Os quatro segmentos da mostra Lasar Segall: ensaio sobre a cor levam ao público uma variedade de obras que demonstam as fases do artista com base no uso da cor. No Sesc 24 de Maio, até o dia 5 de março de 2019, a exposição também apresenta uma videobiografia do pintor. É uma parceria do Sesc com o Museu Lasar Segall.
Se debruçando sobre as várias formas de expressão de sua época (1891-1957), foi do expressionismo ao modernismo, deixando um vasto acervo, que teve curadoria de Maria Alice Milliet para a exposição no Sesc. São quase 100 obras “grupadas conforme o esquema cromático” que mudam de acordo com a vida de Segall e com as fases de sua obra, explica a curadora.
A exposição também abarca obras de artistas contemporâneos a Segall, como Milton Dacosta e Anita Malfatti, evidenciando que havia um grupo de artistas que conversava entre si.
Assista à reportagem feita pela ARTE!Brasileiros sobre a explosição.
A ARTE!Brasileiros acompanhou durante todo o ano que agora se encerra os acontecimentos na arte no Brasil e no mundo. Nesta reta final de 2018, fizemos um balanço daquilo que foi destaque no cenário nacional da arte e listamos algumas exposições em instituições e em galerias que foram marcantes.
Além disso, é importante pontuar alguns outros acontecimentos que se fazem importantes no desenvolvimento, na preservação e na manutenção da arte, como a inauguração da Fábrica de Arte Marcos Amaro, no interior de São Paulo. O espaço gerido pelo empresário, artista e colecionador homônimo se propõe a ser um importante polo de disseminação da arte. A Casa do Povo, espaço cultural no Bom Retiro, se firmou como um notável ambiente de troca e discussões sobre os temas que circundam o campo artístico.
O Masp e a Casa de Vidro, ambas instituições sediadas em prédios icônicos de Lina Bo Bardi, firmaram parceria para que pelo menos uma vez ao ano exposições simultâneas sejam realizadas nos prédios. Neste momento, acontece Ainda assim me levanto, de Sônia Gomes, em salas dos edifícios. Com grande esforço da Gerência de Artes Visuais e Tecnologia, o Sesc sediou em suas unidades dezenas de exposições valorosas ao longo de 2018, como Lugares do Delírio, Jamaica Jamaica e VKHutemas.
A Escola de Artes Visuais (EAV) do Parque Lage assume gestão do Museu Internacional de Arte Naïf, no Cosme Velho, para realizar sua reabertura. Também no âmbito das reformas, o Museu Bispo do Rosário, por meio de investimentos da Galeria Almeida e Dale e da Fundação Marcos Amaro, está realizando uma série de melhorias no espaço e na conservação de seu acervo. Também vimos, em 2018, a Montblanc dar o prêmio de Arts Patronage para Mônica Nador, por seu trabalho no JAMAC.
A resistência e a perseverança desses agentes da arte e da cultura em tempos nos quais elas têm sido atacadas por valores políticos e ideológicos são coisas para serem festejadas. Desejamos um 2019 no qual possamos estar junto a essas pessoas e entidades que valorizam a arte.
Instituições
Histórias Afro-atlânticas
A grande exposição do ano realizada pelo Masp em parceria com o Instituto Tomie Ohtake ganhou reconhecimento no Brasil e no mundo, ganhado o APCA e sendo citada como uma das melhores exposições do ano pelo The New York Times. “Neste ano comemorou-se os 130 anos da Abolição no Brasil, assinada pela Princesa Isabel em 13 de maio de 1888. E, no entanto, são vivas e profundas as marcas da escravidão no País. Diariamente somos confrontados com as provas concretas da desigualdade racial, seja por meio de aterradores dados estatísticos ou através de dramas reais, como o assassinato de Marielle Franco, que relembram quão profundo e arraigado é o racismo no país. Apesar da sensação de que pouco avançamos para combater tal situação, a denúncia dessa segregação persistente parece pouco a pouco esgarçar o manto da invisibilidade que recobre a questão”.Leia aqui sobre a exposição, eixo de nossa edição 43.
FOTO: Conversation, Barrington Watson, 1981.
Hilma af Klint: mundos possíveis
Como primeira exposição do ano, a Pinacoteca do Estado de São Paulo sediou a primeira individual da pintora sueca na América Latina. A curadoria foi de Jochen Volz, diretor da instituição, e teve mais de uma centena de obras expostas. Hilma af Klint é uma artista excepcional. Nas várias acepções do termo. Sua obra não é apenas seminal, antecipando em vários anos o início do abstracionismo, como apresenta uma qualidade estética rara, aliando sutileza formal e cromática a uma intensa espiritualidade”. Confira textocompleto de Maria Hirszman sobre a exposição.
Foto: Hilma af Klint, ‘The Ten Largest, No. 7, Adulthood, Group IV’, 1907. Cortesia da Fundação Hilma af Klint
AI-5: ainda não terminou de acabar
Nos 50 anos do do Ato Institucional n. 5, o Instituto Tomie Ohtake realizou uma grande coletiva que discutiu a ditadura militar no Brasil e fez pensar sobre o presente momento. “A ruptura da legalidade democrática leva à perda do direito de expressão, à autocensura, à instabilidade institucional, dentre outras consequências, cujos tentáculos se estendem até nossos dias. Para investigar os efeitos deste trauma no campo artístico, o Instituto Tomie Ohtake deu espaço à mostra “AI-5: Ainda não terminou de acabar”. Relembre reportagem sobre a exposição, publicado na ARTE!Brasileiros 44.
FOTO: Evandro Teixeira, ‘A queda do motociclista da Força Aérea’.
Ex-África
Mostra que visita as unidades do CCBB ao longo das unidades federativas do País, Ex-África reuniu a maior quantidade de obras provenientes de processos artísticos da África contemporânea. “A África é lembrada pelo sofrimento. Colonização, pragas, fome, segregação, inúmeros adjetivos de um continente abalado. Não obstante, parece importante observar que há movimentos na arte contemporânea que vem buscando, de forma notavelmente expressiva, trazer a tona séculos de identidade”, escreveu Matheus Moreira em texto sobre a mostra.
Coletiva com curadoria de Moacir dos Anjos buscou apresentar, no Museu de Arte do Rio (MAR), um panorama do que foi produzido recentemente no cenário nacional que vá de encontro à um ideal utópico. “(…) a exposição alcança uma temperatura às vezes até documental, que apresenta um quadro complexo da situação atual”. Clique aquie confira o que Fabio Cypriano escreveu sobre a exposição em texto para nossa edição 45.
FOTO: Anna Maria Maiolino, ‘Por um fio’, 1976
Bill Viola: visões do tempo
Uma valiosa mostra de vídeos produzidos nos últimos 20 anos pelo artista estadunidense e um dos pioneiros do formato: Bill Viola. Visões do Tempo, no Sesc Avenida Paulista, contou com a curadoria integrada de Kira Perov, diretora executiva do estúdio de Bill, Juliana Braga de Mattos e Sandra Leibovici, respectivamente gerente e assistente da gerência de Artes Visuais e Tecnologia do Sesc São Paulo (GEAVT). Leia mais sobre a exposição clicando aqui.
FOTO: Bill Viola, Chapel of Frustrated Actions and Futile Gestures (Capela de Ações Frustradas e Gestos Fúteis), 2013
Irving Penn: centenário
Grande fotógrafo estadunidense, Penn teve exposição no Instituto Moreira Salles paulista em homenagem aos 100 anos que completaria. Mais de duas centenas de fotografias estiveram na mostra. Dentre as imagens estavam retratos de nomes como Pablo Picasso, Audrey Hepburn, Truman Capote e Yves Saint Laurent, além delas, fotografias de moda e cliques de diferentes etnias, como os povos de Cuzco e da Nova Guiné, dentre outros registros.
FOTO: Irving Penn, Audrey Hepburn’, 1951.
MAM 70: MAM E MAC-USP
As sete décadas do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), que tem obras de seu acervo no Museu de Arte Contemporânea da USP, foram reunidas em uma mostra para comemorar esse natalício, com curadoria de Ana Magalhães (MAC USP), Felipe Chaimovich (MAM) e Helouise Costa (MAC-USP). Com quatro eixos expositivos, a exposição buscou enfatizar a fotografia, o contemporâneo, a formação do acervo e a missão pedagógica da instituição.
FOTO: Rosana Paulino, Sem Título, 1997.
Bienal Naïfs do Brasil
“(…) há muitas questões que podem escapar de quem observa a obra de um artista popular olhando-o a partir da concepção do primitivismo, que reduz esses artistas a um rótulo que pode significar um julgamento pelo contexto sócio-cultural em que vivem. Talvez o ponto mais latente disso na mostra seja o fato de que muitas obras abordam discussões sociais e políticas, muitas vezes identitárias, que podem muitas vezes se fecham apenas à ambientes acadêmicos e seriam reproduzidas apenas por artistas que tenham acesso a isso. Os naïfs se mostram muito à frente nesse ponto, assinalando nitidamente o seu posicionamento sobre algumas dessas questões”. Leia o texto completo sobre a exposição que ocorreu no Sesc Piracicaba clicando aqui.
FOTO: Gildo Xavier, Conquista, 2017.
Anri Sala: o momento presente
“Sala relaciona o território e a música a partir da memória do lugar e, como define a curadora da exposição, Heloisa Espada, o casal que empurra o realejo pode ter frequentado a Salle des Fêtes ou isso pode apenas simbolizar um fragmento de um sonho acordado. No trabalho de Anri Sala, a banalização do dia a dia se transforma por meio de práticas libertárias no espaço público, no melhor espírito da Internacional Situacionista, movimento surgido em 1957, que defendia, entre outras coisas, uma vida lúdica e de liberdade permanentes”. Confira texto no qual Leonor Amarante fala sobre a mostra ocorrida no Instituto Moreira Salles.
FOTO: Anri Sala, ‘Long Sorrow’, 2005.
GALERIAS
Vanderlei Lopes, A democracia é um mito, 2018
Com o ar pesado demais para respirar
Exposição importante com curadoria de Lisette Lagnado, sediada na Galeria Athena, no Rio de Janeiro. “A curadora aponta para os tempos cíclicos da arte, da política e da própria sociedade, afinal, um distanciamento necessário para quem vive a barbárie dos dias atuais”. Confira textode Fabio Cypriano sobre a exposição em diálogo com a exposição com curadoria de Moacir dos Anjos no MAR.
Neide Sá, A Corda
Neide Sá: estrutura poética, ruptura e resistência
Uma das fundadoras do movimento Poema-Processo, a artista carioca Neide Sá teve exposição individual na Galeria Superfície. Gustavo Nóbrega, diretor da galeria, se empenhou em inseri-la em grandes exposições desde que começou a representá-la, enfatizando o importante papel poético, político e comunicativo da artista. Suas obras também estiveram em grandes exposições, como Mulheres Radicais e Arte-Veículo. Clique aqui e leia nossa matéria sobre a exposição, publicada na edição 44 da ARTE!Brasileiros.
León Ferrari, ‘Sem título’, 2008
León Ferrari: por um mundo sem Inferno
Lisette Lagnado se destaca como curadora de importantes exposições de 2018. Na Galeria Nara Roesler de São Paulo e Nova Iorque, apresentou mostra individual de León Ferrari. O artista também foi tema de conferência realizada pela ARTE!Brasileiros em abril, no auditório do MAM. A exposição na galeria mostrou um panorama da obra do artista que “ao longo de sessenta anos de arte, viveu no contrafluxo do sistema sendo empurrado aos infernos para emergir ainda mais forte. Ferrari observa o mundo e o transfigura em textos/gráficos que apontam dimensões submersas no cotidiano”.Leia texto de Patricia Rousseaux sobre o artista, capa de nossa edição 42.
Milton Dacosta, ‘Construção Sobre Fundo Vermelho’, 1957
Milton Dacosta: a cor do silêncio
Uma sublime retrospectiva na Galeria Almeida e Dale fez coro à celebração dos 100 anos que seriam completados pelo artista em 2017. “Dacosta não era adepto dos rótulos, tendo um percurso livre em sua passagem da figuração para a abstração, enquanto os colegas artistas disputavam a importância dos estilos”. Clique e leia entrevistana qual Paulo Pasta e Alexandre Dacosta falam sobre o artista.
Maria Laet, Terra, 2015
Maria Laet: Poro
A exposição aconteceu tanto na galeria A Gentil Carioca, no Rio de Janeiro, quanto na galeria Marília Razuk, em São Paulo. Maria também teve forte presença na 33ª Bienal de São Paulo. “A obra de Maria Laet é uma suave projeção de sua personalidade. Ambas têm a essência onírica que brota de um imaginário quieto, afetivo e seletivo”. Confira texto de Leonor Amarante sobre a artista.
David Medalla, ‘A Flor Mohole’.
Você sonha com o quê?
Apresentada na Galeria Luisa Strina, coletiva com curadoria de Magali Arriola reuniu obras de Marcel Duchamp, Pierre Huyghe, Laura Lima e Zé Carlos Garcia, Marie Lund, David Medalla, Cildo Meireles, Theo Michael e Gabriel Sierra. A mostra foi definida por Leonor Amarante como “uma indagação de como a arrogância do mundo pode ser questionada com devaneios e imaginação”. Leia o artigo completo clicando aqui.
Marcelo Moscheta, ‘A História Natural e Outras Ruínas (Cap. 15), 2018
Marcelo Moscheta: a história natural e outras ruínas.
Desdobramento da pesquisa de Moscheta sobre a natureza e seus recursos na qual se debruça há anos, a exposição foi sediada na Galeria Vermelho. O artista utilizou múltiplas técnicas para transpor em suas obras as questões das modificações que o fator humano causa na ambiente. A força dessas transformações é desencadeada obra por obra: “E compreenderam também que nada – nem montanhas, rios, continentes ou mares – é eterno na Terra”, diz texto de enciclopédia em uma delas.
Clara Ianni, War II
Aonde Vamos?
Adolfo Montejo Navas, Ana Vitória Mussi, Clara Ianni, Ile Sartuzi, Kilian Glasner, Nazareth Pacheco, Ole Ukena e Tiago Tebet tem obras na mostra sob curadoria de Paulo Kassab Jr. na Galeria Lume. Jogando luz sobra a ideia de transição entre passado e presente, a exposição faz refletir sobre o caminho que percorremos e as quebras e permanências que se dão ao longo do tempo, dialogando com a situação política e social do país e questionando a intolerância e as ferramentas de mentiras nos dias de hoje.
Santídio Pereira, Sem título
Santídio Pereira: o olhar da memória
Com apenas 23 anos, o artista piauiense mostrou uma força robusta em exposição realizada na Galeria Estação. A mostra trouxe obras em xilogravuras, “técnica antiga que requer um tipo de relação diferente e mais demorada com a matéria, que sangra a madeira, e que coincide com a maneira com que Santídio enxerga seu passado”. Leia texto sobre a exposiçãopublicado em nossa edição 44.
Ícaro Lira, Crime e Impunidade, 2017.
Ícaro Lira: Frente de trabalho
Em abril, Ícaro teve individual na Galeria Jaqueline Martins, que destacou o pensamento coletivo do artista, uma de suas características fortes. Trazendo trabalhos próprios, colaborativos e de outros artistas, Ícaro tornou o espaço expositivo um espaço de produção e chamou a atenção do público para o exercício de reflexão sobre o trabalho, inclusive no sistema da arte, num processo engajado e de resistência.
A mostra 50 Anos de Realismo – Do fotorrealismo à realidade virtual – parece impor a ideia de que a natureza não é mais que uma projeção dos homens. Montada no Centro Cultural Banco do Brasil, arquitetura que criticamente pode operar com o conceito de panoptismo,
(vigilância total e contínua) a coletiva internacional se move com formas significantes de escultura, pinturas, fotografias, vídeos e realidade virtual.
Realismo
O realismo pode ser considerado um refresco para o espectador que ainda não digeriu a complexidade e as “esquisitices” da arte contemporânea. As instalações realistas e hiper-realistas representam aparentemente uma sociedade alegre, divertida, envolvida em uma sinalização do tempo de ócio. As referências iconográficas da coletiva não são casuais. A curadora Tereza de Arruda, que vive em Berlim há mais de 30 anos, foi buscar obras com algum ímpeto político social, como a instalação Springtime, de Peter Land, e outras com o portrait de Simon Hennessey, sem deixar de lado o sofrimento e a ternura como em Mother and Child, de John De Andrea.
Foto: Leonor Amarante
O conjunto de 93 obras, de 30 artistas, sugere um percurso que começa com as pinturas das décadas de 1970 e 80 que retratam, com precisão fotográfica, o American Way of Life. Destacam-se o britânico John Salt e o americano Ralph Goings, cujas telas exibem estacionamento de trailers, caminhonetes e as tradicionais mesas de lanchonetes de cidadezinhas do interior americano com jarros, saleiros e ketchups. Todas encontram lugar no espaço e no tempo da história americana.
O escultor americano John De Andrea, um dos artistas mais importantes da mostra, com Christine, recompõe seu imaginário, em uma escultura hiper-realista de mulher nua
em bronze policromado, que funciona como marco no espaço interno da sala, rodeada de um certo número de obras distribuídas de acordo com relações angularmente determinadas. De Andrea é um dos artistas americanos que caíram no gosto de Harald Szeemann, que o expôs na quinta edição da Documenta de Kassel, na Alemanha, em
1972, quando o crítico suíço deu Norte à exposição, transformando-a no que ela representa hoje no mundo das artes: respeito e poder. Na mostra alemã ele chamou a atenção com Arden Andersen e Nora Murphy, escultura hiper-realista de um casal “transando”. Os personagens de De Andrea, cuja teatralidade se impõe, são uma extensão tridimensional de suas pinturas. Em Kassel, ele se apresentou com algumas estrelas do mercado como Georg Baselitz, Christian Boltanski. Marcel Broodthaers, Dan Graham, Christo e Jeanne – Claude, cujos trabalhos contrastavam com o seu realismo.
Na mostra paulistana há obras com realismo estático, mas com referência a uma ação performática, como a instalação do dinamarquês Peter Land, um braço soterrado pedindo socorro. A história dos espaços expositivos é a de como as diversas formas de instalações
modificaram nossa percepção do que vemos, dependendo do contexto de onde são montadas. Land brinca com o paradoxo do que é exposto e o que é escondido. Em outro
trabalho ele elimina um corpo, supostamente masculino, o coloca atrás de uma cortina escura e só deixa à mostra a ponta dos sapatos. Ele trabalha o conceito de lugar
transitivo que poderia estar em qualquer outro espaço. A singularidade não é própria desta mostra em que convivem tantos elementos díspares. O que a exposição parece buscar, em sua diversidade, é colapsar a materialidade dos suportes utilizados. As pinturas realistas usam imagens que já deixaram de ter interesse próprio e que funcionam como notícias de seus momentos. Funcionam também como testemunhos do poder que imagens cotidianas podem alcançar.
Escultura Cristiane, de John de Andrea, e pintura de Simon Hennessy
Foto: Leonor Amarante
Escultura de John de Andrea
A série de fotos hiper-realistas é chave da historicidade da mostra como memória, mas o marco zero são as pinturas com precisão fotográfica das décadas de 1970 e 80. Cada
obra tem a capacidade de ser um objeto individual, carregado ora de limpeza formal, ora de leviandade, ora de formalidade ou simplesmente de kitsch. No realismo, o campo de fricção é amplo como mostra o argentino, residente em Londres, Ricardo Cinalli. O tema é amplo e se espraia entre naturezas-mortas, paisagens urbanas e rurais e uma série de retratos, muito próximos de fotografias ampliadas, caso das obras dos britânicos
Simon Hennessey e Paul Cadden. As novas mídias emergem nesse realismo de cinco
décadas. O artista alemão Felix Kraus, autor das pinturas The Beginning of the End of The World e Cutting Sunday, se aproxima da realidade virtual, ao envolver suas telas
numa projeção 3D, transformando-as em cenas fantasmagóricas. Essas distorções entre ficção e realidade são evidenciadas não só na The Swan Collective, de Kraus, como em outras. A linha tênue entre o real e o ficcional torna-se mais forte nas pinturas realistas do
alemão Sven Drühl cujas imagens foram extraídas a partir de frames de videogames.
Com esse conjunto, vindo de colecionadores de vários países, a curadora tenta descobrir até que ponto as pessoas vivem no que ela chama de realidade crua. “Quis trazer a
discussão para o nosso tempo e, por isso, decidi que a exposição começaria no fotorrealismo e chegaria à realidade virtual”. Para cumprir o enunciado Tereza de
Arruda pensou em um local onde pudesse, espacialmente, desenvolver sua tese, daí a escolha do prédio do CCBB.
Serviço
Exposição 50 Anos de Realismo: do Fotorrealismo à Realidade Virtual De segunda a domingo das 09:00h às 21:00h. Fecha às terças-feiras. Centro Cultural do Banco do Brasil – CCBB São Paulo – Rua Álvares Penteado, 112 Até 14 de janeiro de 2019
Aquele Vestígio Assim... Feérico, na Casa triângulo
Um conjunto de tapetes pendurados no teto se movimentam, girando em ritmos distintos, criando uma sensação de dinamismo, quando mostras em galerias costumam ter uma energia quase sepulcral, especialmente pelo pouco público que as frequenta.
Em Aquele Vestígio Assim… Feérico, que esteve em cartaz até 27 de outubro na Casa Triângulo, o assumed vivid astro focus (avaf) fez sua própria festa, mesmo quando não havia público. Em uma fase obscura do país, de clima de guerra nas redes sociais, a experiência de movimento da cor foi como um oasis.
O projeto é um desdobramento da exposição abstracto viajero andino fetichizados, realizada, em 2017, no Museu Mario Testino (MATE), em Lima, no Peru, quando o avaf produziu uma série de quatro tapeçarias inspiradas na cultura Wari, que surgiu na região andina por volta de 680 dC, criadas em conjunto com Elvia Paucar Orihuela, uma artesã de San Pedro de Cajas.
Em São Paulo, foram seis tapetes, realizados também com Orihuela, em padrões semelhantes às 17 pinturas expostas na mesma sala, número calculado para cobrir todas as paredes, criando um ambiente imersivo. Para chegar a esses padrões, Eli Sudbrack, que criou o avaf em 2001, deu uma espécie de zoom em antigos trabalhos, como se os observasse com uma lente de aumento em busca de seus componentes genéticos. Cria-se, assim, uma imersão na obra do coletivo, que se transforma em realidade e ficção, já que mesmo partindo de imagens existentes, chega a formatos totalmente distintos do original.
Esse procedimento um tanto caleidoscópico, contudo, repete-se com o programa avalanches volcanoes asteroids floods, que tem por base um arquivo de vídeos de Sudbrack, onde são exibidos 66 pequenos trechos selecionados de registros dos últimos 15 anos. Há um pouco de tudo lá, relacionado ao artista, é claro. De trechos de performances, como a realizada em 2008, no encerramento catártico da Bienal do Vazio (28ª. Bienal de São Paulo), a cenas privadas, do cºnvívio afetuoso com amigos. É como se fosse possível, por cerca de duas horas, entrar não só nas memórias do avaf, como no círculo íntimo que ajuda a construir sua obra.
Finalmente, a mostra é composta ainda por um quarto trabalho, na verdade uma instalação que reúne pinturas de assistentes, ex-alunos e amigos de Sudbrack (Camila Rocha, Gilson Rodrigues, Thiago Barbalho, Ricardo Alvez e Nadja Abt) em uma estrutura criada por ele.
Ali ganha força a noção de coletivo, já que não há identificação de autoria no conjunto. Desde seu início, em 2001, avaf tem sido um estranho no ninho no universo das artes plásticas, já que evitou identificar ou singularizar seus membros em uma cena onde ainda conta muito a ideia mítica de autor, para deleite dos colecionadores. Ocasionalmente avaf se transforma em uma dupla com o artista parisiense Christophe Hamaide-Pierson, que também desenvolve projetos avaf independentemente. E o avaf também se transforma em um coletivo, dependendo dos diferentes projetos em que estão envolvidos.
O próprio nome avaf é um acrônimo que muda conforme o local e o momento onde alguma obra é produzida, como o recente America Votes Against Fascism. Obviamente, trata-se de uma atitude política em acreditar na necessidade do esforço coletivo, que pressupõe elementos tão em falta nesses tempos, como respeito, liberdade, coragem e generosidade.
Uma obra composta por tantas mãos, como essa instalação na Triângulo, só é possível quando há um empenho genuíno por novas práticas, que partem de atitudes libertárias. Para o avaf esse compromisso é mantido em clima de festa, talvez por isso a cor seja tão importante em sua trajetória e esteja sempre vibrando de maneira tão intensa.
Novas atitudes _e o mistério em definir quem e o que é avaf merece ser visto como parte dessa estratégia _ precisam ser construídas com uma força criativa potente e é justamente isso que se observa nos tapetes, nas pinturas, nos vídeos e na instalação. Há uma interdependência entre todos esses trabalhos, é bom lembrar, que também merece ser visto como parte de uma estratégia política, ao buscar em pequenos detalhes de antigas obras novas imagens, em considerar histórias aparentemente sem relevância como essenciais, em reunir pessoas e obras de forma inesperada.
Além da mostra na Casa Triângulo, avaf ainda pode ser visto na reTRANSpectiva #2, outra ironia política ao evitar o termo usual retrospectiva para se aproximar de novas construções identitárias com o prefixo trans. Realizada na Viva Projects até 21 de dezembro (rua Cristiano Viana 201, São Paulo), a mostra reúne um conjunto de 27 trabalhos efêmeros, muitos deles produtos utilitários, realizados em diversas parcerias, entre elas com marcas como Amapô ou comme des garçons.
Festa costuma ser um espaço de liberdade, onde é preciso estar livre de condições pré-estabelecidas e em busca de uma alegria libertadora. A vertigem nas obras e atitudes do AVAF nada mais é que um desejo por novas utopias, da festa como um elemento dionisíaco unificador, onde nem sempre essas utopias são esperadas: seja na galeria, seja em uma marca comercial.
Detalhe da obra "Bandeirantes", 2018, impressão uv sobre caixas de arquivo de papelão, 650 x 200 cm
DOPS (Série movimentos religiosos)
As imagens que compõem o trabalho DOPS fazem parte do fundo do DOPS-ES arquivados na Série “Movimentos Religiosos” no qual encontram-se relatórios decorrentes de investigações sobre bispos católicos. A série de fotografias apresenta os principais personagens do evento organizado pela igreja católica chamado “Concílio de Jovens”, por padres ligados a Teologia da Libertação, que buscava dialogar com a comunidade questões não apenas de cunho religioso, mas dar voz para que representantes de organizações sociais apresentassem suas reinvindicações e problemas que enfrentavam. No verso de cada fotografia há uma descrição textual que indica o nome das pessoas fotografadas e se respondem ou responderam a processos e o que teriam afirmado no evento.
A manipulação no trabalho DOPS (Movimentos Religiosos) se estrutura como conceito operacional do processo de criação e de ativação da proposta. Esse procedimento retira a autoridade com a qual o documento foi produzido ao mesmo tempo que apresenta o olhar de controle do regime autoritário
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ARTE!Brasileiros — Conta um pouco da tua história
Rafael Pagatini — Nasci em 1985 na cidade de Caxias do Sul-RS, na serra gaúcha, sou filho de um marceneiro e de uma professora de ensino de primeiro grau. Com 18 anos fui para Porto Alegre, capital do estado, com o objetivo de estudar artes na Universidade Federal do Rio Grande do Sul.
Em Porto Alegre tive contato com o sistema de arte local e com pessoas que me auxiliaram a pensar arte e suas possibilidade criativas.
Me aprofundei desde o começo na xilogravura, talvez por ter proximidade com a madeira, por causa de meu pai. Nessa época aprendi a conviver
em grupo, morando com outros estudantes.
Em Porto Alegre passei a investigar possibilidades de usos de processos gráficos ampliando meu repertório, usando desde xilogravura até gravações e cortes a laser. Além disso tive contato com a pratica de pesquisa em poéticas visuais que me fez perceber como os procedimentos adotados ao longo do processo de criação promovem possibilidades discursivas para o trabalho. Nesse sentido o gesto de gravar, como processo de impressão de um corpo, de inscrição em um território, me levou a pensar nas questões da memória e a desenvolver uma linguagem a partir dos procedimentos da gravura e suas relações com a fotografia.
Desde cedo também comecei um percurso acadêmico. Ministrei a disciplina de gravura
na Universidade Federal do Espírito Santo, em Vitória-ES. E atualmente curso meu doutorado no PPG Artes da Universidade Estadual de Campinas, em São Paulo, com uma tese na linha de Poéticas Visuais, discutindo usos de arquivos e processos gráficos na arte contemporânea.
A!B – O que te levou a investir no teu trabalho e o que,
na tua opinião, foi fundante para tomar essa decisão?
Minha pesquisa passa pelos por processos gráficos, as relações com a fotografia e como
eles podem refletir uma discussão sobre perdas e apagamento. No entanto, quando me mudei para Vitória, tive interesse em trabalhar com questões que trazem a tona a paisagem social, a partir da memória da ditadura militar.
Esse desejo teve inicio na minha atividade como docente do curso de arte da Universidade Federal do Espírito Santo.
Aí tive acesso à relatos dos alunos, sobre violência, morte e estupros de parentes e amigos, por parte do estado. Ao mesmo tempo com isso também, mergulhei na história da cidade, do estado e do país. Essas histórias me fizeram repensar minha condição como professor de arte e como artista. Como reagir a isso, percebendo a violência como um elemento impregnado na cultura, sociedade e história brasileira. Resolvi então, estudar como foi a formação recente do estado do Espírito Santo, e como esse processo se relacionava com um projeto histórico que através do discurso do progresso promoveu ainda mais violência.
O estado do Espírito Santo possui um fluxo de capital muito grande por causa dos portos que movimentam boa parte da economia. Entre eles, o Porto de Tubarão, da mineradora Vale que exporta minério de ferro para todo mundo, é um dos mais importantes. Nesse contexto Vitória me parecia uma cidade interessante para pensar como o local se liga ao global através das commodities que passam pela cidade e como elas influenciam social, politica, estética e historicamente a memória do lugar.
O porto ao mesmo tempo que gera impostos para o município, joga minério de ferro sobre as casas, É normal acordar com um brilho escuro nas varandas. A violência simbólica, chega com o sopro do vento. Essa relação complexa entre economia, processos de exploração, tributos, poluição, me levaram a pesquisar como foi o processo de implantação do porto e a partir disso o período militar.
A economia capixaba foi baseada até a década de 50 na exportação de café, a partir da década de 60 ela se insere dentro de uma lógica de expansão de grandes projetos Industriais da economia brasileira voltada para mercado externo. Esse processo causou o acirramento das desigualdades regionais e acarretou com que os índices de violência crescessem exponencialmente. A modernização econômica, por exemplo, promoveu a construção da Samarco Mineração, inaugurada em 1977, pelo então presidente militar Ernesto Geisel. Empresa que provocou em 2015 o maior crime ambiental da história brasileira. O rompimento da barragem de Fundão, no estado de Minas Gerais, levou uma onda gigantesca de metais pesados ao rio Doce, principal rio do Espírito Santo. Acompanhei a chegada da lama tóxica na foz do rio, a destruição da vida marinha, o desespero de pescadores, ribeirinhos, a morte de um rio. As águas na cor laranja do rio Doce refletiam toda a história de autoritarismo, violência, conflitos e decadência desse grande projeto de progresso, impulsionado no estado pelo regime militar.
Como ligar as pesquisas e pensar a construção de narrativas possíveis. Como poderíamos pensar poeticamente a partir da arte como força de reação a estruturas autoritárias e a arte como espaço de invenção de práticas e utopias? Intento que minha produção apresente, como, o lugar do político nas práticas da memória pode se construir localmente e se vincular ao contexto atual brasileiro.
Rafael Pagatini, Bem-vindo, presidente!, 2015-2016
Para aprofundar a pesquisa me aproximei de um colega historiador da universidade, Pedro Ernesto Fagundes, que me ajudou com suas pesquisas a pensar a memória local, e iniciei a investigação com os arquivos do DOPS-ES no Arquivo Público do Espírito Santo. Me interessa pensar o arquivo como algo vivo, pulsante, que me leva a uma crise de representação que parte da arte e se aproxima da história e da sociologia.
Algumas perguntas norteiam minha prática a partir do uso de arquivos: Como foi a participação de empresários no governo militar? Qual o imaginário existente na sociedade sobre o período? Quanto essa história ainda é latente no contexto social, cultural e político brasileiro? Como trabalhar a partir de uma estética do período pode contribuir para o desenvolvimento de uma pesquisa em arte? Como recuperar as falhas, os desejos, as lacunas da memória sem impor discursos, mas abrindo o trabalho para a experiência da arte e sem fechar a pesquisa nos códigos restritos do campo artístico?
A!B – Como você escolhe os suportes?
A partir do desejo de refletir sobre a construção de discursos, duvidar das imagens e aí ir atrás de suportes e materiais. As relações instáveis entre fotografia, arte e documento, e como uma imagem transita entre documento e ficção e como levar elas para o produto final.
Assim, penso a imagem fotográfica como rastro da realidade e a possibilidade de manipulação. Trabalho com a fotografia a partir de imagens que pesquiso em arquivos e como elas podem ser subvertidas, construídas, interpretadas. Penso a fotografia como uma materialidade a ser desdobrada, fraturada, modelada, reconstruída. Como trabalho muito com arquivos públicos, sempre imagino como essas imagens funcionam como pequenos espaços públicos de discussão e debate.
A partir do uso de documentos, que objetiva aguçar a percepção, o julgamento que completa a obra é realizado pelo espectador. Assim, me interesso em criar uma incerteza para conseguir explicitar reações e posturas de quem se aproxima do trabalho. Dessa forma vejo os documentos como uma imprecisão do que é o arquivo, o que é um arquivo público, partilhado que é tão sedutor quanto impreciso.
Como exemplo disso posso citar o trabalho Bem-vindo, presidente!. Ele surgiu a partir da constatação que praticamente todas grandes empresas de Vitória-ES haviam sido inauguradas no período conhecido historicamente na cidade como “Grandes Projetos”, ao longo do período militar. Isso me levou ao Arquivo Público do estado do Espírito Santo e a pesquisar o jornal A Gazeta das décadas de 60, 70 e 80. A partir da data da inauguração desses projetos, como o Porto de Tubarão, Aracruz Celulose, Samarco Mineração, CST, entre outros, percebi que todos os presidentes militares visitaram a cidade para a inaugurar esses empreendimentos. Esse evento político de inauguração tinha uma agressividade e me pareceu interessante para entender a relação com a cidade, assim busquei a partir dessas datas entender como o jornal noticiava esses eventos. Para minha surpresa encontrei vários anúncios de empresas desejando uma boa estada aos presidentes em terras capixabas. Cataloguei esses anúncios de várias décadas diferentes, alguns inclusive das mesmas empresas, e busquei um suporte que ao mesmo tempo trouxesse a densidade dos textos presente nos anúncios, mas provocasse uma relação inversa a partir do suporte do trabalho, tais como leveza, invisibilidade e criasse um gesto sutil a partir do movimento do vento de saudação. A impressão a jato de tinta no papel japonês promoveu essas relações pela forma como o trabalho é fixado no espaço expositivo. O desafio foi entender como os anúncios se movimentavam pela ação do vento da galeria e usar diferentes densidades de papéis para que desta maneira o trabalho ganhasse movimento ao mesmo em que permitisse a leitura dos anúncios e salientasse a fragilidade dos discursos.
O trabalho Bandeirantes, por exemplo, nasceu dos deslocamentos que realizo para ir a Campinas pela Rodovia dos Bandeirantes por conta do doutorado. A forma como as pessoas com que eu pegava carona tinham orgulho em suas falas da estrada me fizeram ter interesse na história da rodovia.
A!B – Me conta da metodologia de pesquisa e como você resolve transformar essa pesquisa nesse produto final
Entendo que o trabalho está finalizado quando consigo suscitar as questões que me levaram até a pesquisa, mas, ao mesmo tempo, posso ainda imaginar aberturas e transbordamentos possíveis em suas leituras.
Nesse sentido minha metodologia parte muito do interesse em me envolver com o assunto de forma a me tornar por momentos um historiador, engenheiro, antropólogo, arquivista, sem deixar de ser artista. Ou seja, a partir da arte abrir um campo de leitura e experimentação para a sociedade. Deste jeito leio muito sobre o que estou abordando, as perspectivas interpretativas sobre o assunto. No caso do regime militar recorro muito a historiadores para buscar sustentar minhas hipóteses, sempre percebendo como essas questões ganham um novo contorno a partir do contexto e dos acontecimentos contemporâneos.
Muitas vezes, os materiais e suportes indicam novos caminhos e perspectivas para o trabalho, por isso que o desenvolvimento das obras sempre passam por um período de maturação. Os processos gráficos que utilizo funcionam muito a partir de um conjunto de procedimentos, um processo no qual a criação de um projeto é muito importante para respeitar algumas etapas. Por exemplo, a escolha da imagem é fundamental para que seus códigos possam reverberar para fazer pensar, sentir o trabalho não apenas intelectualmente mas corporalmente. Da mesma forma o próprio espaço expositivo no qual o trabalho é apresentado promove novas possibilidades discursivas, ou ainda contradições que muitas vezes não tem que ser superadas, mas reveladas. Portanto, minha metodologia acontece a partir da curiosidade de pesquisar histórias, de pensar o que me deixa angustiado, de partilhar um sentimento, abrir arquivos, buscar o não dito.
Pagattini, participou desde 2011 de inúmeras exposições dentre elas:
Em 2018 Estado (s) de Emergência com curadoria de Priscila Arantes e Diego Matos. Na Oficina Cultural Oswald de Andrade em São Paulo. O poder da multiplicação, com curadoria Gregor Janser no Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Porto Alegre – RS.
RSXXI – o Rio Grande do Sul Experimental com curadoria do Paulo Herkenhoff no Santander Cultural, Porto Alegre.
Abre Alas 14, na Gentil Carioca com curadoria de Clarissa Diniz, Cabelo, Ulisses Carrilho no Rio de Janeiro.
Em 2017 no 20 Festival Vídeo Brasil, com curadoria de Solange Farkas, Diego Matos, João Laia, Beatriz Lemos e Ana Pato no Sesc Pompéia em São Paulo.
Em 2012 ganhou seu primeiro Prêmio EDP nas Artes no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo – SP.
Neste mês de novembro o edifício do MASP, projetado por Lina Bo Bardi, completou 50 anos. Hoje é um ícone da cidade de São Paulo, superando outros símbolos, como: o edifício do antigo Banespa, o Monumento às Bandeiras de VictorBrecheret e do edifício do Museu do Ipiranga. Mas Lina não tem nada a ver com isso, com ícones ou outros atributos simbólicos da metrópole paulista. Lina criou um edifício racional, com um enorme espaço flutuante – setenta metros de luz! – apoiado por quatro pilares sobre o terreno onde anteriormente havia o Trianon.
A cor vermelha veio depois. Veio para proteger a viga e os pilares de infiltrações. Houve polêmica na época da pintura, entretanto, hoje não podemos imaginá-lo sem essa cor. No MASP não só o edifício flutua, as pinturas dispostas em cavaletes de vidro parecem levitarem. Certamente o edifício é, em si mesmo, uma obra de arte relevante dentre as obras de seu magnífico acervo.
Estrutura do prédio em construção o no ano de 1968 na Avenida Paulista
Quando John Cage visitou São Paulo e, ao ver o MASP, gritou – “É a arquitetura da liberdade!”Lina Bo Bardi concordou com a definição de Cage: “… quando projetei o Masp: o museu era um ‘nada’, uma procura da liberdade, a eliminação de obstáculos, a capacidade de ser livre perante as coisas.”
Não é à toa que o vão livre do MASP abriga as grandes manifestações populares da cidade. Lugar de encontro, de arte e de cultura, mas também de protesto e de sonho libertário.
Pela segunda vez, Lisette Lagnado conquista a curadoria de uma bienal após apresentar um projeto e ser avaliada por uma comissão independente. Agora, ela será a curadoria da 11a. Bienal de Berlim, em 2020, junto com a chilena María Berríos, a argentina Renata Cervetto e o espanhol Agustín Pérez Rubio.
Em 2005, Lagnado foi escolhida para organizar a 27ª. Bienal de São Paulo, realizada em 2006 com o título Como viver junto, a partir de seminários do filósofo Roland Barthes, nos anos 1970, tendo por inspiração as obras de Hélio Oiticica.
É a segunda vez que a América Latina lidera a mostra alemã já que, em 2014, ela foi organizada pelo curador colombiano Juan Gaitán. O time escolhido agora é um grupo que nunca trabalhou junto, mas gravita tem torno da América Latina com práticas transgressoras. Rubio dirigiu o Malba (Museu de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) nos últimos quatro anos, onde teve uma programação que reforçou a presença de artistas mulheres,como Claudia Andujar, além de um radical programa educativo na instituição. Ele organizou em São Paulo a mostra Memórias inapagáveis, a partir do acervo da Associação Cultural Videobrasil, no Sesc Pompéia, em 2014. Antes, Rubio dirigiu o Musac (Museu de Arte Contemporânea de Castilla e Leon), onde dedicou boa parte de seu trabalho a artistas latino-americanos. A curadora argentina Cervetto trabalhou com Rubio no Malba nos programas públicos.
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A Chilena María Berríos
A argentina Renata Cervetto
A brasileira Liste Lagnado
O espanhol Agustín Pérez Rubio
Já Lagnado é reconhecida como das curadoras mais experimentais no Brasil. A bienal Como viver junto inspirava-se na obra de Oiticica, mas não apresentou obras do artista, apenas de contemporâneos que produziam trabalhos com princípios semelhantes. Em 2010, ela organizou Desvios de la Deriva, Experiencias, Travesías, y Morfologias, junto com Berrios, no museu Reina Sofia, em Madri, mostra que tinha como um dos eixos centrais a obra de Flavio de Carvalho (1899 – 1973) e suas ações provocadoras.
Ela dirigiu ainda a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio, entre 2014 e 2017, dedicando-se à educação em artes, o que já tinha iniciado em São Paulo, no programa de mestrado da Faculdade Santa Marcelina.
Já Berrios, além de curadora também participou da 31ª. Bienal de São Paulo, Como …. coisas que não existem, em 2014, no projeto artístico A revolução deve ser uma escola de pensamento irrestrito, organizada junto com o dinamarquês Jakob Jakobsen, baseada na mostra Del Tercer mundo, que aconteceu em 1968, em Cuba, centro de uma série de eventos que buscavam debater o papel da arte e da linguagem no contexto de luta contra o imperialismo.
O grupo passa a viver em Berlim já no início de 2019 e irá suceder uma Bienal com uma repercussão altamente positiva, We don´t need another hero, liderada pela sul-africana Gabi Nboco com outros quatro curadores, entre eles o brasileiro Thiago de Paula Souza.
Enquanto a Fundação Bienal de São Paulo segue com indicações imperiais, tanto o curador da Bienal como do representante brasileiro em Veneza são escolhidos pelo presidente da instituição, Berlim é um exemplo de processo democrático.
A comissão deste ano foi formada pelos curadores Doryun Chong (M+, Hong Kong), Adrienne Edwards (Whitney Museum, Nova York), Reem Fadda, Solange O. Farkas (Associação Cultural Videobrasil, São Paulo), Krist Gruijthuijsen (KW, Berlim), Miguel A. López (TEOR/éTica, San José) e o artista Omer Fast (Berlim). O grupo reuniu-se três vezes: uma para conhecer as regras e começar a indicação de nomes, outra para selecionar os projetos a serem avaliadas de forma presencial, e a última para entrevistas e seleção final.
A Bienal de Berlim foi criada em 1997 pelo KunstWerke (KW) e tem como principal patrocinador a Fundação de Cultural Federal da Alemanha, com cerca de 3 milhões de euros (R$ 13 milhões), o orçamento da 33ª Bienal de São Paulo é o dobro, R$ 26 milhões, a maior parte vinda por meio de leis de incentivo, ou seja, verba pública.
Givagomes, Florida Paulista, SP, reside em Guarantã do Norte, MT, Salve o Verde I, 2017, acrílica sobre tela.
“Popular sim, ingênuo jamais”. A frase do artista baiano Nilson Pimenta colocada na orelha esquerda do catálogo da 14ª Bienal Naïfs do Brasil denota muito bem o panorama da exposição, que foi apresentada no Sesc Piracicaba até o último dia 25 de novembro. Sob o tema “Daquilo que escapa”, a curadoria teve a intenção de refletir sobre o que poderia fugir aos seus olhos durantes as visitas aos ateliês dos artistas, que foram chamados por eles de “casas-ateliês”. Afinal, é dentro do próprio lar que os artistas Naïfs do Brasil produzem suas obras.
Esta edição da Bienal Naïfs também mostra que há muitas questões que podem escapar de quem observa a obra de um artista popular olhando-o a partir da concepção do primitivismo, que reduz esses artistas a um rótulo que pode significar um julgamento pelo contexto sócio-cultural em que vivem. Talvez o ponto mais latente disso na mostra seja o fato de que muitas obras abordam discussões sociais e políticas, muitas vezes identitárias, que podem muitas vezes se fecham apenas à ambientes acadêmicos e seriam reproduzidas apenas por artistas que tenham acesso a isso. Os naïfs se mostram muito à frente nesse ponto, assinalando nitidamente o seu posicionamento sobre algumas dessas questões.
Quem visitou a exposição já se deparou logo na entrada com as obras sem título de Arlindo de Oliveira que fazem menção à ocupação das favelas cariocas pelo BOPE. Ao lado delas, a peça intitulada Não corra que eu vim buscar sua alma, também de Arlindo e também fazendo alusão ao grupo da polícia, expressa com veemência a opinião do artista e sua contribuição para a discussão sobre o genocídio do povo pobre causado por essa ocupação nos morros, devido aos abusos cometidos pelos militares, também das UPPs e também das forças armadas, que participam da intervenção militar na Cidade Maravilhosa.
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Nilson Machado, Rondonópolis, MT, Arte no Cabelo I, 2018, acrílica sobre tela
A. D. Silva, Presidente Venceslau, SP, Rebelião no Presídio Ii, 2018. Acrílica sobre painel.
Gildo Xavier, João Pessoa, Retrato de Famílias, 2017, acrílica sobre tela
Gildo Xavier, João Pessoa, Conquista, 2017, acrílica sobre tela
Há uma série de obras, de diferentes artistas, que remetem a temas levantados pelo feminismo. A mais impactante foi feita por Alex dos Santos, artista de Jaboticabal/SP e é intitulada A violência contra a mulher, de 2018. Nela, o artista aborda uma série de brutalidades cometidas contra mulheres, desde as fogueiras da Inquisição até a Lei Maria da Penha, traçando uma linha do tempo. A artista Ana Zamaro se faz presente com a obra Absolutas, também deste ano, na qual pinta vários rostos de mulheres, cada uma com suas características que fogem a um padrão. O título dela diz muito sobre como Zamaro vê a questão da estética feminina no âmbito das discussões dos feminismos.
Duas obras de Gildo Xavier trazem a temática LGBT à tona, tratando dela por meio de uma visão sobre configurações familiares. Em Retratos de Família (2017), ele pinta uma série de núcleos parentais de diferentes composições, inclusive LGBTs, passando também por indígenas, negros e de religiões diversas, contrariando um padrão do que é rotulado como “família tradicional brasileira”. A obra Conquista (2017) também entra nesse aspecto ao mostrar um casal de mulheres que realiza o sonho de ter um filho.
Esses são só alguns exemplos de como as discussões da contemporaneidade se fazem presentes no repertório dos artistas Naïfs que passaram por esta edição da Bienal realizada pelo Sesc, que teve curadoria de Ricardo Resende, Juliana O. Campaneli e Armando Queiroz, além da curadoria educativa de Alexandre Araujo Bispo, e que não foi nada ingênua.
Desde o momento em que o curador de arte atingiu o protagonismo de um diretor de cinema, saber quem comandará uma mostra internacional tornou-se primordial. Ao escolher Andrea Giunta para a curadoria geral da 12ª Bienal do Mercosul, que ocorrerá de 9 de abril a 5 de julho de 2020, a exposição volta às suas origens. Fortemente ligada à produção latino-americana, a crítica e pesquisadora argentina vai explorar as relações entre arte, feminismo e emancipação. Eu pergunto como ela fará isso. “A bienal já deu início, na semana passada, com um seminário onde colocamos em pauta os temas que nos interessa explorar. Um dos sentidos em que eu entendo o termo emancipação, além da emancipação no sentido político, é o ligado ao conhecimento”. Para Giunta, o conhecimento contribui para a transformação de estruturas do pensamento. “Trabalharemos a partir do feminismo, do conceito de um sujeito ampliado que contempla não apenas a mulher, mas inclui os corpos e os afetos demarcados e tudo aquilo que o discurso monolítico marginaliza”. Como parte do projeto da Bienal está sendo organizado um Seminário para debater estes temas. Trabalhar em uma bienal é algo complexo e esta é a primeira experiência de Giunta em uma exposição desta natureza, nesse sentido, ela pretende utilizar sua experiência e suas metodologias de pesquisa. Pesquisar intensamente, explorar o potencial de uma cidade como Porto Alegre, com recursos que não estiveram presentes em nenhuma outra bienal.
Giunta faz um comentário clássico de alguns curadores internacionais que passaram pelas nossas três Bienais, a de São Paulo, Curitiba e a de Porto Alegre. “ Não quero que a bienal aterrisse como um Óvni na cidade, mas que se integre no cenário criativo e institucional onde está locada. Já demos alguns passos nesse sentido”. A curadora fala do envolvimento de coleções institucionais “deslumbrantes”, que nunca estiveram em uma bienal ou nas universidades. Por experiência, ela vai levar em conta a importância da relação entre a curadoria, as exposições, a pesquisa e também entre as escolas. A curadora acredita que pode levar à bienal experiências que somam, como a recente curadoria, de Mulheres Radicais “que teve a dimensão de uma bienal em relação ao número que artistas envolvidos”. Além disso, Giunta diz contar com a equipe experiente da Bienal do Mercosul, que formou muitos jovens.Diante da situação política atual, pergunto como a crítica argentina pretende abordar os temas e as obras impregnadas de carga ideológica. “Não posso dizer que não me preocupa o cenário em que este projeto se desenvolverá. Mas também creio que é uma oportunidade para manter ativa a cultura e o pensamento. Seguramente teremos que buscar comunidades de interlocução que compreendam o sentido do que apontamos. É um momento para trabalhar sobre a cultura do diálogo, não a da confrontação”. Giunta diz que o tema invoca, sem dúvida, um sentido pedagógico. E, para ela o desafio será encontrar formas de diálogo que transformem o estado de beligerância em que estamos submersos. “Não somente no Brasil, como em muitos outros países, a arte também é um espaço de reflexão da comunidade. Espero alcançar esse clima poético, que é também político”.
Depois que os armazéns do porto não foram mais cedidos à Bienal, a exposição foi reduzida em quase 60%, em relação aos espaços expositivos, e tornou-se mais enxuta e hoje se resume, praticamente ao Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Memorial do Rio Grande do Sul eSantander Cultural.
Carlos Pasquetti, Trabalho sobre máscara de gás, 1972, Foto 24 X 18 cm
Há cinquenta anos era publicado o Ato Institucional no 5. O decreto, que suspendeu as garantias constitucionais no país, simboliza o momento de consolidação do regime militar e deixa profundas marcas na sociedade brasileira. O estado de exceção atinge não apenas as vítimas diretas do regime, que vivenciaram a tortura, a morte e o exílio, mas a sociedade como um todo. A ruptura da legalidade democrática leva à perda do direito de expressão, à autocensura, à instabilidade institucional, dentre outras consequências, cujos tentáculos se estendem até nossos dias. Para investigar os efeitos deste trauma no campo artístico, o Instituto Tomie Ohtake deu espaço à mostra “AI-5: Ainda não terminou de acabar”.
Tratou-se de uma exposição ao mesmo tempo arquivística e artística, histórica e contemporânea. A espinha dorsal do evento foram documentos, depoimentos, registros e obras reunidas ao longo de um ano de intensa pesquisa. Foram consultados cerca de 40 artistas, não apenas visuais mas de outros campos da cultura como a música e o cinema, na tentativa de criar um panorama mais amplo dos efeitos e respostas dados no período
pela sociedade. “É uma espécie de ensaio sobre relação de força entre campo criativo e forças autoritárias da época”, sintetiza Paulo Miyada, idealizador e curador da mostra. Abrangendo um período amplo, que vai desde 1964, ano em que se deu o golpe, até 1980, quando se inicia o processo de abertura, a mostra se divide em diferentes núcleos temporais.
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Wlademir Dias- Pino, Brasil Meia Meia, Revista Ponto 1, 1967
Da série ‘linha Dura Não … Dura’, 1978
Claudio Tozzi, A Prisão, 1968.
Os quatro anos que antecedem o endurecimento provocado pelo AI-5 são vistos por Miyada sob a égide do conceito de “opinião”, que permeia uma série de iniciativas (exposições, show, teatro…) e sintetiza o caminho viável. Num período em que a ação político-partidária não era mais possível, restava a expressão das ideias e a noção de contracultura, de fortalecimento diante dos interditos, como forma de resistência. “Com o decreto a opinião foi criminalizada”, afirma Miyada, para quem essa geração ativa em meados dos anos 1960 representa o ponto de ápice e quebra de um projeto estético ltamente engajado. Dentre as obras deste período estão a obra “Che Guevara Vivo ou Morto”, de Claudio Tozzi, que foi destruída por militantes de extrema direita no Salão de Brasília de 1967 (e posteriormente reconstruída pelo artista).
A partir do fortalecimento da censura, em 1968, algumas estratégias de escamoteamento foram sendo adotadas. Artistas como Cildo Meireles, Artur Barrio e Antonio Manuel passaram a incorporar estratégias de guerrilha, como a infiltração em outros sistemas, a clandestinidade, e uso da ideia de morte como símbolo do momento político. Um dos destaques do núcleo foram os desenhos feitos na prisão por Carlos Zílio, que o artista concordou em mostrar apenas em 1996 e raramente foram exibidos.
Paulo Bruscky, Título de Eleitor Cancelado, 1976
Outras formas de dar continuidade à produção artística em ambiente tão hostil foram a adoção de uma certa marginalidade experimental, desafiando os códigos moralistas em vigor; o uso de um autonível de codificação como forma de autoproteção ou a utilização de circuitos alternativos como cineclubes e a arte postal. Artistas como Paulo Bruscky, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino (que comparece com um projeto, nunca realizado, de obra sobre os desaparecidos), Wlademir Dias Pino, Claudio Tozzi e Antonio Dias são alguns dos nomes contemplados. Falecido recentemente, Dias esteve presente com duas obras bastantes emblemáticas do período final da Nova Figuração: um caderno inédito que inicia ao chegar em Paris em 1968, no qual escreve, em referência à antológica série de pinturas negras: “Arte negativa, para um país negativo: pinturas inteiramente negras com apenas uma palavra em branco”, num claro processo de enlutamento, e a obra “Cabeças”, formada por urnas vedadas e pintadas de preto, dispostas como se fossem cabeças decepadas.
Encerrando a exposição, Miyada relembrou dois movimentos importantes de reafirmação da arte e da cultura brasileiras e latino-americanas, representadas por duas figuras centrais nesse processo de reflexão e sistematização da arte brasileira: o projeto elaborado por Mario Pedrosa para a reconstrução do MAM-RJ após sua destruição em um incêndio em 1978 e o Encontro de Críticos de Arte da América Latina, organizado por Aracy Amaral na Bienal, em 1981. E, para mostrar que trata-se de um problema mais amplo, com reflexos
evidentes nos dias atuais, incorporou um pequeno porém potente núcleo de arte contemporânea, no qual artistas como Paulo Nazareth, Matheus Rocha Pitta e Bruno Dunley, entre outros, lidam com essa cicatriz ainda aberta.
Carlos Zilio, Lute (Marmita), 1967
Nem a ideia da produção deste período como algo monolítico nem a possível crítica de que
o engajamento político é feito em detrimento de uma qualidade formal das obras sustenta-se diante de uma pesquisa detalhada como esta. A diversidade e a fertilidade se impõem e compõem uma trama bastante diversificada e rica. É como “um quebra-cabeças histórico”, diz Miyada que no ano passado já havia organizado “Osso”, uma exposição-apelo pelo direito de defesa de Rafael Braga. Inicialmente, sua ideia era tentar realizar uma ação em rede, envolvendo outras instituições, como forma de resposta ao discurso conservador e às ameaças crescentes a liberdade artística, como os movimentos capitaneados por uma certa “nostalgia do autoritarismo” exigindo o fechamento e à censura de exposições e peças de teatro, por exemplo. No lugar dessas parcerias institucionais, se fortaleceram os laços com a comunidade de pesquisadores – fundamentais no levantamento de dados – e artistas.
Irving Penn: centenário
MAM 70: MAM E MAC-USP
Anri Sala: o momento presente
