessem trabalhar simultaneamente em uma mesma peça ou dar continuidade ao trabalho de outra tecedeira.

A mitologia do povo Wichí também compõe os trabalhos de Alarcón & Silät. Em Kates tsinhay — Mujeres estrellas [Mulheres-estrelas], 2023, Claudia Alarcón evoca o mito das mulheres-estrelas. A crença narra que as mulheres eram estrelas no céu e desciam à Terra todas as noites por fios de chaguar que elas mesmas haviam tecido. Vinham se alimentar, roubando os peixes que os homens pescavam. Quando os homens descobriram, cortaram esses fios e as mulheres ficaram na Terra. Essa obra e outras inspiradas por esse enredo simbólico mesclam as geometrias ancestrais com elementos figurativos para delinear estrelas, luas, astros e céus estrelados.

“Recupero lendas e histórias do nosso povo, sinto que tem muito trabalho a ser revivido. Penso em como recuperar isso, porque é algo que talvez não possa ser dito oralmente, não podemos gritar isso. Mas o tecido também fala. Há quem possa entender ou sentir isso no tecido. Eu me dei conta de que, embora teçamos em silêncio, tudo está dito no tecido”, comenta Alarcón.

Os wichís chamam seu território de tayhi e o consideram parte fundamental da identidade, tendo uma dimensão espiritual e simbólica. Em espanhol, o nome para a região é monte. Porém, ainda que o nome remeta a montanhas, o relevo local é majoritariamente plano. A experiência cotidiana, o vento, o dia, o entardecer, a noite, as constelações e muitos outros elementos da vivência no monte estão presentes nas cores, formas orgânicas e geométricas dos trabalhos de Alarcón & Silät. O olhar sensível das tecedeiras para os ciclos naturais retrata na abstração Kyelhkyup — El otoño [Outono], 2023, da coleção do MASP, as mudanças de tons, texturas e luz durante a passagem das estações no monte.

Tecer em conjunto, somado às inovações implementadas, possibilitou a elaboração de composições têxteis que trazem uma multiplicidade de vozes e cores, articulando padrões tradicionais com um repertório visual e poético contemporâneo. “Os tecidos tornaram-se bandeiras de luta, estandartes que portam mensagens, histórias, e dão vozes às mulheres da comunidade”, afirma Laura Cosendey.

Tanto a singularidade das artistas quanto a dimensão do coletivo são demonstradas na instalação Hilulis ta llhaiematwek — Un coro de yicas [Um coro de yicas] (2024-25), que reúne mais de cem bolsas, cada uma delas produzida por uma integrante do grupo. As escolhas pessoais de cor e padrão são destacadas quando os trabalhos são exibidos lado a lado, enquanto a apresentação em conjunto reforça o caráter político da articulação do coletivo, que possibilitou criticar questões como a desvalorização do saber ancestral e a precarização do trabalho das tecedeiras.

Na exposição, as obras são apresentadas em molduras ou em estruturas verticais de madeira, que remetem à maneira como esses tecidos são produzidos e, ocasionalmente, apresentados na comunidade onde vivem as tecedeiras. O conjunto N’äyhay wet layikis — Caminos y cicatrizes [Caminhos e cicatrizes] é um dos trabalhos exibidos nesse suporte expográfico proposto pelo MASP. A composição têxtil foi pensada pelo coletivo, em 2025, para o Nove de Julho, dia em que se comemora a independência da Argentina. A criação artística foi tecida pelas mulheres para denunciar a repressão violenta cometida ao longo do tempo pelo Estado argentino contra populações indígenas.

Claudia Alarcón & Silät: viver tecendo integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias latino-americanas. A agenda do ano também inclui mostras de La Chola Poblete, Sandra Gamarra Heshiki, Santiago Yahuarcani, Colectivo Acciones de Arte, Damián Ortega, Sol Calero, Carolina Caycedo, Pablo Delano, Rosa Elena Curruchich, Manuel Herreros e Mateo Manaure, Jesús Soto e uma exposição coletiva internacional.

Serviço
Exposição | Claudia Alarcón & Silät: viver tecendo
De 06 de março a 02 de agosto
Terças grátis, das 10h às 20h (entrada até as 19h); quarta e quinta das 10h às 18h (entrada até as 17h); sexta das 10h às 21h (entrada gratuita das 18h às 20h30); sábado e domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h); fechado às segundas.

Agendamento on-line obrigatório pelo link masp.org.br/ingressos

Da contemporaneidade que abriga a criatividade e maestria de Nuno Ramos em consonância com o interesse em produzir obras que ressignificam materiais de Marcos Amaro, nasce a mostra A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro, no Museu FAMA, em Itu, São Paulo. Donos de um estética ousada e estilos inconfundíveis, os artistas dialogam nessa mostra com obras que permeiam suas histórias, reveladas na Sala Almeida Jr., no Setor 5.

Trata-se de um diálogo entre criações de diferentes períodos de Nuno e outras que são parte da construção da trajetória de Amaro, “trajetória essa que atravessa e ecoa a dele em muitos aspectos”, nas palavras de Marcos. Nuno Ramos é artista plástico, compositor, dramaturgo, escritor e ensaísta, e há mais de 30 anos trabalha com sobreposição de materiais, que vão de vaselina à cera de abelha, até pigmentos, tinta a óleo, tecidos, plásticos e metais. “O que mais me toca é a pintura, a organização dos materiais e a forma como eles se apresentam ao mundo”, revela Amaro. “Nuno é, para mim, um dos grandes artistas da contemporaneidade. Embora eu pertença a uma geração posterior à sua — como costuma acontecer — foi justamente seu trabalho que abriu caminhos e possibilidades de expansão de linguagem para a minha geração e para a minha própria prática artística”, completa Marcos.

E com base nessa admiração a mostra traz dezenas de obras de ambos os artistas, inclusive, em relação aos trabalhos de Nuno, algumas são parte do acervo pessoal de Amaro que além de empresário e fundador do Museu FAMA, é colecionador. Enquanto artista plástico, Marcos Amaro é conhecido por um estilo peculiar que mistura estética industrial com toques de afeto e nas quais revela seu profundo interesse pela matéria, conferindo-lhes novos sentidos e narrativas.

“A Força do Diálogo: Nuno Ramos e Marcos Amaro” apresenta obras de grandes dimensões, tridimensionais e que se destacam por sua espacialidade e volumetria. Para além da complexidade de execução e plasticidade que as envolvem, as obras que compõem a mostra se conectam diretamente com a generosa escala dos galpões do Museu e ficam em cartaz até 1 de novembro de 2027.

Serviço
Exposição | Leva tempo, mas vai dar tempo
De 14 de março a 01 de novembro
Quartas-feiras, e de sexta a domingo, das 11h às 17h

O IMS Paulista exibirá um conjunto de fotolivros que ressaltam a importância das mulheres na construção do campo da fotografia. A mostra O que elas viram: fotolivros históricos de mulheres, 1843-1999 reúne 106 livros do acervo da Biblioteca de Fotografia, incluindo títulos recém-incorporados a partir da aquisição de uma coleção junto à 10×10 Photobooks, organização fundada em 2012 por Russet Lederman e Olga Yatskevich. Sediada em Nova York, a 10×10 Photobooks se dedica à pesquisa e ao compartilhamento de fotolivros, promovendo exibições, publicando livros a respeito e incentivando sua apreciação e compreensão.

Russet e Olga, que assinam a curadoria da mostra, comentam o projeto: “Embora os estudos sobre a história dos fotolivros tenham começado há apenas 37 anos, eles foram escritos majoritariamente por homens e têm focado em publicações de autoria masculina. Como organização sem fins lucrativos cuja missão é compartilhar fotolivros de forma global e incentivar sua apreciação e compreensão, a equipe da 10×10 discute com frequência como a história do fotolivro foi – e continua sendo – escrita a partir de uma perspectiva enviesada, e que uma ‘nova’ história precisa emergir.”

No dia da abertura, haverá uma conversa aberta ao público na Biblioteca de Fotografia do IMS, às 18h30, com a participação de Russet. A entrada é grátis, com retirada de senhas 60 minutos antes.

“A exposição reforça o papel do IMS como centro de referência para o estudo dos fotolivros e para a circulação de projetos de relevância internacional. Ao trazer ao público brasileiro obras que atravessam mais de um século e meio de produção, O que elas viram amplifica o debate sobre a contribuição das mulheres na história da fotografia e cria novas oportunidades de pesquisa”, diz Miguel Del Castillo, coordenador da Biblioteca de Fotografia do Instituto Moreira Salles.

Todos os livros em exibição poderão ser manuseados pelos visitantes da mostra, que está dividida em dez seções – elas funcionam como marcadores cronológicos, mas principalmente ressaltam o momento histórico, sociopolítico e de conquistas de gênero em que essas mulheres produziram suas obras: “1843-1919: Pioneiras”; “1920-1935: A nova mulher”; “1936-1945: Levantando suas vozes”; “1946-1955: Das cinzas à família”; “1956-1964: Livros como bombas”; “1965-1969: Nostalgia, pop e revolução”; “1970-1975: Sororidade em florescimento”; “1976-1979: Políticas sexuais”; “1980-1989: Um despertar global”; e “1990-1999: Em busca de uma fotodemocracia”.

“Pioneiras”, por exemplo, inclui o trabalho da inglesa Anna Atkins, que, em 1843, publicou por conta própria Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions, originalmente escrito à mão e ilustrado com 307 cianotipias das mais diversas algas britânicas. Na mostra, ela está presente em uma edição contemporânea da publicação. Também nesta seção se encontra o mais antigo exemplar em exibição, Dream Children (1901), da norte-americana Elizabeth B. Brownell (1860-1909), em que textos em prosa e poesia de 28 autores são ilustrados com cenas cuidadosamente compostas no estilo de tableaux vivant, popular na fotografia do fim do século XIX e início do século XX.

Nas seções seguintes, aparecem obras como African Journey [Jornada africana] (1945), da antropóloga Eslanda Cardozo Goode Robeson (1895-1965). Parte do segmento “Levantando suas vozes”, a publicação é um dos primeiros livros sobre a África produzido por uma pesquisadora negra norte-americana – e sucesso à época de seu lançamento, devido ao crescente interesse de pessoas afro-americanas pela política e pela cultura africanas durante a década de 1940, quando pan-africanistas defendiam um vínculo inquebrantável entre a diáspora africana e o continente.

Já na seção “Sororidade em florescimento”, chama atenção o fotolivro Les Tortures volontaires [As torturas voluntárias] (1974), da francesa Annette Messager (1943), uma coleção de imagens recortadas de revistas e anúncios que mostram mulheres submetendo-se a diversos procedimentos cosméticos ou rotinas de beleza, pontuando como os corpos das mulheres são um lugar de violência.

Entre os numerosos destaques, o público poderá também ver Passion [Paixão] (1989), da camaronense Angèle Etoundi Essamba (1962), no segmento “Um despertar global”. Essamba subverte as representações estereotipadas produzidas por fotógrafos ocidentais dos corpos femininos negros com poderosos retratos em que sobressaem orgulho, força e consciência. A seleção inclui ainda Hiromix (1998), da japonesa Hiromix (1976), um retrato profundamente pessoal da cultura jovem japonesa dos anos 1990, com fotografias estreladas, em sua maioria, pela própria autora, que busca capturar a beleza juvenil, a exuberância e os prazeres sem amarras da experiência urbana de uma jovem mulher. Hiromix está na seção “Em busca de uma fotodemocracia”, que fecha a exposição.

Três brasileiras já estavam na seleção original das curadoras: Claudia Andujar (1931) com Amazônia (1979), livro que registra o período que ela passou com os Yanomami, fotografando suas cerimônias culturais, ritos xamânicos e tradições; Maureen Bisilliat (1931) comparece com o livro A João Guimarães Rosa (1969), em que fotografa o sertão mineiro inspirada pelo romance Grande sertão: veredas; e Gretta Sarfaty (1947), que rompeu padrões nos anos 1970 ao ironizar a própria imagem, com Autophotos (1978), reunindo três séries fotográficas da pioneira da body art e do feminismo no Brasil.

“Mas, como estamos no Brasil, achamos interessante ampliar um pouco a quantidade de fotógrafas brasileiras contempladas na seleção”, diz Miguel Del Castillo. “Fiz uma sugestão a partir do acervo do IMS, de livros importantes, publicados nesse período de tempo”. Foi assim que outros quatro volumes foram incorporados à versão brasileira da exposição: Dor (1998), de Vilma Slomp (1952); Quem você pensa que ela é? (1995), de Claudia Jaguaribe (1955); Pinturas e platibandas (1987), de Anna Mariani (1935-2022); e Entre (1974), de Stefania Bril (1922-1992).

O IMS recebe uma exposição que já teve versões em formatos variados exibidas em instituições de prestígio em todo o mundo, como o Getty Research Institute, em Los Angeles (2025), o Museo Reina Sofía, em Madri (2024), o Rijksmuseum, em Amsterdã (2022) e a New York Public Library (2022). O catálogo da mostra (no original, What They Saw: Historical Photobooks by Women, 1843–1999), de autoria das duas curadoras, recebeu em 2021 o PhotoBook Award de melhor catálogo do ano, prêmio concedido durante a feira Paris Photo, e estará disponível para consulta na exposição e para venda na Livraria da Travessa do IMS Paulista.

Em cartaz até 2 de agosto, a exposição convida o público a refletir sobre os processos de construção da história e as possibilidades de constantemente reescrevê-la, como pontuam as curadoras: “O que elas viram buscou incluir um grupo diverso de publicações ilustradas com fotografias feitas por mulheres. Para que a história do fotolivro se torne mais inclusiva, é necessário que todas as pessoas (homens, mulheres, não binárias, brancas, negras, asiáticas, africanas, latinas, indígenas, ocidentais, orientais etc.) contribuam. Vemos esta sala de leitura sobre o papel das mulheres na produção, disseminação e autoria de fotolivros como um passo necessário para desescrever a atual história do fotolivro e reescrever uma história do fotolivro que seja mais equitativa e inclusiva.”

Serviço
Exposição | O que elas viram: fotolivros históricos de mulheres, 1843-1999
De 17 de março a 02 de agosto
Terça a domingo e feriados (exceto segundas), das 10h às 20h

A Simões de Assis inaugura, em São Paulo, a exposição “Corpo de Vento”, individual da artista Thalita Hamaoui, com texto crítico assinado pela socióloga, professora e pesquisadora brasileira Ana Paula Cavalcanti Simioni. A mostra apresenta onze pinturas inéditas, realizadas em tinta a óleo e pastel oleoso sobre tela e linho, em dimensões variadas. Entre os destaques estão “Corpo de Vento” (2026), pintura de grande formato que se estende por mais de cinco metros; e “Acontecimento Memorável” (2026).

Com trajetória iniciada na estamparia têxtil, onde aprofundou seus estudos sobre cor e forma, Hamaoui dedica-se integralmente à pintura desde 2013. Suas pinturas constroem paisagens de caráter fantástico, nas quais formas orgânicas se expandem por superfícies luminosas e figura e fundo se misturam. Elementos botânicos, como folhagens, flores e frutos, aparecem em sobreposições que combinam cores saturadas e tonalidades mais suaves. Esses arranjos não buscam o realismo, mas se organizam em ritmos que aproximam matéria vegetal e construções fictícias, sugerindo um modo de habitar próximo do onírico.

Em “Corpo de Vento”, a artista apresenta obras desenvolvidas a partir de um aprofundamento no uso do óleo e do pastel oleoso, em que amplia a escala das obras e experimenta diferentes formatos, incluindo pinturas compostas por duas ou três telas articuladas e suportes de contorno orgânico, como em “Vento Correnteza” (2026). Produzidas simultaneamente, as pinturas foram concebidas em diálogo umas com as outras, estabelecendo continuidades cromáticas e formais no espaço expositivo.

Sobre a produção da artista, Ana Paula Cavalcanti Simioni comenta: “A pintura de Thalita se apresenta como sugestiva, sem nos impor um sentido prévio. É um convite ao encantamento, ao prazer por saborear opticamente cada tela devagar, com encanto. É nas grandes telas que Thalita afirma sentir-se mais à vontade, pois nelas pode explorar com maior liberdade e fluidez o caráter gestual de sua prática”.

Todas as obras foram produzidas especialmente para a exposição, que permanece em cartaz até 09 de maio de 2026. Thalita Hamaoui também participa de “A World Far Away, Nearby and Invisible”, mostra coletiva com trabalhos selecionados pela Coleção Jorge M. Pérez, que acontece até agosto deste ano, no El Espacio 23, em Miami, EUA.

Serviço
Exposição | Corpo de Vento
De 19 de março a 09 de maio
Segunda a sexta, das 10h às 19h; sábado, das 10h às 15h

Serviço
Exposição | A Coragem para Ficar
De 26 de março a 23 de maio
Terça a Sexta, das 11 às 18hs, sábado, das 11 às 15hs

O Instituto Moreira Salles Paulista (IMS Paulista) apresenta a exposição Zumví Arquivo Afro Fotográfico, primeira retrospectiva de Lázaro Roberto na instituição. A mostra reúne cerca de 400 imagens do acervo criado em Salvador nos anos 1990, que hoje soma aproximadamente 50 mil fotografias e documentos dedicados a registrar a vida e as lutas da população negra a partir de uma perspectiva própria. Com curadoria de Hélio Menezes, a exposição ocupa dois andares do IMS e destaca o caráter político e histórico do Zumví, consolidando a presença do artista, representado pela NND|Azeco, em um dos principais espaços culturais do país.

Serviço
Exposição | Zumví Arquivo Afro Fotográfico
De 28 de março a 23 de agosto
Terça a domingo e feriados das 10h às 20h

A DAN Galeria inaugura a exposição Máscaras, Ivald Granato – Quem é você?, com curadoria de Maria Alice Milliet. A mostra inédita reúne um conjunto de pinturas realizadas por Granato no fim da década de 1990 e as coloca em diálogo com máscaras africanas preservadas nas coleções de Christian-Jack Heymès e da família Mastrobuono. A abertura acontece em São Paulo e se conecta à agenda da 22º edição da SP-Arte.

A exposição parte de um dado central para a leitura da trajetória de Ivald Granato. Durante décadas, sua presença pública, suas ações performáticas e sua energia irreverente ocuparam lugar decisivo na recepção de sua obra. Esse aspecto é incontornável, mas não a resume.

Granato foi também um pintor de grande domínio técnico, um desenhista excepcional e um conhecedor profundo da história da arte. Transitava entre linguagens e repertórios com intimidade rara, não para repetir estilos, mas para tensioná-los a partir de uma inteligência visual muito própria. Maria Alice Milliet lembra que, ao chegar à maturidade, depois de mais de três décadas de exposições, premiações e reconhecimento, Granato já ocupava um lugar de destaque na cena artística brasileira. Talentoso desenhista e pintor, havia atravessado os “ismos” e a Pop Art em estreita sintonia com seu tempo.

Essa mostra ajuda a recolocar esse ponto em evidência, situando-o como parte de uma investigação consistente, em que pintura, memória, teatralidade e identidade se entrelaçam. No fim dos anos 1990, Granato se afasta, por um momento, do embate mais imediato com a contemporaneidade e volta o olhar para dimensões profundas de sua própria formação. É desse movimento que nasce a série ligada às máscaras. Segundo a curadora, essa passagem corresponde a uma inflexão em sua carreira, quando o artista procura valores ligados ao passado, à ancestralidade e à memória cultural brasileira. Em 1998, Granato realiza uma série de pinturas sobre papel chamada The Mask. Na sequência, desenvolve obras de maior fôlego reunidas sob o título Quem é você – The Mask. Para o artista, essas máscaras eram anotações visuais de rostos que povoavam seu imaginário.

Ao tratar dessa produção, Maria Alice Milliet desloca a leitura habitual que costuma aproximar esse tipo de repertório apenas da tradição europeia do moderno. No caso de Granato, ela está ligada à busca de raízes culturais e ao desejo de afirmação identitária. A curadora recupera sua origem miscigenada, com ascendência negra e indígena, e inscreve essa série num campo de pertencimento, reconhecimento simbólico e reverência, marcado por uma aproximação que nasce de dentro. Esse aspecto é decisivo para a compreensão da mostra. A ancestralidade africana aparece como força estrutural na cultura brasileira e como chave para reler uma parte importante de sua obra.

Milliet observa que, depois de uma primeira incursão em figuras mais próximas de um universo popular e carnavalesco, Granato volta-se para as máscaras tribais. Na série cuja pergunta organiza o título da exposição, vemos uma sucessão de caras estranhas emergirem de fundos escuros, em composições que condensam intensidade gráfica, energia cromática e forte carga simbólica. A representação tem, nesse conjunto, um peso particular. Ela é figura de passagem, condensação de gesto, invenção de persona e presença ritual. Dez anos após sua morte, Máscaras, Ivald Granato – Quem é você? nos faz compreender com mais nitidez a complexidade do artista.

Serviço
Exposição | Máscaras, Ivald Granato – Quem é você?
De 28 de março a 25 de junho
Segunda-feira, terça-feira, quarta-feira, quinta-feira, sexta-feira das 10:00h às 19:00h, sábados das 10h às 13h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição “Calendário”, de Felipe Rezende, como parte de seu I Ciclo Expositivo. A mostra, instalada no Projeto 280X1020, tem curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, e texto de Guilherme Teixeira.

Felipe Rezende (Salvador, 1994) emprega técnicas como o patchwork para construir um imaginário sobre o mundo do trabalho. O método utilizado no reparo de lonas de caminhão — marcadas pela sujeira e poluição das estradas — é deslocado para um outdoor de seis metros de comprimento. A obra propõe uma reflexão sobre a representação da realidade operária e a invenção de ficções relativas a elementos do cotidiano laboral.

A pesquisa nasce da observação direta de contextos de trabalho situados, com frequência, às margens das rodovias e em oficinas improvisadas junto a postos de gasolina, cuja presença é ao mesmo tempo transitória e marcada por vestígios. Ao incorporar esses procedimentos ao espaço institucional, o artista reconfigura também o suporte.

Como aponta Guilherme Teixeira: “É um movimento de apropriação: trazer para dentro do museu essa estrutura de comunicação pública, o outdoor que normalmente anuncia, vende, promete. Aqui, porém, o outdoor não diz nada. Ou diz tudo o que não cabe em propaganda”.

Além da individual de Rezende, o I Ciclo Expositivo inclui a mostra coletiva “O horror, o humor e o absurdo” (Galeria do Parque) e “Badauê”, de Andrea Brazil (Gabinete). O ciclo transita no limiar entre o real e o imaginário e articula a fabulação como instrumento indispensável para subverter as atuais configurações de mundo. Claudio Cretti afirma que este ciclo busca, através de diferentes linguagens, “tensionar os limites entre o concebível e o inconcebível, ressaltando o potencial da ficção para se pensar criticamente a realidade”.

Por fim, o programa de Performances será aberto no dia 28 de março de 2026, às 17h, pela performer e dançarina Maria Noujaim, com “Lago”. Através da transposição da mitologia em movimento, a artista explora os hibridismos entre animal e humano, tomando como ponto de partida o mito grego de Leda e o Cisne.

O I Ciclo Expositivo tem curadoria de Claudio Cretti e é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú.

Serviço
Exposição | Calendário
De 28 de março a 28 de junho
Quarta a domingo, das 11h às 18h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição “Badauê”, de Andrea Brazil (Gabinete), como parte de seu I Ciclo Expositivo. Com curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, e texto de Ana Avelar, a mostra reúne trabalhos marcados pela geometrização e a reconfiguração visual da arquitetura vernacular.

A trajetória de Andrea Brazil (São Paulo, 1972) entre Salvador e a Ilha de Itaparica, no Recôncavo Baiano, fundamenta sua visualidade funcional. A artista cresceu em contato com uma arquitetura litorânea marcada por intervenções anônimas – feitas com cacos de telha e sobras de material – que configuram o que ela chama de “desenho no espaço”.

Nesse processo, fachadas de casas e estabelecimentos, grades e outros elementos urbanos, se reorganizam como linhas, cores e vazios. “Trata-se de uma produção coletiva e vernacular que condensa história, clima, técnica e desejo estético em um mesmo gesto construtivo”, afirma Avelar.

O olhar de Brazil para a arquitetura vernacular de sua infância se aprofundou durante uma viagem à região do Algarve, em Portugal. Lá, a influência moura, reconhecível nos cantos arredondados e padrões geométricos, ressoou com o que a artista conhecia da Bahia.

Para Avelar, a conexão não é casual: Brazil observa que os negros malês, protagonistas da revolta de 1835 em Salvador, eram em sua maioria de origem muçulmana e portadores de uma tradição visual que se infiltrou na cultura material da cidade. O ornamento, nesse sentido, guarda estratos históricos que a superfície das fachadas não revela explicitamente.

Uma das séries apresentadas é construída sobre chapas de madeira com camadas de massa corrida sobrepostas em duas etapas. O desenho das grades — fruto de uma memória visual internalizada — é entalhado na superfície até revelar a cor subjacente. Quando o trabalho aposta na cor, destaca-se pela vibração óptica, transitando entre a estridência da Pop Art e o silêncio das superfícies opacas.

Além da individual de Brazil, o I Ciclo Expositivo inclui a mostra coletiva “O horror, o humor e o absurdo” (Galeria do Parque) e “Calendário”, de Felipe Rezende (Projeto 280X1020). O ciclo transita no limiar entre o real e o imaginário e articula a fabulação como instrumento indispensável para subverter as atuais configurações de mundo. Claudio Cretti afirma que este ciclo busca, através de diferentes linguagens, “tensionar os limites entre o concebível e o inconcebível, ressaltando o potencial da ficção para se pensar criticamente a realidade”.

Por fim, o programa de Performances será aberto no dia 28 de março de 2026, às 17h, pela performer e dançarina Maria Noujaim, com “Lago”. Através da transposição da mitologia em movimento, a artista explora os hibridismos entre animal e humano, tomando como ponto de partida o mito grego de Leda e o Cisne.

O I Ciclo Expositivo tem curadoria de Claudio Cretti e é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú.

Serviço
Exposição | Badauê
De 28 de março a 28 de junho
Quarta a domingo, das 11h às 18h

A Casa de Cultura do Parque apresenta a exposição “O horror, o humor e o absurdo” (Galeria do Parque), como parte de seu I Ciclo Expositivo. Com curadoria de José Augusto Ribeiro, a coletiva reúne trabalhos de Darks Miranda (Fortaleza, 1985), Flávia Metzler (Rio de Janeiro, 1974), Ivan Cardoso (Rio de Janeiro, 1952) e Yuli Yamagata (São Paulo, 1989) para refletir sobre uma produção contemporânea marcada pelos aspectos imaginativo e ambíguo.

Entre filmes, pinturas e esculturas, as obras propõem experiências de saturação visual e contrassenso, nas quais a irregularidade e a monstruosidade operam como estratégias para desafiar a realidade. “A ideia é examinar como a junção de terror e comicidade produz resultados com força de insubordinação: tanto no enfrentamento das normas que parecem reger o estado das coisas no mundo, quanto na elaboração de linguagens que ultrapassam limites entre gêneros e manifestações artísticas”, afirma o curador.

A mostra conta com filmes de Ivan Cardoso — o “mestre do terrir”, termo cunhado por ele nos anos 1970. O cineasta reúne referências contrastantes em colagens quadro a quadro que articulam a tropicália, o cinema expressionista alemão, Hélio Oiticica, Zé do Caixão, o cinema marginal brasileiro, os enredos dos gibis, o jornalismo sensacionalista, a poesia concreta, entre outros elementos, sem atribuir um sentido fixo aos diálogos criados.

Darks Miranda incorpora as linguagens do cinema e da colagem em “Uma noite perigosa na ilha de Vulcano” (2022) , editado a partir de trechos de ficções científicas produzidas entre 1950 e 1980, auge da Guerra Fria. O trabalho articula sua trajetória como montadora na construção de um “cinema de segunda mão”.

As pinturas de Flávia Metzler constroem cenas em fricção com a história da arte, utilizando fragmentos de imagens, objetos, arquitetura, e conceitos científicos ou filosóficos. Na montagem das imagens, Metzler se apropria dos saberes do enquadramento e da organização dos acontecimentos no espaço para a geração de suspense.

Já Yuli Yamagata — que recentemente deu início a uma produção de vídeos curtos — internaliza em suas peças referências do cinema de horror, das animações e das histórias em quadrinho japonesas, além da lógica dos ultraprocessados. Esse campo de interesse se concentra nas fórmulas de produção industrial de baixo custo (para as fábricas) e alto risco (para os consumidores), baseada em aditivos químicos, estabelecendo assim, uma espécie de “realidade transgênica”.

Além da coletiva, o ciclo inclui as individuais “Badauê”, de Andrea Brazil (Gabinete), e “Calendário” de Felipe Rezende (Projeto 280X1020). Segundo Claudio Cretti, diretor artístico da Casa, a programação busca “tensionar os limites entre o concebível e o inconcebível, ressaltando o potencial da ficção para se pensar criticamente a realidade”.

Por fim, o programa de Performances será aberto no dia 28 de março de 2026, às 17h, pela performer e dançarina Maria Noujaim, com “Lago”. Através da transposição da mitologia em movimento, a artista explora os hibridismos entre animal e humano, tomando como ponto de partida o mito grego de Leda e o Cisne.

O I Ciclo Expositivo tem curadoria de Claudio Cretti e é uma idealização do Instituto de Cultura Contemporânea (ICCo) e foi realizado com recursos da Lei Rouanet, Ministério da Cultura, com patrocínio do banco BV, Laranjinha e Banco Itaú.

Serviço
Exposição | O horror, o humor e o absurdo
De 28 de março a 28 de junho
Quarta a domingo, das 11h às 18h

Em meio ao agravamento da crise climática, ao avanço do desmatamento e às crescentes disputas em torno dos territórios tradicionais, o projeto Langsdorff: A expedição fluvial 200 anos depois lança uma pergunta incontornável: o que foi feito do Brasil percorrido e documentado há dois séculos? Ao marcar o bicentenário da partida da histórica viagem fluvial do Tietê ao Amazonas, a iniciativa transforma uma das mais importantes viagens científicas do século XIX em ponto de partida para refletir sobre os impasses ambientais — e civilizatórios — que definem o século XXI.

O projeto estreia no dia 31 de março com a abertura da exposição Langsdorff: A expedição fluvial 200 anos depois, na Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin da USP (BBM-USP). Realizada pelo Instituto Hercule Florence e pela Documenta Pantanal, em parceria com a BBM-USP, o Instituto Moreira Salles (IMS) e o Centro Maria Antônia da USP, a iniciativa se estende até junho deste ano, contemplando também uma mostra de cinema e o lançamento de publicações sobre o tema.

Chefiada por Georg Heinrich von Langsdorff e financiada pelo Império Russo do czar Alexandre I, a expedição que partiu de Porto Feliz (SP) em 22 de junho de 1826 foi uma das mais ambiciosas incursões científicas já realizadas pelo interior do Brasil no século XIX. Mais do que mapear rios, coletar e catalogar espécies, a missão buscava compreender um território ainda pouco conhecido pelos centros europeus.

A travessia fluvial entre 1826 e 1829, do Tietê ao Amazonas, passando pelas províncias de São Paulo, Mato Grosso e Grão-Pará, tinha entre seus integrantes o botânico Ludwig Riedel, o astrônomo Néster Rubtsov, o pintor Aimé-Adrien Taunay, o desenhista e inventor Hercule Florence, que se estabeleceria no Brasil, tornando-se a principal testemunha desta jornada, e Wilhelmine von Langsdorff, esposa de Langsdorff e única mulher a viajar com o grupo .

Os diários, desenhos e registros de Hercule constituem hoje uma das mais importantes documentações visuais e científicas do Brasil oitocentista, fundamentais para a construção da imagem do país no exterior e para a compreensão histórica de sua biodiversidade.

A exposição Eixo central do projeto, a mostra realizada na BBM-USP tem curadoria do Instituto Hercule Florence. A exposição se divide entre a Sala Multiuso e a Sala BNDES, estabelecendo um diálogo direto entre passado e presente. Os trabalhos apresentados são oriundos dos acervos do próprio IHF, da BBM-USP, da Bibliothèque nationale de France (BnF) e, ainda, da coleção Cyrillo Hercules Florence, hoje sob a guarda do IMS. Reunindo mais de uma centena de obras, a mostra justapõe imagens, relatos de viagens, publicações e documentos do século XIX com produções contemporâneas realizadas nas mesmas regiões atravessadas pela expedição.

Na Sala Multiuso estão registros históricos e reproduções de materiais de Hercule Florence e de outros viajantes e naturalistas dos séculos XIX e XX. Já a Sala BNDES mescla trabalhos históricos com fotografias de nomes como Lalo de Almeida, Paula Sampaio, Miguel Chikaoka e João Pompeu, que investigam temas como ocupação desordenada, assoreamento, desmatamento, queimadas, conflitos territoriais e a resistência de comunidades tradicionais nas regiões da Amazônia e do Pantanal.

Mais que atualizar as paisagens do passado, as imagens recentes criam um contraponto crítico que convida o público a perceber que a crise ambiental não é um fenômeno abstrato, mas uma transformação concreta e acelerada da paisagem brasileira.

“A expedição não é apresentada como uma façanha heroica, mas quase como um memento mori. Em apenas dois séculos, um intervalo ínfimo na história da humanidade, alteramos profundamente os ecossistemas que aqueles viajantes conheceram”, pontua Antonio Florence, tetraneto de Hercule Florence e fundador do instituto que celebra sua trajetória, o IHF. “O século XIX construiu o mundo em que vivemos hoje, inclusive o modelo de exploração que levou à devastação que vemos. Revisitar essa travessia é uma forma de entender como chegamos até aqui e de nos questionarmos quanto ao futuro que estamos construindo.”

Para Francis Melvin Lee, curadora do IHF, a iconografia da expedição não é apenas memória visual e maravilhada da natureza ali presente, mas o testemunho de um momento em que as consequências da intervenção humana ainda eram circunscritas. “Ao revisitarmos esses mesmos territórios hoje, o que emerge é uma paisagem atravessada por devastação e conflitos. A mostra tensiona esses dois polos para que possamos perceber a dimensão histórica da transformação que ocorreu nesse curtíssimo intervalo de tempo.”

Além da exposição na BBM-USP, o projeto inclui ainda uma mostra de filmes dedicada ao cinema ambiental brasileiro. Com curadoria de Mônica Guimarães, da Documenta Pantanal, a iniciativa ocorre entre maio e junho. Por fim, marcando exatamente 200 anos do início da expedição fluvial, o projeto será encerrado com o lançamento de publicações nos dias 22 e 23 de junho. Os trabalhos nascem dos manuscritos originais de Hercule Florence e reúnem textos críticos, ensaios visuais e pesquisas recentes que expandem o legado do artista para o século XXI. Mais detalhes dessas programações serão divulgados em breve.

Serviço
Exposição | Langsdorff: A expedição fluvial 200 anos depois
De 31 de março até 26 de junho
Segunda a sexta, das 8h30 às 20h30; sábado das 9h às 13h; domingos e feriados, fechado
Entrada gratuita

A Nara Roesler São Paulo tem o prazer de apresentar Festa das falas. Com curadoria de Moacir dos Anjos, esta é a primeira exposição de um ciclo de mostras que celebra os 50 anos de atuação de Nara Roesler como galerista e que se estenderá pelos próximos meses nos três espaços da instituição, São Paulo, Rio de Janeiro e Nova York.

Em Festa das Falas, o curador reúne obras emblemáticas de artistas que pontuam o percurso de Nara Roesler desde 1976 até o momento. Apresentando obras de artistas “que provêm da mesma região de Nara, o Nordeste, em particular do Recife”, o curador, também nascido na capital de Pernambuco. Ele observa que “esta exposição busca resgatar uma forma de falar, uma inflexão nessa linguagem, nesse repertório, de artistas que independentemente de trazerem ou não referências visuais de um determinado território, fazem isso com certo jeito, uma afirmação de um pertencimento”. “Na fala de Nara, na voz de Nara, há esse sotaque, como há na minha fala também, e na fala de outros artistas que vêm dessa região”.

Além de obras provenientes do acervo da galeria, a mostra apresenta trabalhos oriundos de coleções particulares, como o raríssimo painel de cerâmica Sem título (1976), com quase oito metros de comprimento por dois de altura, de Francisco Brennand (11 de junho de 1927, Recife – 19 de dezembro de 2019, Recife), pouco visto pelo público. A presença de trabalhos de José Cláudio (1932, Ipojuca, Pernambuco – 2023, Recife) é marcante por ele ter sido o primeiro artista com que Nara Roesler trabalhou, antes de ter sua própria galeria, e em 2022 ganhou uma mostra retrospectiva com curadoria de Aracy Amaral, na Nara Roesler São Paulo.

Frequentador de exposições de arte contemporânea muito antes de se dedicar à área, Moacir dos Anjos conheceu Nara Roesler ainda nos anos 1980 e depois fez duas curadorias para a galeria. A primeira foi em 2013, Cães Sem Plumas [Prólogo] – na edição #24 do Roesler Hotel, projeto criado em 2002 para promover o diálogo entre as comunidades artísticas nacional e internacional, com curadores e artistas convidados a fazer experimentos no espaço da galeria em São Paulo. Em 2016, Moacir dos Anjos foi o curador de Deriva, individual de Cao Guimarães na Nara Roesler Nova York, e, no mesmo espaço, em 2022, da mostra Hotel Solidão, individual de Marcelo Silveira.

Sobre esta exposição agora, na Nara Roesler São Paulo, Moacir dos Anjos diz que “é como uma festa de falas”. “Estamos reunidos aqui ouvindo esses artistas, o modo deles estarem no mundo. É celebrar esse cinquentenário da atividade de Nara como galerista convocando essas vozes, convocando essas falas, convocando esses sotaques que foram tão importantes na formação dela e ainda hoje são importantes no fato dessa galeria ter algo que é diferente de outras”, salienta.

O curador lembra que há 50 anos a cena artística

Serviço
Exposição | Festa das falas
De 31 de março a 9 de maio
Segunda a sexta, das 10h às 19h, sábados, das 11h às 15h

A Carmo Johnson Projects convida você para a abertura da exposição individual “Alma terra” da artista Belony Ferreira, com curadoria de Paula Ramos.

No trabalho de Belony Ferreira, a terra deixa de ser apenas matéria para afirmar-se como linguagem. A partir de argilas e pigmentos naturais coletados do solo, a artista constrói obras que carregam em si marcas do tempo e da história. Ao evocar a Terra como força poética, Belony estabelece um diálogo sensível com questões que atravessam a memória do campo, engajamento social e as urgências ambientais.

Nascida em Santo Antônio da Patrulha (RS), em 1935, Belony iniciou sua trajetória artística aos 53 anos, após uma vida dedicada à agricultura. É justamente dessa vivência profunda com a terra que emerge o núcleo de sua obra. Mais do que matéria, a terra se torna linguagem: um meio de expressão carregado de memória, tempo e pertencimento.

Utilizando argilas e pigmentos naturais coletados do solo, Belony constrói trabalhos que preservam as marcas do território e transformam gestos cotidianos em potência poética. Sua prática articula experiência sensível e consciência política, evocando questões ligadas à vida no campo, ao engajamento social e às urgências ambientais.

Nesta exposição, a artista afirma a terra como corpo vivo e narrativo — um espaço onde memória e matéria se entrelaçam, revelando uma obra de força silenciosa e profunda ressonância.

Serviço
Exposição | Alma terra
De 07 de abril a 07 de maio
Terça a Sexta, 11h às 17h, sábados sob agendamento

Com curadoria de Ayrson Heráclito e Rodrigo Moura, a exposição Mestre Didi – invenção e ancestralidade na arte afro-brasileira, no Itaú Cultural, engloba todo o percurso do sacerdote-artista, evidenciando sua importância tanto para o alargamento dos horizontes do mundo das artes quanto para a evolução da luta contra o racismo.

Em sua trajetória, o baiano Mestre Didi (1917-2013) percorreu e distendeu os domínios das artes e da religiosidade. As muitas habilidades artísticas e artesanais de Didi lhe conferiram o lugar de mestre, assim como sua vocação e sua atuação religiosa o colocaram em cargos de destaque nos cultos. E é esse itinerário que ganha o Itaú Cultural (IC) no período de 8 de abril a 5 de julho de 2026.

Além das criações de Didi no campo das artes visuais, a individual aborda sua produção textual/literária e sua participação no desenvolvimento de relevantes organizações e eventos, no Brasil e em outros países, voltados para a pesquisa e a promoção das culturas africanas e afrodiaspóricas. O espaço expositivo também explora as conexões entre Didi e outros criadores, como o seu contemporâneo Abdias Nascimento – tema de mostra do projeto Ocupação Itaú Cultural em 2016.

No dia 7 de abril, às 19h, acontece a abertura de Mestre Didi – invenção e ancestralidade na arte afro-brasileira. Para celebrar esse momento, o terreiro Ilê Asipá apresenta Oro Ojés, cerimônia tradicional realizada em todas as festividades do espaço fundado pelo próprio Didi, em Salvador.

Serviço
Exposição | Mestre Didi – invenção e ancestralidade na arte afro-brasileira
De 8 de abril a 5 de julho
Terça a sábado, das 11h às 20h, domingos e feriados, das 11h às 19h
Pisos 1, -1 e -2

A primeira exposição institucional de Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, apresenta a obra deste artista que se dedicou à representação de cenas de guerras e conflitos sociais, de ritos da umbanda e paisagens rurais, e cuja vida reflete diversos aspectos da modernidade no país.

A mostra Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio reúne mais de 50 pinturas realizadas entre as décadas de 1950 e 1960, em conjunto de trabalhos que demonstram o interesse de Leal pelas contradições que estruturaram o processo de modernização do Rio de Janeiro.

Paulo Pedro Leal passou anos vendendo suas obras no Passeio Público, no centro do Rio de Janeiro. O artista se identificava como “pintor espiritual” e viveu às margens do circuito institucional da arte brasileira do século 20, até que em 1953 o marchand e galerista Jean Boghici passou a comercializar seus trabalhos. Sua produção artística inclui pintura histórica, paisagem,  natureza-morta, cenas de macumba e a vida urbana no Rio de Janeiro, realizada a partir da observação do mundo ao redor e do contato com reproduções em livros e periódicos.

A exposição começa com obras que evidenciam o interesse de PPL pelos gêneros da pintura ocidental, Afogamento de mendigos (1965) Naufrágio (1953) ainda que o artista os tenha aprendido fora dos circuitos institucionais. Na galeria, há trabalhos sobre naufrágios – grande interesse do artista, que foi estivador – e batalhas navais inspiradas em eventos da Primeira Grande Guerra.

Podem ser vistas ainda naturezas-mortas e uma série de paisagens, fruto da observação do avanço do subúrbio sobre o campo. Podem ser vistas obras como Batalha Naval/Bombardeio de um porto (1966), A casa do Capitão (1950) e Casal com frutas (sem data).

Em seguida, cenários de conflitos no Rio de Janeiro estão representados nas cenas de brigas de bar e assassinatos, que exploram o contraste de classe e questões raciais. Em destaque estão as obras Cirurgia moderna (1953), Crime no hotel (1965) – obra doada ao acervo do museu – e Afogamento dos mendigos (1965), que faz de Leal o único artista a retratar o maior escândalo público de violência de Estado pré-ditadura militar. Em 1963, sob o truculento governo de Carlos Lacerda, Jornais cariocas expuseram fotografias do Serviço de Repressão à Mendicância atirando pessoas em situação de rua no rio Guandu, em um episódio que ficou conhecido como “Operação Mata-Mendigos”.

Na terceira e última sala, estão presentes obras de cunho erótico, produto da observação de PPL da atividade dos bordéis da cidade. Além disso, podem ser vistas representações de festas profanas e religiosas, imagens sincréticas e macumbas, onde aparece seu notável esforço descritivo no intuito de explicar todos os componentes desse rito do qual foi sacerdote, como nas obras Candomblé (sem data) e Alegorias religiosas (sem data).

Serviço
Exposição | Paulo Pedro Leal: trágico subúrbio
De 11 de abril a 08 de novembro
Quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)