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Construção de Series Históricas e Leitura Crítica das Imagens

Por
Christian Dunker
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Man Ray, Volta à Razão,1923

 

Leia também:
1] Curadoria como sistemas simbólicos em conflito,
2] Forma estética e contradição social  
3] Formalização e Temporalidade
4] Arquitetura e Espaço: a Soberania das Imagens
5] Lugar, Voz e Linguagem: Empatia e Estranhamento

Resumo

Pretendo mostrar como as práticas de mediação convidam ao encontro com a obra como experiência de leitura reconstrutiva. Este processo pode ser entendido como experiência ética de reconhecimento, envolvendo forma estética e contradição social. A função ética do discurso, concentrada na noção de letra determina modos de relação com a obra que são também modelos de relação intersubjetiva com o outro. Apresento este tema a partir de sete desafios éticos para os museus contemporâneos.

 

6.Construção de Séries Históricas e Leitura Crítica de Imagens

 

Até aqui estamos nos desviando dos operadores clássicos de leitura de imagens: o autor e a obra. A crítica das neovanguardas dos anos 1960 insistiu na dissolução da unidade destas categorias: a obra é aberta, sua descontinuidade com o mundo é problemática, sua intrusão na vida é um problema insolúvel. Problema conexo é a reação ao excesso de biografismo e de psicologização da leitura da obra pela vida de seu autor. O sujeito que se critica aqui é sobretudo o sujeito soberano, auto-idêntico e reflexivo, possuidor e mestre de sua produção assim como Hitchcock parecia controlar todos os detalhes de seus filmes.

Ora, este uso da psicanálise traz o que ela tem de pior, que é a reprodução de uma narrativa mestre a partir da qual se pode fazer hermenêutica de obras de arte. Em alguma medida isso parece ser inevitável, mas o que se observa em críticos mais recentes, como Didi-Huberman e Hal Foster ou Kosalind Krauss, é que a psicanálise é antes de tudo uma estratégia de leitura de formas, não de conteúdos.

 

Ela, como tantos outros discursos e experiências está interessada centralmente no sofrimento e na transformação, no modo como contradições vivenciais, como o trauma, mas também o sofrimento narcísico com a identidade, o sofrimento em estranhamento com o sintoma, o sofrimento derivado do bloqueio, fracasso ou limitação de nosso trabalho de imaginarização ou simbolização retorna como real.

Este é o problema central na série já aludida de telas sobre o desastre do Césio 137 e sua interpolação no contínuo de trabalhos e Siron Franco. O fio condutor não precisa ser a vida, mas pode ser apenas a recorrência, construída pelo destinatário das variações que se compõem no tempo. Como antropofagia dos seus primeiros trabalhos, se reúne com a resposta aos ataques terroristas em Paris, ou ao desastre de Goiânia? Não precisamos encontrar uma lógica, uma coerência ou um encadeamento necessário, como faziam Wolflin e Vasari.  Mas uma escuta empática da obra produzirá, como uma espécie de efeito secundário, estruturas de unidade, sobrepostas ou não, às estruturas de identidade.

Este é o exercício aberto da leitura como construção de corpos políticos. Tarefa na qual psicanálise, pensamento museológico, mas também tantos outros discursos e agenciamentos estão agrupados.

 

1º Edital OMA de Curadoria premia curadora de Brasilia

Por
Nayani Real
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Imagem: Divulgação

Iniciativa da Galeria OMA, o 1º Edital OMA de Curadoria abrangeu todo o território nacional. A excelente oportunidade para jovens curadores premiou “Métricas da cidade de Brasília”, de Gisele Lima.

Gisele Lima (Divulgação)

A brasiliense é graduada em Teoria, Crítica e História da arte pela Universidade de Brasília. Sua proposta é uma mostra coletiva com outros artistas brasilienses, Gustavo Silvamaral, Guilherme Moreira e João Trevisan.

Gisele destaca o pensamento em torno da matemática do sensível, as cores e formas singulares na arquitetura da capital brasileira. Além disso, chama atenção à reverberação na noção de pertencimento a um cenário marcado pelo modernismo e a convivência política.

O 1º Edital OMA de Curadoria

A OMA Galeria consolidou-se como um dos principais espaços de arte contemporânea do Brasil. O edital, oficialmente anunciando durante a SP-Arte/Foto, em agosto, tem o intuito de estimular jovens curadores. A proposta selecionada fecha o calendário anual de exposições da galeria. O prêmio previsto é de 5 mil reais ao projeto, a fim de dar suporte à curadoria e os artistas integrantes da mostra.

“Ficamos surpresos com a qualidade e quantidade de inscritos”, comenta o galerista Thomaz Pacheco. A Galeria destaca a importância desse tipo de ação frente a demanda de profissionais. “Não tínhamos a real dimensão do alcance do edital em âmbito nacional”, explica.

A mostra “Métrica” está prevista para o fim de novembro.

Feira de Arte de Bogotá reúne 70 galerias na capital colombiana

Por
Redação
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Com a participação de 70 galerias de 20 países, acontece nesta semana na capital colombiana, entre os dias 25 e 28 de outubro, a 14a edição da ARTBO (Feira de Arte de Bogotá). A feira, que se consolidou como uma das mais importantes da América Latina, é o principal evento em uma semana que movimenta a cena artística da cidade.

Além da ARTBO, são realizadas no mesmo período as feiras do Milhão e Barcu, o recém-lançado projeto Espacio Odeón Intensivo e uma série de exposições em grandes instituições (como o Museu de Arte da Universidade da Colômbia), espaços independentes (como o FLORA ars+natura) e galerias de arte.

As casas brasileiras que participam da 14a edição da ARTBO são as galerias Eduardo Fernandes, Luisa Strina, Portas Vilaseca e Vermelho, na seção principal, e a Superfície, na seção dedicada à jovens galerias. Na área voltada à projetos individuais de artistas, participam a paulistana Carla Chaim, pela Galeria Raquel Arnaud, e o paraense Emmanuel Nassar, pela galeria portuguesa Kubikgallery.

A ARTBO, realizada desde 2004 e dirigida por María Paz Gaviria, foi uma importante impulsionadora não só do mercado de arte, mas também da cena artística colombiana, em um país que ainda lidava de modo intenso com os traumas dos conflitos com guerrilha e narcotráfico. Nos últimos anos, diversas galerias e espaços dedicados às artes visuais proliferaram não só por Bogotá, mas também por cidades como Medellín e Cali.

A 14ª Bienal Naïfs do Brasil no Sesc Piracicaba

Por
Redação
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Mostra no Sesc Piracicaba, com curadoria de Armando Queiroz, Juliana Okuda Campaneli e Ricardo Resende, fica em cartaz até 25/11.

Com o tema “Daquilo que escapa”, a bienal deste ano apresenta bordados, desenhos, esculturas, gravuras, pinturas, vídeos, entre outras técnicas, produzidos por artistas em todo o Brasil.

Confira entrevista com Margarete Regina Chiarella, agente de cultura e lazer do Sesc SP.

 

SERVIÇO

14ª Bienal Naïfs do Brasil

SESC PIracicaba: Rua Ipiranga, 155, Centro.

De 18 de agosto à 25 de novembro.

Terça à sexta-feira das 13h30 às 21h30. Sábado e domingo, das 09h30 às 18h.

Entrada gratuita. Informações: 3437-9292.

 

Um jovem que fugiu à ditadura do tempo

Por
Patricia Rousseaux
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Santídio Pereira, Sem título

Santídio Pereira tem 23 anos, nasceu em Curral Cumprido, bairro rural de um pequeno município piauiense de Isaías Coelho, onde passou toda sua
primeira infância. A vinda para São Paulo, não obstante, não interrompeu
sua relação com o tempo.

Sua segunda exposição na Galeria Estação, em São Paulo, Um olhar da memória, apresenta xilogravuras, técnica antiga que requer um tipo de relação diferente e mais demorada com a matéria, que sangra a madeira, e que coincide com a maneira com que Santidio enxerga seu passado. Camadas de memória aparecem na sua obra. Caburés, garrinchas, lambus, juritis, pássaros e plantas da caatinga, se misturam em tons que tornam seu trabalho menos figurativo.

Luisa Duarte, curadora da exposição, lembra em seu texto para o catálogo, que para o artista há uma clara diferença entre ver e enxergar: “O ver estaria relacionado a um olhar apressado, próprio de um ritmo contemporâneo marcado por uma atenção distraída, enquanto que o enxergar seria aquilo que suas gravuras demandam, ou seja, uma mirada capaz de se demorar em um mesmo objeto, pacientemente.”

Santidio não se contaminou com a aceleração do tempo do capital e da capital. E parece ter se mantido fiel as suas raízes, tanto do ponto de vista da sua percepção
como das suas marcas mnêmicas, como da sua memória inconsciente. Freud comentava, em cartas a Wilhelm Fliess, bem no comecinho de sua obra, que estes três fatores juntos não seriam nem mais nem menos que o necessário para criar: criar a vida como uma obra psíquica.

Você sonha com o quê?

Por
Leonor Amarante
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Gabriel Sierra, CCCC, 2018. FOTO: Edouard Fraipont

A natureza dinâmica e fragmentária da arte se abre a todo tipo de delírios e pode neutralizar simplificações e mesmices. A galeria Luisa Strina dá um sopro poético no congestionado circuito de arte deste mês com a mostra Você sonha com o quê?,  uma indagação de como a arrogância do mundo pode ser questionada com devaneios e imaginação. A curadora mexicana Magali Arriola monta um jogo a partir da obra A Flor Mohole, do filipino David Medalla e Espaços Virtuais do brasileiro Cildo Meireles. No utópico Projeto Mohole, 1957/1966, o artista imagina plantar uma flor no centro da Terra para fazer ressurgi-la “com pétalas, rolando na crista de uma onda chegando à costa”, em diferentes formas e locais.  Já Espaços Virtuais de Cildo, da década de 1960, questiona como nos aproximamos do espaço e de que como a geometria pode modificar nossa relação com ele, centrada na obra A Penteadeira, de 1967.

A coletiva utópica e orgânica que toca nos conceitos de dentro/fora, cima e embaixo, reúne obras de Marcel Duchamp, Pierre Huyghe, Laura Lima e Zé Carlos Garcia, Marie Lund, David Medalla, Cildo Meireles, Theo Michael e Gabriel Sierra. O conjunto revela os limiares de percepção que conectam luz e sombra, explora dramaticidade e poesia como a que se desprende de Pássaro, 2015/2018, escultura de Laura Lina e de José Carlos Garcia.  No MMMMM… Manifesto, 1965, Medalla sonha com esculturas que “migrem, em massa, para o Polo Norte”.  Laura Lima fala do Pássaro, inserida no desejo de fazer uma obra pública. “Percebi como a arquitetura está muito presente em meu trabalho e, quando coloquei esse pássaro agigantado, pensei mais como escultura e não como uma performance”.

David Medalla, ‘A Flor Mohole’.

Laura imaginou situação de cataclismo em relação ao povo, como se colocasse um pássaro sobre um pequeno bonsai. “Pensei num pássaro caído no meio da cidade e imediatamente elegi José Carlos Garcia, para trabalhar comigo. Ele   faz esculturas com asas, pássaros, é um grande escultor. Garcia diz que esse projeto revela por onde o pássaro entrou, onde ele bateu e morreu. Para ele, esse cenário é uma grande paisagem que cada espectador vai fazer na sua cabeça. “Cada um aponta para um lugar, para achar sua paisagem onírica”, comenta.

Devaneios giram também em torno da obra do colombiano Gabriel Sierra, que se vale de matéria orgânica para reinventar planetas, um trabalho que funciona como um experimento. “Me interessa como vemos o espaço em que habitamos. Para expandir criatividade e ideias, as pessoas buscam mais espaço, como metáfora da suposta falta de espaço, como se o planeta Terra fosse insuficiente para a criatividade”. Com o curioso título CCCC (chispa, corpo, casa, cosmo) ele faz uma alusão ao espírito que habita esses territórios. Está em jogo a liberdade de pensar sem fronteiras. “É uma forma de escapar do território que conhecemos na Terra”. De cada obsessão de Medalla e observação de Cildo fica um trabalho, uma experiência, um modo de vivenciar o espaço. Seja real, onírico, distante ou profundo.

Movimento independente lança “Manifesto da Literatura pela Democracia”

Por
Nayani Real
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Imagem: Divulgação

O escritor, crítico literário, e tradutor de diversos títulos – alguns presentes nas indicações da categoria “Imperdíveis“, Julián Fuks, publicou em suas redes sociais o “Manifesto da Literatura pela Democracia”, por ele escrito.

O texto posiciona a classe literária assinante frente à fragilidade democrática instaurada pelo cenário político do país, que aproxima-se do 2º turno eleitoral.

“Diante do descalabro que parece iminente nestas eleições, me pediram que escrevesse este ‘Manifesto da Literatura pela Democracia’, a ser subscrito por escritores e escritoras e demais profissionais do livro”, escreveu Julián.

Nomes como Raduan Nassar, Chico Buarque, Lygia Fagundes Telles, Luis Fernando Veríssimo, Roberto Schwarz, Diamela Eltit, Mia Couto, Bernardo Kucinski, Gregorio Duvivier, Alberto Martins,  Maria Betânia Amoroso, Mirna Queiroz, entre muitos outros, assinaram o Manifesto. Para assinar, acesse o link.

Fuks chama também para um ato na Tapera Taperá, em São Paulo, no dia 26/10, às 19h. “Para reunirmos forças e palavras, e para enfrentarmos juntos esse horror que nos afronta. Cedo ou tarde, a democracia, a liberdade, a empatia, hão de se impor”, finaliza.

Confira o texto na íntegra:

 Manifesto da Literatura pela Democracia

“Se o país não estivesse imerso em tanta fúria, tanto ódio, tanto grito, se por um instante se instalasse algum silêncio, talvez todos ouvissem o sinal de alarme: algo está em perigo. Funcionam os hospitais, os tribunais, as delegacias, abrem-se as repartições, mas não há nenhuma normalidade em nossos dias, nenhuma tranquilidade é possível. Em pouco tempo caminharemos às urnas com as mãos desarmadas, exerceremos com liberdade o ofício do voto, e ainda assim o alarme soará por toda parte: a democracia está em perigo.

A democracia não se resume à possibilidade de depositar um voto na urna; supõe, antes disso, o direito de todos e todas, pleno e absoluto, à existência. O candidato Jair Bolsonaro fere a democracia porque defende o desaparecimento de muitos: de seus adversários, que anseia por banir da política; dos ativistas, que quer extirpar do país; de quilombolas e índios, que pretende privar de suas terras; da comunidade LGBT, intimidada a conter em público seu afeto; dos jornalistas críticos, constantemente ameaçados por ele próprio ou por seus seguidores.

A democracia não sobrevive apenas com um respeito momentâneo às normas; sua preservação requer um compromisso constante com o Estado de Direito. Bolsonaro vem ferindo a democracia há décadas, em seu louvor às opressões da ditadura, em sua defesa insistente da tortura e do extermínio. Ameaçou a democracia no passado, e sua candidatura a ameaça no futuro, com o aceno a medidas autoritárias. A cada declaração ou insinuação, o sinal de alarme soa mais alto.

A cultura ele também quer abater, mas a cultura não se abate. A literatura ele quer calar, mas a literatura não se cala. Contra a censura, contra o desprezo, contra o desdém, contra a imposição de falsas verdades e de equívocas certezas, escritores e escritoras sempre souberam se erguer. Eis o ativismo da literatura, o ativismo que ele não poderá extirpar: a literatura será sempre um dos grandes antídotos para a desumanidade e a indiferença.

Por isso aqui nos erguemos, escritores e escritoras, críticos e críticas, editores e editoras, exercendo nosso ofício da palavra, ouvindo como outros o ruído das sirenes. Por isso clamamos por uma união de todos e todas que prezem pela democracia, que valorizem a existência da diversidade e do dissenso. A literatura, afinal, tem como ideal e como fim a aproximação ao outro, a compreensão de suas aflições, de seus suplícios, o encontro entre diferentes. E ainda que resista às circunstâncias mais adversas, como resistimos e resistiremos, a liberdade há de ser sempre o seu maior instrumento.”

 

Caixa Cultural apresenta concretismo e sincretismo da obra de Rubem Valentim

Por
Redação
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Rubem Valentim, Variação 1. FOTO: Divulgação

Inaugurada no início de outubro na Caixa Cultural São Paulo, a exposição “Rubem Valentim – Construção e Fé” apresenta cerca de 70 obras do artista baiano, considerado um dos mais importantes nomes do concretismo brasileiro, até o dia 6 de dezembro.

Pintor, escultor, gravurista e professor, Valentim (1922-1991) trabalhou durante sua trajetória com elementos da cultura afro, utilizando-se de traços geométricos e cores fortes para tratar de tradições populares, da simbologia do Candomblé e do Umbanda.

Para o curador da mostra, Marcus Lontra, a ideia é mostrar o lado combativo e contestador de Valentim, escancarando também uma violência que permanece até os dias de hoje na sociedade brasileira.

Ainda este ano, no dia 13 de novembro, o MASP inaugura outra exposição de Valentim, intitulada “Construções Afro-Atlânticas”, que fica em cartaz até março de 2019. A mostra reúne cerca de 90 obras produzidas pelo artista entre 1955 e 1978.

RUBEM VALENTIM: CONSTRUÇÃO E FÉ
Quando: até 6 de dezembro
Onde: Caixa Cultural - Praça da Sé, 111
Preço:  Grátis
Classificação Livre

Destaques literários

Por
Redação
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Autoimperialismo, Benjamin Moser

Confira os destaques literários da Série Imperdíveis. Os títulos passam por ficção, filosofia, críticas e análise a aspectos autoritários do projeto de Brasília, a confusão simbólica e visual de São Paulo e a conquista predatória do Brasil pelos próprios brasileiros.

Por Vivian Mocellin

O Caso Meursault

Kamel Daoud, Tradução de Bernardo Ajzenberg, Biblioteca Azul, 168 páginas

História de O Estrangeiro contada de outro ponto de vista. Aqui, o árabe morto sem motivo por Mersault numa praia da Argélia colonial ganha carne, osso, identidade, nacionalidade, infância, sonhos e ambições, ao contrário da figura quase abstrata descrita por Camus em seu clássico.

TRECHO

“Depois de perder a mãe, esse homem, o assassino, deixa de ter um país e cai no ócio e no absurdo. É um Robinson que acredita poder mudar o destino matando o seu Sexta-Feira, mas que, ao se ver preso em uma ilha, se põe a discursar, com talento, feito um papagaio complacente consigo mesmo.”

AUTOR

O argelino Daoud, de 46 anos, ex-jornalista, ganhou o prêmio Goncourt com este seu primeiro romance, que teve os direitos vendidos para mais de 20 países.


Autoimperialismo

Benjamin Moser, Tradução de Eduardo Heck de Sá, Planeta, 128 páginas

Em três ensaios – Cemitério da Esperança, A Pornografia dos Bandeirantes e Autoimperialismo -, o autor se dedica a criticar os aspectos autoritários do projeto de Brasília, a confusão simbólica e visual de São Paulo e a conquista predatória do Brasil pelos próprios brasileiros.

TRECHO

O que comove na arquitetura monumental é a forma desajeitada como ela trai seus próprios propósitos. Enquanto procura transpirar permanência, já se encontra em decadência. Na tentativa de se mostrar majestosa, revela sua vaidade (…)”

AUTOR Publicou Clarice, biografia de Clarice Lispector, e traduziu e editou obras da escritora, tornando-a mais conhecida e admirada nos EUA e Grã-Bretanha. No momento prepara biografia de Susan Sontag.

 

Velázquez

José Ortega y Gasset, Tradução e organização de Célia Euvaldo, WMF Martins Fontes, 216 páginas

Reunião dos principais ensaios do filósofo sobre o pintor Velázquez (1599-1660), parte deles tirada de Papeles sobre Velázquez y Goya (1950). Há também a transcrição de uma aula ministrada em 1947, além de reproduções de alguns quadros, como Las Meninas e o retrato de Inocêncio X.

TRECHO 

“Até Velázquez, a pintura queria fugir do temporal e simular na tela um mundo alheio e imune ao tempo, fauna de eternidade. Nosso pintor tenta o contrário: pinta o próprio tempo, que é o instante, que é o ser enquanto condenado a deixar de ser, a transcorrer-se a corromper-se.”

AUTOR

O espanhol Ortega y Gasset (1883-1955) foi um dos grandes pensadores do século XX. Filósofo, foi também educador, político e editor.


O Direito à Preguiça

Paul Lafargue, Tradução, apresentação e notas de Alain François, Edipro, 96 páginas

Escrito na prisão e publicado em 1855, esse manifesto bastante irreverente, mas não menos procedente, exalta a importância do ócio e do prazer em contraposição à febre do trabalho, “contraída” depois da Revolução Industrial e disseminada pelos donos do capital.

TRECHO

 “(…) quando Villermé visitou a Alsácia, o minotauro moderno, a oficina capitalista, já havia conquistado a região; na sua bulimia de trabalho humano tinha arrancado os operários de seus lares para melhor espremê-los e extrair o trabalho que continham.”

AUTOR

Casado com Laura, filha de Marx, Lafargue (1845-1911) foi um importante difusor das ideias do sogro e também um militante socialista de peso, tendo fundado o pioneiro Partido Operário.


O Conto Zero e Outras Histórias

Sérgio Sant’Anna, Companhia das Letras, 174 páginas

Todo novo livro de contos de Sérgio Sant’Anna é algo a celebrar, e aqui ele não decepciona. Trabalho mais pessoal, combina memória e ficção para tratar do amor, da solidão, do ofício de escrever e também de momentos singulares, como o primeiro cigarro ou a residência artística nos EUA.

TRECHO

 “Não seria propriamente um conto, ficaria dias e mais dias rondando a sua cabeça, você não escrevia uma única frase, uma palavra que fosse, pois ela o comprometeria com um seguimento, um desfecho, e o que você queria era uma prosa solta, que não precisasse ser escrita e concluída”

AUTOR

 Um dos grandes da literatura contemporânea brasileira, recebeu quatro vezes o prêmio Jabuti e outros prêmios, e teve textos adaptados para o cinema.

Os Farsantes

Graham Greene, Tradução de Ana Maria Capovilla, Biblioteca Azul, 360 páginas

Décimo romance do autor britânico, relata, numa combinação de fatos reais e ficção, o encontro de personagens conflitantes no Haiti do tirano Papa Doc. O narrador é dono de um hotel decadente. Belas mulheres, vigaristas, idealistas e os sangrentos tonton macoutes completam o elenco.

TRECHO

“Tinha cortado os pulsos e depois a garganta, para ter certeza. (…) Não devia estar morto havia mais que alguns minutos. Meus primeiros pensamentos foram egoístas: eu não poderia ser culpado por um homem se matar em minha piscina.”

AUTOR

 Greene (1904-1991) dividia seus romances entre “sérios” e “de entretenimento”. Os Farsantes, assim como O Americano Tranquilo (lançado pela mesma editora), está no primeiro caso.

Censores em Ação

Robert Darnton, Tradução de Rubens Figueiredo, Companhia das Letras, 376 páginas

Estudo sobre a censura, dividido em três casos: a França dos Bourbon, a Índia durante a ocupação inglesa e a Alemanha Oriental comunista. Em comum, a erudição dos censores e o controle do Estado sobre a produção intelectual e a expressão literária em particular.

TRECHO

“Levei certo tempo para formar uma imagem clara da organização da burocracia (…) A ficção na Alemanha Oriental era a porta número 215, quarenta porta adiante, 
seguindo por um corredor mostarda que parecia não ter fim enquanto fazia curvas e contornava um pátio.”

AUTOR

 Professor e diretor da biblioteca em Harvard, Darnton é autor de O Grande Massacre dos Gatos, O Beijo de Lamourette e, entre outros, O Diabo na Água Benta.

Conversando com Varejeiras Azuis

Edward Lear, Tradução de Dirce Waltrick do Amarante, Iluminuras, 128 páginas

Quatro crianças viajam pelo mundo num barco com uma gatinha, o estranho Manha-Artimanha e uma enorme chaleira, que serve de cozinha e dormitório. Receitas absurdas, plantas inimagináveis, um poema indiano e uma série de limericks completam esse livro nada “escruvioso”.

TRECHO

“Durante o dia, Violeta se ocupava, sobretudo, em colocar água salgada num latão; enquanto seus três irmãos a mexiam violentamente, na esperança de que 
ela se transformasse em manteiga, o que raramente, se não nunca, acontecia.”

AUTOR Precursor de Lewis Carroll na literatura nonsense, Lear (1812-1888) começou como desenhista e pintor. Viajou muito por conta de doenças respiratórias e produziu vários livros de poemas curtos e de viagens.

 

 

 

A Educação do Olhar e a Leitura de Imagens

Por
Christian Dunker
-

[Elaborados pelo Professor titular em Psicanálise e Psicopatologia Clínica do Instituto de Psicologia da USP, Christian Dunker, este é o primeiro texto de uma serie de 7(sete) que publicaremos, a partir da segunda feira 10 de Setembro, semanalmente.

Resumo 

Pretendo mostrar como as práticas de mediação convidam ao encontro com a obra como experiência de leitura reconstrutiva. Este processo pode ser entendido como experiência ética de reconhecimento, envolvendo forma estética e contradição social. A função ética do discurso, concentrada na noção de letra determina modos de relação com a obra que são também modelos de relação intersubjetiva com o outro. Apresento este tema a partir de sete desafios éticos para os museus contemporâneo

1 Curadoria como Escuta de Sistemas Simbólicos em Conflito

 

Cheguei a esta discussão sobre museus e artes visuais em função de minhas pesquisas sobre a origem dos fazeres que constituíram historicamente a psicanálise. A versão oficial é que nossa prática tinha sido uma derivação do método clínico da medicina, nascido em fins do século XVIII. Freud teria subvertido este método ao deslocar seu centro do olhar para a escuta, da fala do médico para a associação livre do paciente. Mas além de uma clínica a psicanálise é também uma terapêutica, ou seja, uma espécie de técnica ou de arte para reduzir o sofrimento psíquico. Mas o que realmente me surpreendeu foi descobrir que além de uma clínica e de uma terapêutica a psicanálise era também uma espécie de cura.

Cura não é nem um conceito primitivamente médico nem religioso, mas filosófico.

Cura (epimeléia heateau), para os gregos, ou cura sui, para os latinos, é uma experiência transformativa, geralmente envolvendo o diálogo entre um mestre, cujo protótipo é Sócrates e um discípulo, cujo exemplo clássico é Alcebíades. A cura é um trajeto ético, no qual se analisa a posição do sujeito diante do outro e do mundo, mas principalmente a posição de poder de alguém tematizada desde o início, pela demanda a um mestre, suposto saber bem governar. Examinar seus próprios sonhos, meditar sobre seus medos fundamentais, examinar a origem e a função das ideias que nos assediam, analisar nossos laços de amizade ou de inimizade, adquirir algum domínio erótico sob si, escrever sobre a unidade de nossa vida, ponderar sobre a inclinação para certos afetos, como o ódio e a emulação, são exemplos de práticas que compunham o cuidado de si. Característico da experiência ética da cura é o exame prudente (sophrosine) de como a enunciação da verdade sobre nosso próprio desejo, por meio da fala franca (parhesia), ou sobre nosso próprio destino, no caso da tragédia, transforma aquele que a enuncia.

Curar é cuidar da experiência ao longo do tempo, manter o processo, sustentar uma política para o desejo dos envolvidos, não é voltar ao estado de harmonia e remover os sintomas, normalizando a pessoa.

Este novo e antigo sentido para a experiência da cura aproximou-se imediatamente de uma prática museológica importante que é a curadoria. As mudanças relativamente recentes no âmbito do sistema das artes, notadamente associadas com uma mudança do lugar social do museu questionam o papel tradicional do curador. Este papel combina o sentido jurídico, daquele que trata dos bens ou negócios daqueles que se encontram incapacitados, quanto o sentido artístico que cuida ou supervisiona  montagem de uma exposição, selecionando peças e ordenando o roteiro e a execução de um espaço de arte.

Combinando as coisas podemos dizer que o curador tem uma função dupla: ele tutela, administra e educa, mas também cuida, ampara e escuta. Cuidar e educar não são portanto práticas idênticas, e a diferença reside principalmente na posição de poder envolvida. Mas do que o curador cuida?

 

  1. Das obras, que ele pesquisa escolhe e conserva

  2. Do diálogo entre artistas e público,

  3. Do patrimônio de um país ou de uma fundação,

  4. Da diversidade cultural,

  5. Da relação entre a coisa pública e os interesses privados

  6. Das pessoas que se enriquecem com o acesso aos bens simbólico

Ora, se retemos o sentido antigo da noção de cura, o que o curador faz é cuidar do processo e das relações nele envolvidas, daí a sua função ser sintetizada pela noção de mediação. Mas aqui podemos situar a mudança particular ocorrida na museologia contemporânea. Ela não se orienta mais para a eleição de um cânone, com o qual o público manterá uma posição vertical de submissão e até reverência. A nova curadoria reconhece que os sistemas simbólicos dos quais ela cuida estão em conflito e que, o ato de cura envolve uma tomada de posição neste universo de conflitos. Um ato cuja característica primeira é determinar qual é o conflito e em qual linguagem, ou em qual forma estética, ele será posto.

Pela noção de “posto” (stellen) devemos entender, sobretudo, o gesto de trazer e inscrever uma obra no espaço público. Este é o ato museológico fundamental: tornar público, tornar lembrável, tornar de interesse público, uma determinada objetalidade ou eventualidade. Para tanto é preciso antes de tudo escutar o conflito e ser afetado por ele.

Ora, se retemos o sentido antigo da noção de cura, o que o curador faz é cuidar do processo e das relações nele envolvidas, daí a sua função ser sintetizada pela noção de mediação. Mas aqui podemos situar a mudança particular ocorrida na museologia contemporânea. Ela não se orienta mais para a eleição de um cânone, com o qual o público manterá uma posição vertical de submissão e até reverência. A nova curadoria reconhece que os sistemas simbólicos dos quais ela cuida estão em conflito e que, o ato de cura envolve uma tomada de posição neste universo de conflitos. Um ato cuja característica primeira é determinar qual é o conflito e em qual linguagem, ou em qual forma estética, ele será posto.

Por exemplo, na 33 Bienal de São Paulo, as obras de Vânia Mignone e Lucia Nogueira, são igualmente acolhidas. A primeira trabalha com frases e mensagens bem delineadas sobre a paradoxalidade da experiência, tais como “Você podia ter me dito uma mentira” ou, a legenda “seus limites”, recobrindo alguém que estende uma corda de equilibrista entre duas frágeis escadas. A segunda compõe-se de traços verticais de coloração viva ou de figuras estreliformes flutuantes, suscitando certa ingenuidade representativa. Duas obras que aparentemente pertencem a séries simbólicas distintas, apesar de serem autores contemporâneos entre si, são postas (ex-postas) em um mesmo espaço comum.

Este e o sentido primeiro da noção de mediação.

 

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