Estado: São Paulo

O Memorial da Resistência de São Paulo, museu da Secretaria de Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo, apresenta a exposição Mulheres em Luta! Arquivos de Memória Política, com curadoria de Ana Pato. A mostra tem como fio condutor o acervo de história oral do Memorial da Resistência que compõe o programa Coleta Regular de Testemunhos, com depoimentos de mulheres que vivenciaram a violência de Estado no período da Ditadura Civil-Militar (1964-1985) e na Democracia.

Olhar para o período da Ditadura Civil-Militar sob a perspectiva de gênero é a linha que tece esta exposição, e através dos testemunhos, abordamos as lutas coletivas de mulheres por Memória, Verdade e Justiça e por direitos fundamentais. Pelo que lutam? Como lutam? Quais são suas histórias?

Luta por Memória, Verdade e Justiça

Começamos com um convite à escuta de testemunhos da Coleção Memórias da Ditadura Civil-Militar, na instalação partitura da escuta (2023), de Bianca Turner. As narrativas dessas mulheres nos levam a percorrer outros arquivos, como o de Inês Etienne Romeu, única sobrevivente do centro clandestino de tortura conhecido como Casa da Morte, em Petrópolis/RJ.

Sua coragem para enfrentar o aparato repressivo da Ditadura motivou uma campanha internacional por liberdade, da qual o filme Inês (1974), de Delphine Seyrig, é um importante documento histórico. São também as denúncias de Inês que nos aproximam da história da desaparecida política Heleny Guariba. Sua memória é apresentada nos cenários do filme Cadê Heleny? (2022), de Esther Vital, bordados em arpilleras por mulheres, a partir de oficinas realizadas no museu.

O imaginário de luta da pensadora negra, militante e poeta Beatriz Nascimento está presente em três poemas escritos nos anos 1980 e que trazem um retrato urgente e contemporâneo das formas de resistir contra a violência, a impunidade e o racismo.

As marcas profundas da ditadura entrelaçam o passado e o presente, como mostra a série Do luto à luta (2023) dirigida por Val Gomes. Os vídeos reúnem testemunhos da Coleção Memórias da Violência na Democracia com integrantes dos coletivos Mães de Maio da Leste, Movimento de Familiares de Vítimas do Massacre de Paraisópolis e Mães de Osasco/Barueri.

Luta por Direitos

A partir de meados dos anos 1970, a militância das mulheres por direitos ganhou força. Demandas por saúde, educação e moradia digna, presentes nas reuniões dos Clubes de Mães da Zona Sul, encontraram as pautas feministas da União de Mulheres de São Paulo. Hoje, continuam a inspirar projetos como as Promotoras Legais Populares.

O registro visual das lutas populares é central para a construção da memória política do país, como revela o acervo fotográfico de Nair Benedicto. Exibir imagens das oficinas Conhecendo o Corpo Feminino (1984) no edifício que foi sede do Deops/SP, onde muitas das mulheres aqui presentes foram torturadas, é um gesto de liberdade.

Conquistas na luta por direitos são frutos da dedicação de vidas inteiras, como a de Laudelina de Campos Mello em defesa das trabalhadoras domésticas, e de organizações como o IN.FORMAR, criado para apoiar e documentar movimentos sociais.

A história oral, os encontros em círculos e as rodas de conversa nos conectam com a Escola de testemunhos, do Grupo Contrafilé, e com os percursos de memória mediados pelo Acervo Bajubá, em torno das ações do coletivo Mulheres da Luz e das experiências das comunidades LGBT+ em defesa de suas identidades e sexualidades.

Das histórias de vida fraturadas pela dor às redes de afeto construídas na resistência, esta exposição é um ato de memória à força política das mulheres.

Serviço
Exposição | Mulheres em Luta! Arquivos de Memória Política
De 7 de outubro de 2023 a 27 de julho de 2024
De quarta a segunda (fechado às terças), das 10h às 18h

Serviço
Exposição | FUNK: Um grito de ousadia e liberdade
De 29 de setembro a 25 de agosto
De quinta-feira a domingo, das 11h às 18h (última entrada às 17h)

Concebida e montada pela Universcience | Cité des Sciences et de l’Industrie em colaboração com o Museu Nacional de História Natural da França, a exposição “Darwin, o Original” oferece a chance de nos reconectarmos ao pensamento – muitas vezes mal interpretado – de Charles Darwin; é uma viagem fascinante às noções que sustentam sua teoria de evolução e às inovadoras abordagens do mundo natural pelo cientista.

Seguindo um percurso interativo, com apresentações envolventes, o visitante conhece a vida desse homem lendário, mostrando como se desenvolveu seu pensamento e como se estruturou sua obra magistral e revolucionária. A exposição também discute o contexto histórico em que Darwin viveu e trabalhou: o momento em que a ciência começa a se libertar da religião e como suas ideias foram recebidas naquela sociedade. Finalmente, lança luz sobre os avanços das ciências da evolução, na linha do tempo traçada a partir dos estudos e conclusões de Darwin.

Serviço
Exposição | Darwin, O Original
De 16 de março a 11 de agosto
Terça a sexta, das 10h30 às 21h, sábado e domingo das 10h30 às 18h

O MASP — Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta, de 22 de março a 28 de julho de 2024, Francis Bacon: a beleza da carne, que ocupa o espaço expositivo no 1o andar do museu. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, Laura Cosendey, curadora assistente, MASP, e assistência de Isabela Ferreira Loures, assistente curatorial, MASP, a exposição pretende evidenciar como o artista, com sua pintura inovadora e impactante, abriu caminhos para a presença queer na cultura visual.

Cobrindo mais de quatro décadas de trabalho do britânico, a mostra, com patrocínio master do Nubank e patrocínio da Vivo, reúne mais de vinte obras de Bacon, desde as décadas iniciais de sua produção até os anos 1980, e é acompanhada de um catálogo com ensaios inéditos. As obras provêm de empréstimos de museus como Tate (Inglaterra), MoMA (Nova York), Metropolitan Museum (Nova York), Museum Boijmans van Beuningen (Países Baixos), Museu Tamayo (México), Fondation Beyeler (Suíça), Stedelijk Museum (Países Baixos), entre inúmeras outras instituições de renome internacional e coleções particulares.

Francis Bacon (Dublin, Irlanda, 1909—1992, Madrid, Espanha) é considerado um dos mais importantes pintores da arte do século 20, com mais de seis décadas de produção. Filho de pais ingleses, teve uma infância difícil, em um ambiente familiar violento. Aos dezesseis anos, foi expulso de casa por seu pai e, após passar um período em Berlim e em Paris, fixou-se em Londres a partir dos anos 1930, onde iniciaria sua carreira como artista. Bacon construiu uma obra contundente e marcante, tornando-se um nome fundamental para a renovação da pintura figurativa.

O artista voltou-se especialmente para as figuras masculinas, seu objeto de desejo, em retratos e nus. A exposição apresenta retratos de homens com quem ele teve relacionamentos marcantes, como Peter Lacy (1916-1962) e George Dyer (1934-1971), além de outras figuras importantes em sua vida, como seu companheiro próximo John Edwards.

O título da mostra, A beleza da carne, faz referência a um relato do artista em uma das entrevistas conduzidas pelo crítico de arte e importante interlocutor ao longo de sua carreira, David Sylvester. Bacon conta que, ao se deparar com a vitrine de um açougue, refletiu: “[…] enquanto pintor, devemos lembrar que há essa grande beleza na cor da carne. […] Nós, obviamente, somos carne, somos carcaças em potencial. Quando vou a um açougue, sempre penso que é surpreendente que eu não esteja lá no lugar do animal”.

A fisicalidade do corpo é traduzida pelo artista em texturas espessas e oleosas, conferindo às figuras formas quase abstratas. As pinturas de Bacon reúnem em si uma grande variedade de fontes iconográficas, revisitando temas canônicos e combinando referências da história da arte com suas experiências pessoais e percepções sobre o corpo masculino.

“Seja em suas obras iniciais, que muitas vezes transgrediam símbolos da cristandade, ou naquelas que retratavam nus masculinos, a fisicalidade do corpo também é matéria central de sua obra”, analisa a curadora Laura Cosendey. “Essa simbologia da carne por Bacon condensa em si extremos: o espiritual e o animal, o frescor e a putrefação. Ela é a própria materialidade de nossa existência ‘em carne e osso’, mas também é ícone do desejo carnal, do instinto natural do corpo”, finaliza.

A produção de Bacon acompanha as mudanças significativas da experiência queer no contexto social britânico, visto que a prática de atos sexuais entre pessoas do mesmo gênero só foi descriminalizada na Inglaterra em 1967, após a promulgação do Sexual Offenses Act. Tais transformações trouxeram desdobramentos significativos para a obra do artista. Ainda nos anos 1950, Bacon produziu Two Figures [Duas figuras] (1953) e Two Figures in the Grass [Duas figuras na grama] (1954), obras que marcam um ponto de inflexão em seu trabalho. Em ambas, dois corpos masculinos em cena se entrelaçam e transbordam as fronteiras do corpo. Essas duplas de figuras, às quais o artista se referia como couplings [acasalamentos], poderiam ser confundidas com imagens de lutadores fundindo-se num embate corpo a corpo, ampliando a ambiguidade das imagens queer apresentadas por Bacon.

Se inicialmente sua produção foi marcada por uma certa ambiguidade entre o desejo e a violência, em especial nos anos 1950, a presença do erótico e de relações homoafetivas foi pouco a pouco se tornando mais evidente. A obra Man at a Washbasin [Homem em um lavatório] (circa 1954) também aponta para um vínculo de intimidade a partir de um gesto corriqueiro: uma figura humana arqueada que se debruça sobre a pia. A pintura sugere esse vínculo ao retratar um momento de privacidade no trato com o corpo.

Nos anos subsequentes, Bacon passa a trabalhar com espessas massas de tinta para caracterizar suas pinturas. A visceralidade com a qual o artista retratava esses corpos irrompe na superfície da pele, excedendo seus limites, como se pintasse o avesso da carne. Pinturas como Two Figures with a Monkey (1972), que também apresenta um de seus couplings, evidenciam esses acasalamentos. “Aqui, a carnalidade é posta em sua matéria literal, em primeiro plano, mas também transparece na voracidade dos corpos em ação, pondo em cena o embate entre suas figuras entrelaçadas. O ato sexual volta a mostrar-se protagonista”, explica Cosendey.

Em algumas entrevistas concedidas por Bacon ao longo de sua carreira, o artista comentou como sua vida emocional afetava profundamente sua produção. Sua obra foi impactada por dois relacionamentos turbulentos que marcaram sua vida: Peter Lacy, seu parceiro ao longo dos anos 1950, e George Dyer, que conheceu pouco tempo após a morte de Lacy e tornou-se sua grande inspiração durante os quase dez anos que passaram juntos.

Os homens que o artista amou permaneceram como presenças espectrais em suas pinturas, perdurando mesmo após o fim dos relacionamentos. A obra Study for Three Heads [Estudo de três cabeças] (1962), por exemplo, um de seus primeiros trípticos de menor escala, combina um retrato de Lacy ao seu autorretrato. Após a trágica morte de Dyer na antevéspera da abertura de uma exposição individual de Bacon em Paris, em 1971, o artista também pintou importantes trípticos dedicados a ele.

Para Laura Cosendey, a vida pessoal do artista marcou significativamente a produção e a compreensão de suas obras: “a soma da intimidade do artista com a gestualidade expressiva de suas pinceladas é o que dá potência à obra de Bacon, que ainda hoje nos tira o fôlego. Suas imagens nos trazem o vigor da vida, mas também a iminência da morte – essa ambivalência da beleza da carne que, por décadas, impactou os olhos do pintor”.

Francis Bacon: a beleza da carne integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias da diversidade LGBTQIA+. Este ano a programação também inclui mostras de Gran Fury, Mário de Andrade, MASP Renner, Lia D Castro, Catherine Opie, Leonilson, Serigrafistas Queer e a grande coletiva Histórias da diversidade LGBTQIA+.

Serviço
Exposição | Francis Bacon: a beleza da carne
De 22 de março a 28 de julho
Terças grátis, das 10h às 20h (entrada até as 19h); quarta a domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h); fechado às segundas

Serviço
Exposição | Quase Circo – Carmela Gross
De 27 de março a 25 de agosto
Terça a sábado, das 10h às 21h. Domingos e feriados, das 10h às 18h.

Serviço
Exposição | Emmanuel Nassar: Lataria Espacial
De 02 de abril a 01 de setembro
Terça a domingo, das 10h às 18h (com a última entrada às 17h30)

Serviço
Exposição | Sol Fulgurante: arquivos de vida e resistência
De 06 abril a 18 agosto
De quarta a segunda, das 10h às 18h

Serviço
Exposição | Novo Poder: passabilidade
De 19 de abril a 29 de setembro
Terça a Sexta – Das 10h às 21h30, sábado – Das 10h às 19h30 e domingo – Das 10h às 18h30

Serviço
Exposição | Um Defeito de Cor
De 25 de abril a 01 de dezembro
Terça a sábado das 10h30 às 21h | domingos e feriados das 10h30 às 18h

O SESI São José dos Campos apresenta a exposição J. Borges – O Mestre da Xilogravura, até o dia 30 de setembro, com visitação gratuita. O imaginário popular do Nordeste está presente em símbolos e figuras talhadas pelo artista, que completa 88 anos em dezembro.

Com curadoria de Ângelo Filizola, a exposição traz uma coletânea de 44 xilogravuras, sendo oito delas até então inéditas (com suas respectivas matrizes), junto às 28 obras mais importantes da carreira de J. Borges. Os temas retratados simbolizam a trajetória de vida do artista, considerado pelo dramaturgo Ariano Suassuna como o “melhor gravador popular do Brasil”.

Os visitantes podem apreciar obras de diversas fases de sua história, identificadas pelos temas:  Viagem a Trabalho e Negócios, Serviços do Campo, Plantio de Algodão, Forró Nordestino, Plantio de Cana, Feira de Caruaru, Carnaval em Pernambuco e Festa dos Apaixonados. A poesia popular também tem lugar na exposição: um espaço dedicado especialmente à literatura de cordel. Cordelista há mais de 50 anos, os versos de J. Borges tratam do cotidiano do agreste, de acontecimentos políticos, de fatos lendários, de folclóricos e pitorescos da vida.

“Estou muito felizl com essa exposição sobre meu trabalho na xilogravura. E eu ainda quero viver bastante, e o que me inspira é a vida, é a continuação, é o movimento. Minha obra é aquilo que eu vejo, aquilo que eu sinto”, comenta J. Borges, que é patrimônio Vivo de Pernambuco, título concedido pelo Estado. Borges já expôs na França, Alemanha, Suíça, Itália, EUA, Venezuela e Cuba, deu aulas na França e nos EUA, ilustrou livros em vários países e foi destaque no The New York Times.

A exposição J. Borges – O Mestre da Xilogravura traz ainda duas obras assinadas por Pablo Borges e Bacaro Borges, filhos e aprendizes do artista, além da exibição de uma cinebiografia sobre vida e obra de Borges, assinada pelo jornalista Eduardo Homem.

J. Borges desenha direto na madeira, equilibrando cheios e vazios com maestria, sem a produção de esboços, estudos ou rascunhos. O título é o mote para criar o desenho, onde as narrativas próprias do cordel têm espaço na expressiva imagem da gravura. O fundo da matriz é talhado ao redor da figura que recebe aplicação de tinta, tendo como resultado um fundo branco e a imagem impressa em cor. As xilogravuras não apresentam uma preocupação rigorosa com perspectiva ou proporção.

A originalidade, irreverência e personagens imaginários são notáveis nas suas obras. Os temas mais recorrentes em seu repertório são o cotidiano da vida simples do campo, o cangaço, o amor, os castigos do céu, os mistérios, os milagres, crimes e corrupção, os folguedos, a religiosidade, a picardia, enfim todo o rico universo cultural do povo nordestino.

A Gerente de Cultura do Sesi-SP, Debora Viana, reforça a importância desta exposição integrar o circuito das mostras itinerantes nos Espaços Galerias. “Com a iniciativa, que começou em Campinas, reforçamos o compromisso que a instituição possui de fomentar o cenário cultural e artístico por meio do acesso do público a obras, ao processo criativo de artistas nacionais e internacionais, à reflexão e à experimentação. Para o Sesi-SP, é de extrema importância a formação de novos públicos em artes, a difusão e o acesso à cultura de forma gratuita. É por isso que desenvolvemos e realizamos projetos das mais diversas áreas e convidamos o público a entrar de cabeça no universo do conhecimento e da arte”.

Com produção e idealização da Cactus Promoções e Produções, a exposição J. Borges – O Mestre da Xilogravura já foi apresentada no Centro Cultural FIESP e nas unidades do SESI em Campinas, São José do Rio Preto e Itapetininga.

Serviço
Exposição | J. Borges – O Mestre da Xilogravura
De 26 de abril a 30 de setembro
Quarta a domingo, das 10h às 20h

A exposição fotográfica inédita “Cartunistas” reúne os maiores cartunistas do Brasil retratados por Paulo Vitale e com curadoria de Eder Chiodetto.  A mostra, que foi aberta ao público no dia 26 de abril, será realizada até 29 de setembro de 2024, de quarta a sexta-feira, das 14h às 19h; sábado e domingo, das 10h às 19h, com visitação gratuita.

A exposição é um projeto composto por retratos de 120 desenhistas da área do humor gráfico, retratados pelo fotógrafo Paulo Vitale em que cada foto pode ser considerada um cartum, refletindo características e estilo dos retratados. Só assim para traduzir em retratos o humor que esses desenhistas produzem no cérebro das pessoas com temas políticos, sociais e sobre a própria existência humana. Dentre os retratados, estão Mauricio de Sousa; Ziraldo; Paulo Caruso; Jaguar; Angeli; Laerte; entre outros.

Ao olhar o ensaio como um todo, a curadoria de Eder Chiodetto adotou o caminho de equacionar o espaço expositivo proposto para que ele pudesse receber a totalidade dos retratos realizados pelo fotógrafo. Como a grande maioria dos (as) cartunistas olhava diretamente para a lente do fotógrafo, agora na exposição o fotógrafo desaparece e cada retratado estará olhando nos olhos de cada espectador, criando uma conexão mais enfática entre público e cartunistas.

Paulo Vitale é fotógrafo, diretor de cena e autor. Cursou História, na Universidade de São Paulo (USP) e fotografia no International Center of Photography, de Nova York. Percorreu mais de 50 países fazendo trabalhos editoriais, publicitários e autorais. Tem mais de 100 capas publicadas nas principais revistas brasileiras. Foi fotógrafo e editor de fotografia do Jornal O Estado de S. Paulo. Editor de fotografia das revistas VEJA e ÉPOCA, e correspondente da Agência Estado, em Nova York. Paulo, e já retratou grandes personalidades, como Nelson Mandela, Oscar Niemeyer, Caetano Veloso, Mark Zuckerberg e Pelé.

Eder Chiodetto é curador de fotografia independente, autor, publisher da editora de fotolivros Fotô Editorial e diretor do centro de estudos Ateliê Fotô. Foi curador de fotografia do MAM-SP, entre 2005 e 2021, e mentor do programa Arte na Fotografia, no canal Arte1. Como curador já realizou mais de 120 exposições no Brasil, Europa, EUA e Japão.

A exposição ‘Cartunistas’ faz parte do projeto Espaço Galeria SESI-SP, no qual o foyer do teatro se transforma em plataforma expositiva, recebendo exposições de diferentes técnicas e formatos. Criada em 2013, a iniciativa oferece exposições de artes visuais especialmente desenvolvidas para os centros de atividades do SESI-SP, propiciando a circulação de obras originais com embasamento curatorial e expografias específicas.

Serviço
Exposição | Cartunistas
De 26 de abril a 29 de setembro
Quarta a sexta-feira, das 14h às 19h; sábado e domingo, das 10h às 19h

Entre as tantas reinvenções da modernidade, está o fato de termos gradativamente mudado o lugar e o estado das relações sociais. Se na Idade Média o objetivo era perdurar e estabelecer laços fixos e imutáveis, nos tempos atuais o deslocamento e a maleabilidade são chave para a compreensão de um mundo novo e flexível. A teoria acima, descrita pelo filósofo polonês Zygmunt Bauman (1925-2017), evoluiu pelos meandros da mente humana e trouxe reflexões, também, a partir das consequências dessa fluidez que, entre outros aspectos, nos leva a deslocamentos que, muitas vezes, causam a sensação equivocada de que estamos fora de encaixe, talvez no lugar errado, tarde ou cedo demais no contexto histórico no qual estamos todos inevitavelmente inseridos. É sobre esse caminho móvel e diverso que trata Deslocamentos, exposição da artista carioca Frida Baranek na Galeria Raquel Arnaud.

A própria trajetória de Baranek evidencia esse pensamento. Desde cedo, a artista transita pelo mundo, habitando diversos países e adaptando-se de forma versátil ao seu entorno – de São Paulo a Lisboa, passando por Berlim, Londres, Nova York e Paris. Observadora nata do que a rodeia, Baranek apropria-se disso através de materiais que vai coletando pelo caminho. Concentra grande parte de sua pesquisa na materialidade do mundo e, a partir dela, propõe novos formatos: descaracterizando-a em alguns processos e, em outros, reforçando sua potência. A fluidez com que transita com seu corpo pelo espaço físico aparece na polpa e na água que compõem os papéis, fio condutor que orienta o espectador na atual mostra.

Essa camada de celulose, que nas mãos da artista ganha diversas formas e texturas, faz parte de sua trajetória desde os anos 1990, quando, durante um projeto realizado na Alemanha, foi desafiada a criar uma série de trabalhos a partir dessa matéria. Desde o primeiro momento, a mistura fluida ganhou corpo em massas físicas que evidenciavam o processo criativo de Baranek – mesmo no formato bidimensional, a artista trabalha de forma intuitiva e escultórica. Experimentar e transformar materiais são mecanismos naturais de Baranek, que transita com destreza entre os diversos suportes artísticos, desde suas reconhecíveis esculturas em larga escala até a mobilidade contida em um pigmento adicionado ao papel.

Com o tempo e a intimidade adquirida com a matéria-prima, a artista passou a produzir artesanalmente sua própria mistura de polpa e água, experimentando, dessa forma, relevos e gramaturas, e adicionando materiais possíveis na composição de suas séries, como fios de seda, pó de ferro e arames. Em certo ponto, apropriou-se da técnica collagraph, na qual as gravuras são impressas através de chapas plásticas, mais maleáveis e que permitem um grau elevado de experimentação e interferência.

Se, antes, tais deslocamentos levavam a artista a criar majoritariamente corpos labirínticos, hoje Baranek provoca reflexões sobre a impermanência ao trabalhar as camadas feitas em formas mais simples e geométricas. O desencaixe e a fluência da vida moderna e contemporânea, dos quais falava Bauman em suas teorias, reaparecem de forma subjetiva nas duas esculturas presentes no espaço – e que levam o nome desta exposição. Feitas em madeira – matéria-prima da celulose – e acrílico, as obras norteiam o pensamento e o trabalho atual de Baranek, que desfruta do desembaraço da matéria para apresentar suas novas sobreposições. Com a ilusão de que podemos encaixar tais formas geométricas que ali se apresentam de maneira aparentemente descomplicada, somos envolvidos pelas camadas propostas por ela e, assim, nos deslocamos na sutileza das possibilidades.

Serviço
Exposição | Deslocamentos
De 8 de maio a 10 de agosto
Segunda à sexta das 11:00 às 19:00, sábado das 11:00 às 15:00

Serviço
Exposição | Sonhar a água — Uma retrospectiva do futuro (1964…)
De 18 de maio a 15 de setembro
De quarta a segunda, das 10h às 18h

Marli Matsumoto Arte Contemporânea tem o prazer de anunciar a abertura da individual da artista Mayana Redin na galeria, em colaboração com a GDA, no dia 25 de maio, sábado, com a apresentação e texto crítico de José Augusto Ribeiro.

A exposição reúne cerca de dez obras recentes da artista, incluindo desenhos materiais, esculturas e um vídeo inédito.

Os trabalhos de Mayana Redin giram em torno de imaginários cosmogônicos, técnicos e artefatuais da humanidade. Sua produção utiliza-se principalmente da linguagem tridimensional e do diálogo entre imagem e escultura para construir cenas, instalações e objetos. Nos últimos anos, Redin vem pesquisando a relação entre imaginação cósmica em sua orientação materialista com o espaço. Tem experimentado o uso de solda, queimas, metais, borracha, argilas e cerâmica em suas obras, interessando-se pelo repertório técnico e de manufaturas.

Serviço
Exposição | Nenhum Mistério
De 25 de maio a 27 de julho
Segunda a sexta, das 11h às 19h. Sábados das 12h às 17h

Para celebrar vinte anos de carreira da artista Cristina Suzuki a Diáspora Galeria inaugura a exposição “Crtl+C_Crtl+V”.

Esta individual histórica tem a curadoria de Carolline Akemy Miyashita e Priscila Arantes e promete envolver o público e faze-lo refletir com humor e sagacidade os lugares e possibilidades da arte contemporânea pelo olhar criativo da artista.

A prerrogativa de “copiar e colar” e ressignificar imagens, símbolos e conceitos traz a potência do usual e ordinário, ocupando os dois andares da galeria com investigações diversas sobre o que é arte e os limites tênues entre o que ao mesmo tempo se chancela em um espaço expositivo, mas também faz parte do cotidiano no qual se habita.

Será um prazer receber todes para celebrar a arte que se envereda na vida, com a inventividade e humor que apenas artistas como Cristina Suzuki conseguem propiciar.

Serviço
Exposição | Crtl+C_Crtl+V
De 25 de maio a 03 de agosto
Terça a sexta,  das 11h às 19h, sábado, das 11h às 16h

O Instituto Artium de Cultura inaugura a exposição Ponto de Osso, com mais de 30 trabalhos inéditos da artista plástica Marcia de Moraes, concebidos especificamente para a arquitetura do Palacete Stahl. A exposição, que ocupa tanto as salas quanto o jardim.

Os 30 desenhos que ocupam a área interna do espaço expositivo foram concebidos especialmente para esta montagem. Todos os trabalhos têm 2,80 de altura e, lado a lado, somam dez metros de comprimento, numa composição sequencial e políptica. “No caso dos desenhos desta exposição, escolhi ocupar os espaços delimitados por umas molduras douradas que fazem parte da arquitetura da casa, criando todos os desenhos especialmente para este lugar. É, portanto, um site specific. Comecei aos poucos, da esquerda para a direita ocupando a parede de 9 metros do meu ateliê, como se fosse um grande e único desenho, que no Artium, se desmembra e ocupa os espaços demarcados. Eu quero que o espectador perceba que os desenhos têm uma continuidade, que formam um corpo único”, detalha a artista Marcia de Moraes.

Além dos desenhos, a artista também concebeu uma instalação em madeira para ocupar uma sala inteira e esculturas em cerâmica para o jardim do palacete. O título da exposição, Ponto de Osso, nasce em referência a este universo da cerâmica, ao momento em que a argila seca e não é mais possível modelá-la. “Ela se torna um osso. Para mim, isso se relaciona totalmente com os desenhos, pois, diferente da pintura, o desenho não me deixa sobrepor cores, e nem consigo apagar o que pinto com lápis de cor, ou seja, o que é feito se torna seco como a argila, não há como arrumar aquilo que não se gosta, apenas improvisar e aceitar. E isso também pode ser encarado como uma metáfora da vida, pois há sempre situações que vivemos e que não podemos alterar, apenas lidar com as consequências. Os meus trabalhos são sempre muito auto referentes, são mesmo comentários acerca daquilo que vivo, que me circunda. Nesta exposição sinto que os trabalhos estão mais vorazes, parecem famintos pelo espectador, espero que o visitante se sinta abraçado ou engolido”, completa.

Serviço
Exposição | Em Mãos
De 26 de maio a 18 de agosto
Quarta a sexta de 12h às 18h, sábados e domingos: 10h às 18h.

A mostra individual do artista plástico Marcos Akasaki, “Equilíbrio Instável”, foi prorrogada até o dia 27 de julho. O conjunto de obras composto por esculturas, pinturas, desenhos, cerâmicas e outras técnicas contemporâneas ocupa o Espaço Cultural da FESPSP (Fundação Escola de Sociologia e Política de São Paulo), que foi reinaugurado no final do ano passado na Rua General Jardim, região Central de São Paulo. Além disso, no dia 13, ganha uma nova oportunidade de visitação guiada pelo artista e pelo curador durante o encontro “Chá Com Arte”.

O “Chá Com Arte” é um evento já tradicional entre os artistas contemporâneos da cidade promovido pela Comissão de Artes Plásticas do Bunkyo. Nesta edição especial, que será realizada na FESPSP, os participantes terão a oportunidade de uma visita à exposição guiada por Akasaki e o curador da mostra, o PhD Andrés I. M. Hernández. A participação é gratuita e o encontro acontece no dia 13 de julho (sábado), às 14h30. A exposição, também segue com entrada gratuita de segunda à sábado, das 10h às 19h.

“Cada uma das obras da exposição condensa micromundos sensoriais, que, além de evidenciar o potencial autoral de Akasaki, transbordam metáforas e subjetividades pelas cores e formas. Explodem submundos lúdicos costurados por frames cromáticos reverberantes; como moléculas de um universo onírico e propositivo onde o artista projeta fábulas associativas aos espectadores; poemas hilemórficos estruturados em suas cadências de formas, materiais e cores, nas suas espacialidades”, explica Hernández.

O artista consegue extrair da instabilidade de materiais densos como o ferro e a cerâmica uma delicadeza no equilíbrio a partir dos tensionamentos formais, conceituais e espaciais, que as obras projetam instaurados na sua concepção, construção e visibilidade que carregam. O “Equilíbrio Instável” está nos embates discursivos provocados pela construção das obras e seus movimentos que sugerem a reformulação e a assimilação de cada componente estrutural e material das obras a partir do encontro com o espectador.

Serviço
Exposição | Equilíbrio Instável
De 27 de maio a 27 de julho
Segunda a sábado, das 10h às 19h

Com curadoria do crítico e curador Adolfo Montejo Navas, a mostra Ars Sonora apresenta ao público uma faceta menos conhecida do multi-instrumentista Hermeto Pascoal – sua produção como artista visual. Em 2019, uma primeira montagem da exposição integra a 14ª Bienal de Curitiba e, agora, chega a São Paulo ampliada e em voo solo.

Músico autodidata em atividade desde a década de 1940, Hermeto Pascoal grava o seu primeiro disco, “Hermeto”, nos Estados Unidos, em 1971. Um ano antes emplaca duas composições suas no icônico “Live-Evil”, gravado ao vivo com Miles Davis. Em 1979 se apresenta no Festival de Jazz de Montreaux, na Suíça. Em sua longeva trajetória recebeu o Grammy Latino em 2019, na categoria “Melhor Álbum de Música de Raízes em Língua Portuguesa”. E em maio do ano passado foi nomeado doutor honorário da Juilliard School, de Nova York (EUA) – o título foi entregue pelo trompetista Wynton Marsalis.  

Em Ars Sonora – Hermeto Pascoal, o público pode conhecer sua criação no território das artes visuais. Pioneira, a mostra abrange diferentes linguagens, como desenhos, pinturas, objetos e proto-instrumentos musicais. A produção ultrapassa fronteiras disciplinares e, de modo ampliado, estabelece relações com a performance e as artes visuais.  

 A proposta da exposição Ars Sonora – Hermeto Pascoal é reconhecer sua produção para além dos já difundidos conceitos de Música Livre e Música Universal. Neles, o artista afirma a quebra das barreiras culturais, ultrapassando linguagens e suportes estabelecidos pela tradição. Nesse sentido, a mostra reúne objetos feitos dos mais diferentes materiais, deslocados do seu uso cotidiano e reconfigurados em seu sentido visual. Panos de prato, chaleiras, caixas de presente, sacolas, brinquedos, roupas e toalhas de mesa servem à ampliação musical transpostas para a apreciação visual, dando forma a um vasto arquivo sensorial e sonoro.     

Articulando sons e ruídos a partir da musicalidade coletada de animais e de objetos do dia a dia, o artista transforma usos e funções, construindo assim o seu alfabeto sonoro e visual próprio até chegar no glossário da sua linguagem, a “Hermetologia”.   

 “A obra ímpar e caleidoscópica de Hermeto Pascoal deve ser reconhecida de forma mais ampla, muito além das coordenadas estritamente musicais nas quais é mal confinada a maioria das vezes”, afirma o curador. “A compreensão  da obra de Hermeto Pascoal também como música visual  se baseia na consideração porosa de sua obra, uma arte sonora que ultrapassa seus eixos musicais para desenvolver uma potência sinergética de escritura musical e visual ao mesmo tempo, de visualidade sonora e gestual, que contamina todo tipo de instrumentos-objetos-suportes como novos espaços-registros de representação sonora (experimentações diversas com a natureza, a animália, a voz das pessoas, as performances corporais, os desenhos, os objetos-partituras, os álbuns sonoros, visuais, as trilhas imagéticas…). Tudo isso corresponde com uma terminologia afim à poesia visual, à pangrafia, e ao mesmo tempo ao happening, à performance, a outro olhar-ver-fazer que é simultâneo às percepções, à interação som/imagem, gesto/pensamento”, completa Navas.

O que encontrar em Ars Sonora – Hermeto Pascoal

Reunindo nove diferentes vertentes de sua criação, a mostra está configurada em um conjunto de núcleos em torno da poética artística elaborada por Hermeto Pascoal. Numa combinação relacional e interconectada, tem como ponto de partida a “Música da Aura”, na qual mostra experiências sonoras realizadas com o som da voz das pessoas e a sua natureza tonal.  

A seguir vêm as partituras-expansivas, os poemas-objetos e as obras em papel. É nesta seção que estão elementos retirados de seu fabrico industrial serializado e ora refeitos em música própria e pessoal, a partir das notações musicais sobrescritas, como se as partituras brotassem dos objetos.  

“Cosmossonia”, a seguir, traz como ponto de partida o som e trata-se, portanto, de uma ampla conversão de todo objeto e utensílio em instrumento musical. Na sequência, “Obras-Arquivo” apresenta o Calendário do Som, obra em que Hermeto Pascoal compôs, de 1996 a 1997, uma música para cada dia do ano. Publicada em livro em 2000, foi interpretado por diferentes artistas, como a “Orquestra Família de Itiberê Zwarg” e o músico João Pedro. Ao lado das partituras estão os desenhos de Hermeto Pascoal para a obra, além de anotações e comentários do autor.  

As “Pinturas Caligráficas” reúnem partituras feitas em guardanapos, convites, papeis de toda sorte, toalha de mesa, brinquedos, jogos americanos, cardápios de restaurantes e até em papel higiênico ou tampa de privada. Roupas e as paredes de locais públicos também servem de suportes às partituras. Na exposição, estão acompanhadas dos “Desenhos e Pinturas” do artista. Feitos com técnica mista, lápis de cor e caneta hidrográfica, são obras que apresentam numerosos elementos de cor e figurações livres em correspondência entre si.  

O segmento “Brincando de Corpo e Alma”, uma ação performática de 2012, exibe registro audiovisual de captações sonoro-visual do artista produzindo diferentes sons no próprio corpo. É exibido ao lado de outra produção em áudio e vídeo, a peça “Ato de Criação”, trilha-sonora de Hermeto Pascoal para o curta-metragem “Eu Vi o Mundo, e Ele Começava no Recife”, de Mário Carneiro, dedicado ao artista Cícero Dias. Por fim, “Animália” é uma instalação sonora na qual diferentes formas de vida e de viver são celebradas em sua sonoridade, tendo o registro do som de bichos reunidos como parceiros artísticos de Hermeto Pascoal.  

Para completar a exposição há a “Hermetologia”, glossário no qual se compila uma coleção de verbetes e citações sobre os mais diversos assuntos, com reflexões do próprio artista sobre música, som, arte, cultura, matéria e espírito. 

Serviço
Exposição | Ars Sonora
De 29 de maio a 03 de novembro
Terça a sexta, das 9h às 20h, sábado, das 10h às 20h, domingo e feriado, das 10h às 18h

As galerias Martins&Montero e Nara Roesler têm o prazer de convidar para a abertura, no dia 8 de junho de 2024, das 11h às 15h, da exposição panorâmica “A imaterialidade em tudo”,com 31 obras – entre pinturas, esculturas e instalações de grande escala, que cobrem um percurso de três décadas da produção da artista nipo-brasileira Lydia Okumura (1948, Oswaldo Cruz, São Paulo), do início dos anos 1970 ao final dos 1990. A exposição será realizada simultaneamente nas galerias Martins&Montero e Nara Roesler, e apresentará obras emblemáticas da artista, em uma homenagem aos seus mais de 50 anos de contribuição à arte. Na abertura, haverá van gratuita fazendo o percurso entre as duas galerias. O evento marca a colaboração em torno da obra da artista entre a Martins&Monteiro, com espaços em São Paulo e Bruxelas, e Nara Roesler, sediada em São Paulo, Nova York e Rio de Janeiro.

Das obras expostas, dezessete nunca foram mostradas no Brasil, e serão montadas ainda duas instalações que estavam apenas em projeto, e não haviam sido realizadas. O título da exposição é uma frase da própria artista: “Quero expressar a imaterialidade em tudo”, no texto do artista Pontogor, que acompanha a mostra.

Por mais de cinqüenta anos, Okumura empregou a abstração geométrica para investigar a compreensão e a experiência do espaço, expandindo suas possibilidades através de forma e cor. Utilizando materiais como barbante, arame, tinta acrílica, cordões, chapas de ferro, vidro, alumínio, carvão e grafite, Okumura concebe instalações site-specific que se relacionam diretamente com a arquitetura do espaço expositivo. Nelas, planos são pintados nos cantos das paredes que se conectam por fios, resultando em formas geométricas que se projetam no campo espacial e criam a ilusão de objetos tridimensionais. Embora a sua prática possa ser enquadrada na tradição minimalista, a op art (arte óptica) também está em jogo. Através de intervenções modestas, porém engenhosas, Okumura questiona a percepção de nossa presença corporal no ambiente.

Dada a essa relevância e status de referência, Lydia Okumura justifica um grande movimento colaborativo entre duas das mais preeminentes galerias do país, visando à expansão da sua presença no circuito nacional e internacional da arte.

Serviço
Exposição | A imaterialidade em tudo
De 8 de junho a 3 de agosto
Segunda a sexta de 10h às 19h, sábados e domingos: 11h às 15h.

Este é um texto em três movimentos. Cada um deles nos parece, à primeira vista, autônomo. Quando unidos neste espaço, têm uma coreografia ou uma comunicação polifônica, na qual cada voz se revela única, mas é interdependente. Os movimentos do texto focam as mãos – extremidades dos membros superiores, articuladas pelo punho e estendendo-se até os dedos. No primeiro movimento, as mãos são serenas, em descoberta silenciosa e construção. No segundo, agitam-se intensamente, refletindo conflitos e resoluções. No terceiro, encontram equilíbrio e dançam em harmonia.

I – em mãos

O filósofo e ensaísta francês Jules Michelet debruça-se, em seu livro The Bird^[1], sobre o comportamento das aves. Em um dado momento do ensaio, ele afirma que os pássaros, por não terem as mãos dos esquilos nem os dentes dos castores, poderiam ser compreendidos como operários desprovidos de instrumentos. Os corpos leves de formato arredondado são, no entanto, sua ferramenta: com o peito, eles apertam e comprimem materiais até torná-los dóceis, até misturá-los, sujeitá-los à obra geral. Nos pássaros, todo o corpo é mão.

O ninho, seu espaço de abrigo e proteção, espelha, em certo sentido, a forma de seu corpo: no arranjo dos galhos que servem de local de repouso veem-se dedos; o corpo do pássaro é, inteiro, instrumento de construção. Com nossas mãos humanas, reproduzimos a forma do ninho: ao recolhermos os dedos, curvamos as palmas das mãos para cima. O gesto é de acolhimento em mãos do mundo material e imaterial e de criação de contenedores, espaços de guarda e proteção^[2].

Esta exposição é, em muitos sentidos, o esticar dos braços e o curvar das mãos ao convidarmos as jovens artistas – Ana Takenaka, iah bahia, Nathalie Ventura – a dialogar com aqueles já representados pela Galeria Raquel Arnaud – Carla Chaim, Carlos Nunes e João Trevisan. O entrelaçar das poéticas desses artistas é como a construção de um ninho, na qual se adensam e se arrefecem os galhos, a depender do estágio da construção: na exposição, há momentos em que são costuradas relações próximas; em outros, tem-se apenas indicações de proximidade ou distanciamento.

Os artistas aqui reunidos, assim como pássaros em busca de construir seus ninhos, utilizam a mão, o corpo, a respiração em uma pesquisa em torno do gesto.

 II – demãos e mãos duplas

A relação entre os movimentos da mão e os processos mentais é complexa. Deixando em segundo plano o debate do campo científico para nos atermos às reflexões da filosofia e da crítica literária, tem-se certa tradição que associa as ações concretas realizadas pela mão, como segurar, tomar e agarrar, aos processos do pensamento, como lembrar, sonhar, perguntar e, no limite, sintetizar. Para Paul Valéry^[3], por exemplo, a mão é um órgão extraordinário no qual reside toda a potência de transformação da humanidade: ela é capaz de contrariar o curso das coisas e pode modificá-las. Quando a mão trabalha a matéria, seus movimentos são precisos e investigativos, como os de um detetive em busca de algo perdido. Há uma imagem mental a ser extraída, por meio de movimentos meticulosos que identificam onde tocar, onde a matéria é sensível, frágil e moldável. A forma surge dessas ações, conferindo à matéria uma função ou dimensão estética.

Os artistas reunidos na exposição ensinam diversas maneiras de apreender e construir com as mãos. Em seus gestos, encontramos uma espécie de alquimia: é como se, por meio das mãos, fosse possível desvendar seus segredos e trazer à vida novas formas de ser no mundo. Nos próximos parágrafos, nós nos dedicaremos ao exercício de identificar as camadas (demãos) que compõem a poética de cada um, de modo a apontar semelhanças e diferenças pelas quais se apropriam da matéria e criam seus trabalhos. Intentamos criar, assim, um caminho de mãos duplas.
Ana Takenaka e Carla Chaim desenham. Interessadas no movimento da mão (e do corpo) sobre o papel, seus trabalhos ressoam a afirmação de Degas: “O desenho não é forma, é maneira de ver a forma”^[4]. Em gravuras e monotipias, Takenaka ocupa-se da representação das sensações e dos pensamentos por meio do traço, do gesto, explorando as potencialidades da linha e de seus campos abstratos e representativos. Para Chaim, o desenho se expande além das fronteiras do papel. Em seus trabalhos, seu corpo deixa marcas que refletem a tensão entre as regras impostas, como a paleta de cores restrita e os movimentos orgânicos que as desafiam.

Carlos Nunes e iah bahia dobram. Dobrar é um verbo que, em si, guarda uma interessante ambiguidade: significa duplicar ou virar um objeto de modo que uma ou mais partes dele fiquem sobrepostas. Tem-se, na poética de ambos os artistas, o desejo de aumentar ou diminuir de tamanho ao mesmo tempo. Nunes cria regras para explorar relações entre diversos elementos compositivos. Seu trabalho culmina (ou parte de) frequentemente em um esgotamento gradual da matéria. Na exposição, ele apresenta uma série anual de trabalhos com papel de seda que são dobrados pelo artista e tingidos pelo sol. Já nos trabalhos de bahia, estabelecem-se conexões entre pontos e linhas abstratas, criando territórios definidos. Na série Solitons, por exemplo, ela explora a forma de ondas atômicas solitárias. Ao experimentar com formas por meio do tecido, desenvolve uma metodologia topológica, revelando um espaço duplo que desafia noções tradicionais de dentro e fora.

Nathalie Ventura e João Trevisan cavucam. “Cavucar” é uma expressão informal que significa investigar, explorar ou mexer em algo com cuidado ou curiosidade. Ao justapor materiais de origem geológica distinta, Ventura escava a fragilidade dos estilos de vida diante dos desafios ambientais e sociais contemporâneos. Por sua vez, Trevisan explora as relações entre tensão, peso e leveza. Em suas pinturas e seus desenhos, camadas sobrepostas ao longo do tempo revelam profundidade e variação cromática. O artista, assim como Ventura, constrói paisagens em escavações na matéria.

III – marcas nas mãos

O tato é uma sensação presente em toda a pele. Como escreve Vergílio Ferreira: “Em qualquer parte do corpo podemos assinalar a presença de um objeto, a presença do real”^[5]. Poderíamos perguntar talvez se existiriam diversos tipos de tato: o tato que percebe as coisas do mundo e está distribuído pela pele e aquele que se manifesta principalmente nas mãos, que reflete e prolonga a atividade do eu^[6]. Esse último tipo de tato cria também memória e, ao longo do tempo, uma espécie de biblioteca do que foi tocado, compreendido e reconhecido pelo toque. Produzem-se marcas invisíveis nas superfícies das nossas mãos.
No atual espaço expositivo, há repertórios de superfície distintos: do papel japonês ao craft, do carvão ao óleo, da costura do objeto vestido ao encadernado. Os materiais e gestos quentes (como o papel) e frios (como o acrílico) percebidos e explorados pelas mãos dos artistas acessam a biblioteca sensorial do espectador. Cria-se, potencialmente, um encontro entre sensibilidades – do artista e do espectador – e possíveis vínculos entre o eu e o outro: o desejo sentido no corpo de quem vê os trabalhos é de riscar, esticar, dobrar, cavar… As mãos tornam-se pontes entre nós e o mundo.

^[1] MICHELET, Jules. The Bird. T. Nelson, 1874.

^[2] Para um debate acerca da importância das diversas maneiras de armazenar ao longo da história, ver: LE GUIN, Ursula K. A Teoria da Bolsa de Ficção. N-1 Edições, 2021.

^[3] VALÉRY, Paul. Eupalinos el Arquitecto y el Alma y la Danza. Antonio Machado Libros, 2019.

^[4] Idem, Degas Dança Desenho. Editora Cosac Naify, 2003.

^[5] FERREIRA, Vergílio. Invocação ao Meu Corpo. Bertrand, 1978, p. 273.

^[6] Ibidem, p. 274.

Serviço
Exposição | Em Mãos
De 8 de junho a 10 de agosto
Segunda à sexta das 11:00 às 19:00, sábado das 11:00 às 15:00

Helô Sanvoy (1985, Goiânia, GO) inaugura a exposição “Nessas artes, vadiava” , com curadoria de Ana Avelar, que sucede a recente participação do artista em diversas exposições coletivas institucionais.

Pensada enquanto um tipo de investigação sobre o lugar ambíguo do fazer arte, a escolha pela ideia de vadiagem alude, por um lado, tanto à dinâmica singular que envolve a produção poética julgada à condição de atividade ociosa frente às demandas econômicas do capital quanto tenciona, por outro ângulo, o dado violento e escravagista a que permaneceram reiteradamente encrustadas as histórias social e política brasileiras. Com fundo em nexos relacionados ao pensamento do antropólogo e ativista sul-africano Archie Mafeje, a produção de Helô Sanvoy explora disputas relevantes que envolvem a arte contemporânea, bem como coloca em xeque uma espécie de neurose etnográfica que tem ocupado diversas frentes do discurso cultural. Primeira exposição individual dedicada à produção do artista, a mostra reúne um conjunto de obras que percorrem a multisciplinaridade da produção de Helô, abrangendo desde o seu trabalho com escultura, desenho, vídeo e fotografia até instalação e relevo de parede.

Helô Sanvoy foi um dos artistas premiados nas edições de 2023 do Prêmio PIPA e do Prêmio ABCA. Mestre em Artes Visuais pela ECA/USP, participou de exposições no Brasil e no exterior, tendo sido selecionado para mostras em programas como os do Centro Cultural de São Paulo (CCSP), do Paço das Artes e do Paço Imperial. Fez parte também de exposições coletivas no Inhotim, Instituto Moreira Salles, Museu de Arte do Rio (MAR), Museu da República, dentre outras.

Serviço
Exposição | Nessas artes, vadiava
De 15 de junho a 27 de julho
segunda a sexta, das 10h às 19h, sábado, das 11h às 17h

“Ocupação CCSF” é o título dessa exposição inédita do artista Augusto Leal na cidade de São Paulo. A exposição é orientada a partir de uma reunião emblemática e estratégica de sua produção e se propõe a evidenciar o caráter multifacetado e transversal das formulações do artista de Simões Filho/BA – com obras que datam de 2009 a 2024 – instaladas por diversas áreas da instituição.

Ao construir sua pesquisa artística a partir de noções como geopolítica, território, relações e coletividade, instaura, a partir de sua prática (est)ética, justaposições incontornáveis e críticas com os espaços que ocupam, trazendo à tona aqui obras de arte que nos convidam a revisar nossos repertórios visuais – não para corrigir o que está posto, mas a fim de questionar o que se dá a entender como o ordinário -, insurgindo poeticamente referências à rua e a vida pública, como em estruturas de comunicação visual urbana, brinquedos, usos espontâneos e ocupação dos espaços.

As obras ficarão expostas em diversos espaços do CCSP, como pisos expositivos, jardim suspenso (lado vergueiro e 23 de maio), jardim Luiz Telles e áreas de comuns de circulação.

Serviço
Exposição | Ocupação CCSF
De 15 de junho a 18 de agosto
Terça a sexta, das 10h às 20h. Sábados e domingos, das 10h às 18h

O Instituto Cervantes de São Paulo inaugura a exposição Por dentro da paisagem, uma exposição coletiva de pinturas e desenhos que mostram manifestações da arte cubana contemporânea atual. A arte cubana, rica em simbolismo e reflexão, tem revelado uma tendência na ressignificação da paisagem e dos objetos do cotidiano através de um olhar singular dos artistas insulares. Na mostra, Alejandro Lloret (1957) Alexis Iglesias (1968), e J. Pável Herrera (1979) se destacam neste movimento, cada um trazendo uma perspectiva única e profunda sobre os espaços da paisagem e suas possibilidades significativas. Esses artistas

Com suas abordagens distintas, os três artistas convergem em uma visão que transcende o mero aspecto visual das paisagens. Eles convidam o espectador a uma contemplação mais profunda, onde cada espaço vazio, cada recorte da paisagem e cada objeto abandonado revelam histórias ocultas e significados transcendentais. Através de suas obras, nos oferecem uma ressignificação do olhar, uma oportunidade de enxergar o mundo com uma percepção mais aguçada, sensível e atemporal, conectando o material ao imaterial e o cotidiano ao permanente

Serviço
Exposição | Por dentro da paisagem
De 20 de junho a 27 de julho
Segunda a sexta, das 10h às 20h; aos sábados, das 10h às 14h

Sem ter formação como arquiteto ou engenheiro, ele ergueu edifícios que perduram até hoje e se tornaram ícones de São Paulo e objetos de desejo. Em um tempo em que imperava a sisudez do cinza e de linhas retas, Artacho preencheu a cidade com construções festivas, coloridas, em uma mescla de texturas e formas. Também rompeu padrões ao incluir áreas de lazer e convívio, oferecendo aos moradores um estilo de vida cinematográfico

Artacho Jurado (1907-1983) amava a ópera e os charutos. Embalado por esse gênero musical e pelo tabaco, ele seguia madrugada adentro, em seu apartamento no Edifício Piauí – o primeiro que ergueu no bairro de Higienópolis, em São Paulo, com ampla vista para a cidade –, criando as plantas dos prédios que logo construiria. Na contramão dos traços racionalistas da arquitetura moderna, Artacho se tornou uma espécie de aquarelista da cidade, com projetos que destacavam elementos ornamentais e decorativos, cores vibrantes e espaços de convivência que perduram até hoje.

É este espírito que, de 20 de junho a 15 de setembro, a Ocupação Artacho Jurado, apresenta ao público no espaço Multiuso – segundo piso do Itaú Cultural. Cerca de 130 peças, entre imagens, fotografias, vídeos, desenhos originais, publicidade de época, uma maquete e o acervo pessoal da família Jurado – além de recursos acessíveis – permitem ao público conhecer a fundo a vida e obra deste empreendedor, que ajudou a desenhar a paisagem urbana. Ele via no mercado imobiliário da época possibilidades muito além da sobriedade e racionalidade geométrica que guiava outros arquitetos do período.

A curadoria desta Ocupação é do antropólogo, curador, pesquisador e roteirista documental Guilherme Giufrida, ao lado da curadora, arquiteta e pesquisadora Jéssica Varrichio e da equipe do Itaú Cultural formada pelos núcleos de Artes Visuais e de Informação e Difusão Digital, o qual abriga a Enciclopédia da instituição. A expografia é de Juliana Godoy.

“Procuramos revelar a pragmática construtiva de Artacho”, explica Giufrida. “Seguimos menos pelo raciocínio das ideias ou do teórico, já que a arquitetura dele foi pouco considerada em termos acadêmicos, para olhar para os aspectos construtivos dos materiais formais que é aquilo em que ele mais se debruçava”, completa.

O arquiteto autodidata desenhava à mão os cobogós, gradis de guarda-corpos, a paleta de cores de cada edifício, as marquises das coberturas, as amplas janelas pouco usuais no período. “Ele foi como um aquarelista de São Paulo”, observa Jéssica.

Espaço expositivo

A entrada da Ocupação embala o público com o som das óperas favoritas de Artacho e a vista de alguns de seus apartamentos, proporcionando um diálogo com o arquiteto ao experienciar a paisagem urbana. É neste momento que o público conhece a sua personalidade e importância para o legado arquitetônico da cidade, da história da arquitetura, da indústria dos empreendimentos imobiliários e da propaganda. O período contempla o final da era Vargas, quando país entrava na Quarta República – iniciada em 1946 com a posse de Gaspar Dutra e encerrada em 1964 pelo golpe militar.

Na sequência, entra-se em um núcleo que revela a história de Jurado antes de se embrenhar na construção arquitetônica. Nascido no bairro do Brás, em São Paulo, em 1907, filho de imigrantes espanhóis, ele começou a sua carreira como letrista de cartazes, estandartes, feiras e exposições, na década de 1920. Depois, passou a desenhar estandes para feiras industriais. Acabou se estabelecendo como organizador de grandes eventos, como as exposições Centenário da cidade de Santos e Bicentenário de Campinas.

Fotos da época de neons, luminosos publicitários – que ele desenhava e produzia – e dos estandes que criava para as feiras com novidades da indústria ilustram este núcleo. Aqui se revela quando, em 1946, Artacho decidiu entrar na construção civil ao lado do irmão Aurélio. Os dois construíram casas, pequenos prédios e vilas. Por fim, já entrando na década 1950, criaram a Construtora Monções, fonte de suas obras mais emblemáticas. O primeiro empreendimento foi um conjunto de casas no bairro do Brooklin Novo, na zona sul de São Paulo, no qual a venda dos imóveis incluía telefone e automóvel.

Uma grande maquete comissionada demonstra os edifícios mais importantes do arquiteto e como foram inseridos na topografia de São Paulo e de Santos, formando uma cronologia geolocalizada de seus projetos. É possível imaginar que, no início dos anos 1950,  do edifício Saint Honorè, situado na Avenida Paulista, era possível ver os prédios Cinderela, Piauí e Bretagne, em Higienópolis, de onde, por sua vez, se enxergava o edifício Parque das Hortênsias, e, a partir dele, as construções do Louvre, Viadutos e Planalto, no centro. Uma projeção em vídeo-mapping sobre a maquete traz informações sobre cada um deles e como mudaram a paisagem paulistana, quando a cidade dava os primeiros passos em direção à sua verticalização.

Outro núcleo revela o conceito de lazer e ócio impregnado por Artacho em seus empreendimentos. Ele foi pioneiro na oferta, no térreo e na cobertura dos projetos, de áreas comuns, onde os moradores poderiam se encontrar e confabular, entre salões de festas, de chá, de música e galerias de arte. Um estilo de vida no gênero american way of life, que era viabilizado com espaço para publicidades e anúncios nas coberturas, barateando o valor do condomínio.

No espaço seguinte, o visitante se depara com o ambiente festivo que embalava as suntuosas inaugurações dos prédios: havia bandas e fanfarras, convidados internacionais, políticos, celebridades, religiosos e apresentações musicais e de dança. A abertura do Edifício Bretagne, por exemplo, contou com apresentações de cortejo de cavalaria e da Escola de Balé de Higienópolis. Teve, ainda, as presenças de Eurlyne Howell, Miss Estados Unidos, e de Odette le Mintier de Léhélec, viscondessa da França. Não por acaso essa arquitetura e glamour de inspiração cinematográfica serviu de cenário para filmes, comerciais e videoclipes, da época em que os edifícios foram construídos até hoje.

Gramática do arquiteto

Uma parede inteira do espaço expositivo é dedicada ao que os curadores chamam de gramática de Artacho. Ela acolhe um ensaio fotográfico comissionado do fotógrafo Tuca Vieira que revela em detalhes os seus elementos construtivos, propondo uma pesquisa abrangente sobre a estética do arquiteto e seu desenvolvimento no tempo, a partir de alguns de seus edifícios.

Esse estilo foi desenvolvido por ele em um período em que a indústria pregava a padronização de elementos na construção civil, enquanto Artacho propunha uma junção entre o industrial e o artesanal. Assim, ele mesmo desenhava os lustres, os cobogós, as janelas, as escadas, as rampas e os gradis de cada apartamento e de todos os prédios que construiu. O escopo deste núcleo se desdobra em uma publicação, distribuída no balcão de atendimento no piso térreo e na própria Ocupação, com desenhos da ilustradora Juliana Russo, que traduzem em traço, desenho e cor a sua caligrafia projetiva.

Outro espaço nobre da mostra apresenta dezenas de imagens do edifício Parque Verde Mar feitas pelo fotógrafo alemão Hans Günter Flieg. Nascido em 1923, ele é um dos mais versáteis profissionais a registrar o desenvolvimento industrial, arquitetônico e publicitário de São Paulo, quando começava a se anunciar moderna. Com os ensaios fotográficos encomendados por Artacho, ele ressaltou desejos e perspectivas sociais e culturais de toda uma época, demonstrando como a experiência do morar tornou-se uma das principais vitrines da vida moderna, um aspecto em consonância com o modo como o arquiteto projetava e vendia seus edifícios.

A riqueza da proposta construtiva de Artacho também se evidencia nos estudos que realizou para os seus diversos projetos – inclusive aqueles que nunca saíram do papel, como o Edifício Marajoara. O conjunto de documentos inéditos apresentados nessa mostra permite conhecer as diferentes etapas de um projeto arquitetônico: estudos de volumetria, esboços de ambientes internos, hall, salões, fachadas e terraços, além das perspectivas coloridas utilizadas para apresentar e vender os empreendimentos aos futuros moradores.

Serviço
Exposição | Ocupação Artacho Jurado
De 20 de junho a 15 de setembro
Terça-feira a sábado, das 11h às 20h; domingos e feriados, das 11h às 19h

As 20 fotografias e 18 fotogravuras presentes na mostra, fazem parte de uma série de trabalhos produzidos nos últimos anos pela artista. “Em 2022 comecei a explorar a fotogravura, um processo fotomecânico do século XIX, que envolve a transferência de uma imagem fotográfica para uma chapa de metal. Isso me abriu novas possibilidades para essa história, que eu conto através de imagens impressas, em papel de algodão e japonês nessa mostra” explica Grigolin. “Giovana pensa a fotografia para levar o corpo a paisagens surreais. A (des)construção que a artista experimenta em suas narrativas em preto e branco, nos transporta para os ambientes mais diáfanos do movimento Dada, com grafismos, formas e volumes granulados, apenas sugerindo a entrega sublime da solidão”, comenta Renato, que é ex-diretor do Departamento de Museus Municipais de São Paulo e atual curador e gestor do Paço das Artes.

Entre os anos de 2020 e 2023, Giovana pediu para mulheres enviarem fotos dos seus corpos e do lugar que estavam habitando. Começou então a produção de uma série de trabalhos sobrepondo essas imagens. Primeiro com fotos, e em seguida passou a explorar a técnica da fotogravura, junto ao ateliê da artista e professora Cleiri Cardoso. Aliando-se ao breu, ao fogo, a tinta e suas chapas de metal, Giovana sugere estorias veladas na intimidade de cada uma. “Impressas em papéis especiais, com a delicadeza que nos remete aos processos orientais da produção de imagens, a artista arrisca sua linguagem atemporal para se afirmar na contemporaneidade. Corpos que viram montanhas, água-viva; barco a vagar nos pensamentos, temos a anuência do corpo nu, camuflando-se entre outros obstáculos. A liberdade da vida no silêncio do isolamento. Amigas distantes, aproximando seus desejos e linguagens”, completa De Cara em seu texto curatorial sobre a mostra individual que segue até o dia 27 de julho.

Esta é a primeira exposição individual realizada pela WG galeria (inaugurada na Rua Araújo em novembro de 2023), que passa a representar Giovana Grigolin como artista. “A escolha da mostra no formato individual aconteceu durante uma conversa entre os galeristas, De Cara e a artista. Entendemos que a produção diversificada e ainda inédita ao mercado, realizada por Giovana nos últimos anos, compõe uma individual completa para o nosso espaço”, explica Mariana Weigand , sócia da WG.

Para o galeria André Weigand, trabalhar com fotogravuras é uma grata novidade para a WG galeria. “Nenhum dos nossos artistas até o momento trabalha com essa técnica e o que vem somar ainda mais ao trabalho da Giovana é que ela ousa produzir imagens grandes através desta técnica, o que torna o processo ainda mais complexo para a artista, em termos de manipulação das imagens, menejo das chapas de metal, espaço físico e produtos químicos necessários para um bom resultado. Prevemos que as fotogravuras de diversos tamanhos vão encher os olhos de quem aprecia arte e de quem visitar a WG para conhecer pela primeira vez este trabalho”, completa.

Exposição | Água Viva
De 20 de junho a 27 de julho
Terça a sábado, das 13h00 às 19h00

A montagem de uma exposição envolve muitos fatores e vai se compondo de acordo com sua construção, transformando todas as artes em uma arte única e harmoniosa.

Com curadoria de Izis Kosta, artistas brasileiros de diversos pontos do Brasil terão obras exposta no Espaço Izis Kosta localizado em Campinas SP.  O vernissage da exposição denominada “Unidos pela Arte”, ocorre dia 21 de junho às 19 h à Av. José Bonifácio 601 – JD Flamboyant – Campinas – SP. O vernissage será completamente registrado pelo conhecido fotografo das celebridades Marcos Ruggiero.

Os artistas irão expor suas obras produzidas a partir de materiais diversificados, cada qual com sua identidade, estando todos focados numa pluralidade de abordagens e expressões, dialogando com diferentes públicos. Representantes de várias cidades brasileiras, entre os nomes selecionados estão Armando Paolillo Jr, Carmen Moreira, Cristiane Maschietto, Elias Kosta, Flavia Mesquita, Gisele Faganello, Glaucia Felippe, Izis Kosta, Josie Mengai, Juarez Oliveira, Laura B., Luciano Júlio, Luiz Vieira, Marília Perez, Nelson Braga Jr., Patricia Lopes, Sueli Zinetti Dovigo.

A curadora Izis Kosta que também é artista plástica ressalta: “Unimos conhecimento, emoção e a vontade, e só então, a mágica acontece e a arte emerge inspirada pelo o que existe de mais bonito nos seres, a nossa arte. Do que precisa o mundo hoje? Afeto, beleza, puros sentimentos, menos julgamentos. A arte que está no seu interior, bruta, não revelada, contida ou protegida, livre ou adaptada, é o elo forte que esta exposição quer convocar. Este convite é para que se una a arte de artistas diversificados para que assim, juntos, possamos transpor as barreiras explícitas e veladas, que nos aprisionam o sentir, e impedem que lindas cores emocionais tornem o mundo um lugar ainda mais maravilhoso, com as telas da vida expostas em cada galeria íntima do coração. Que UNIDOS PELA ARTE lembre a você que a beleza de cada ser deve ser admirada, inclusive a sua”, conclui.

Serviço
Exposição | Unidos pela Arte
De 21 de junho a 06 de agosto
Diariamente, até as 16:30hs. Aos sábados com hora marcada pela manhã das 9hs às 13hs

A partir do desejo compartilhado de promover trocas e explorar modelos horizontais de organização, Fortes D’Aloia & Gabriel e HOA fundem diferentes gerações de artistas e suas respectivas abordagens, linguagens e mídias em uma única mostra de intercâmbio entre os espaços expositivos de ambas as galerias. Em exibição a partir de 22 de junho, RAW! subsidia um campo de articulações para diálogos convergentes entre jovens artistas e nomes já estabelecidos por meio da expressão. Do vídeo à escultura, a exposição reúne práticas diversas em categorias instalativas, audiovisuais e pictóricas.

A HOA abre suas portas a uma escultura imersiva de Ernesto Neto em contraste com o trabalho de Nidia Aranha e, também, abriga a primeira edição da programação presencial do fdag-film, plataforma digital de vídeo-arte e imagem em movimento da Fortes D’Aloia & Gabriel. Ao longo da exposição serão apresentadas obras de Babi Mello, biarritzzz, Caio Rosa, Cristiano Lenhardt, Ivens Machado, Nico Mascarenhas, Rivane Neuenschwander, Ernesto Neto, Rodrigo Cass, Sara Ramo e Janaina Tschäpe, entre outros. Corpo, natureza, movimento e tecnologia – em composições que sobrepõem escalas de tempo – torcem as narrativas estabelecidas.

Na FDAG, pinturas, fotografias, esculturas e assemblages dão forma a um espaço atravessado por tensões entre cor, textura e matéria. Os trabalhos de Ana Clara Tito e Iah Bahia empregam o contraste entre materiais da construção civil e tecidos frágeis, enquanto as obras de Igi Lola Ayedun, Anderson Borba e Almeida da Silva organizam superfícies carregadas de informação textural, recompondo a materialidade habitual de seus suportes. Beatriz Milhazes, Janaina Tschäpe, Leda Catunda, Mariana Rocha e Marina Rheingantz apresentam composições que sugerem expansão e movimento, comunicando um ritmo vital e encadeando visões oníricas. As pinturas de Bertô, Márcia Falcão e Mika Takahashi trazem gestos marcados que traduzem o corpo-a-corpo da sua fatura, assim como materiais corriqueiros são ressignificados nas práticas de Antonio Tarsis e Derrete, traduzindo a aspereza da atmosfera urbana.

Ainda passeando pela curadoria hospedada na FDAG e na HOA, os trabalhos de A Loja de Atrocidades e Hawnee, nos quais a variedade de elementos levam à desorientação pela simultaneidade, formam um contraponto à solidão metafísica da escultura de Efrain Almeida ou à placidez alegórica da fotografia cotidiana de Mauro Restiffe e Rafaela Kennedy. As esculturas de Cristiano Lenhardt, Erika Verzutti e Labö Young reconfiguram elementos da arquitetura vernacular, experiências volumétricas e texturais que suscitam silhuetas orgânicas. Finalizando o ciclo condutor da exposição, o limiar entre o humano e o inumano dos trabalhos de Janice Mascarenhas e Nídia Aranha distorcem a consistência do corpo na referência à tecnologia reprodutiva e à objectualidade, por meio da encenação crítica em oscilação entre sujeito e objeto.

Durante o dia de abertura, a programação recebe duas performances: Jussaras, de Cristiano Lenhardt, em trânsito pelos dois espaços, enquanto Felipa Damasco apresenta Cabelo crespo não molha na Fortes D’Aloia & Gabriel, às 15h

Serviço
Exposição | RAW!
De 22 de junho a 3 de agosto
Terça a sexta, das 10h às 19h; sábados, das 10h às 18h

Em sua primeira exposição individual em São Paulo, Heberth Sobral apresenta 28 obras entre pinturas, fotografias e objetos distribuídos em uma montagem lúdica com cenografia e elementos do universo dos jogos de mesa, tabuleiro e carteado. Com curadoria de Manuela Parrino e texto de Luiz Chrysostomo, a exposição acontece na sala 1 da galeria.

Sobre a exposição “Sala de Jogos”, em meio a obras alusivas a baralhos, dominós, álbuns de figurinhas, mini-golf, e jogos de botão, Luiz Chrysostomo comenta: “Heberth reafirma que a arte não é domínio do óbvio, do literal, mas terreno da ousadia que ultrapassa a superficialidade. A ocupação do espaço, o uso de materiais não convencionais e a intimidade com a cor, podem estar representadas por meio de montagens fotográficas, pinturas em acrílica de telas e madeiras, azulejos modelados, tijolos coloniais ou recursos digitais. Uma das obras centrais exibidas é seu “jogo-mobil” de xadrez. Composto por peças em cerâmica pintada, esculpidas com os elementos definidores de seu código, o artista revive a história da arte e relembra como esse tipo de ativação, ou de jogo, vai além de preciosidades intelectuais”.

Serviço
Exposição | Sala de Jogos
De 22 de junho até 24 de agosto
Terça a sexta, das 10h às 18h, sábado, das 10h às 16h

Para celebrar a inauguração de seu novo espaço expositivo no Edifício Louvre, a galeria Verve inaugura, no sábado dia 22 de junho, a coletiva “CUIR SOU, notas sobre afetividade”, comentada por Hilda de Paulo e Tiago Sant’Ana em ensaios críticos escritos especialmente para a exposição. A mostra reúne trabalhos de Adriel Visoto, Aretha Sadick, AVAF, Caroline Ricca Lee, Carlos Motta, Cassils, Fefa Lins, Felippe Moraes + Márcia Pantera, Francisco Hurtz, Gabriella Marinho, Gabz 404, Hilda de Paulo, iah bahia, Isabelle Passos, João GG, Karola Braga, Lady Letal, Lia D Castro, Madalena Schwartz, Manauara Clandestina, Mariela Scafati, Mayara Ferrão, Nathan Braga, Nino Pereira, Pat Baik, Piti Tomé, Rafa BQueer, Randolpho Lamonier, Renan Soares, Tales Frey, Victor Fidelis e Yeguas del Apocalipsis.

Nos textos críticos, percebem-se as múltiplas facetas de se relacionar afetivamente enquanto pessoa queer: seja na intimidade, no ambiente familiar, nas interações (redes) sociais ou se reconhecendo em objetos e distintas personalidades. Fica explícito que esta afetividade é também uma forma política de habitar o mundo, conforme comenta Tiago Sant’Ana: “O que a política queer traz (…) é compreender, nomear as normas, mas também debochar de sua configuração. Assim, queer tem mais relação com uma rebeldia do que com um desejo de integração a todo custo. É uma vontade de ressaltar a estranheza, gozar da margem em vez de lutar por uma anulação e higienização das subjetividades em troca de uma aceitação dentro de uma configuração enfadonha de vida.”

De distintas gerações, o conjunto de artistas apresenta ainda uma coleção de sensibilidades singulares a partir de “um conjunto de trabalhos em que as questões de gênero e sexualidade podem até não aparecer de modo explícito, contudo, estão unidas, também, por um desejo de estranhar as visualidades estabelecidas, trazendo algo de excêntrico – aqui compreendido como não ser capturado ou desviar-se do centro – para o fazer artístico.” conclui Sant’Ana.

Artistas: Adriel Visoto, Aretha Sadick, AVAF, Caroline Ricca Lee, Carlos Motta, Cassils, Fefa Lins, Felippe Moraes + Márcia Pantera, Francisco Hurtz, Gabriella Marinho, Gabz 404, Hilda de Paulo, iah bahia, Isabelle Passos, João GG, Karola Braga, Lady Letal, Lia D Castro, Madalena Schwartz, Manauara Clandestina, Mariela Scafati, Mayara Ferrão, Nathan Braga, Nino Pereira, Pat Baik, Piti Tomé, Rafa BQueer, Randolpho Lamonier, Renan Soares, Tales Frey, Victor Fidelis e Yeguas del Apocalipsis.

Serviço
Exposição | Cuir Sou, notas sobre afetividade
De 22 de junho a 03 de agosto
Terça a sexta-feira, das 11:00 às 18:00h, sábado, das 12:00 às 17:00h

NONADA SP abre coletiva Diadorim, sob curadoria de Guilherme Teixeira onde reúne 17 artistas em torno de 19 obras que exploram temas como corpo, inadequação, pertencimento e gênero, utilizando diversas técnicas e suportes, incluindo pintura, escultura, fotografia, desenho, objetos, videoarte, performance e instalações, atualizando questões conceituais do clássico “Grande Sertão: Veredas” de Guimarães Rosa, obra da qual a galeria tira seu nome e conceito. Vernissage no sábado, 22 de junho, às XX, ficando em cartaz até 31 de agosto.

Diadorim, um personagem que se veste como homem para acompanhar os cangaceiros e proteger-se, traz à tona discussões contemporâneas sobre construção de gênero e performance social. Esta narrativa literária oferece um ponto de partida para a reflexão sobre identidades de gênero e seus desdobramentos na sociedade atual.

Guilherme Teixeira, o curador, é reconhecido por seu trabalho que atravessa temas de identidade, sexualidade e pertencimento. A seleção de um grupo diversificado de artistas possibilitou que trouxessem suas próprias perspectivas e experiências para a exposição. Esta abordagem pluralista permite uma ampla gama de interpretações e provocações sobre as temáticas abordadas. Andre Barion, Andy Villela, Ana Matheus Abbade, Ana Raylander Martís dos Anjos, Amorí, Bruno Magliari, Rafaela Kennedy, Santarosa, Juno, Ode, Diambe, Daniel Mello, Domingos de Barros Octaviano, Linga Acácio, Flow Kontouriotis, Wisrah C. V. da Celestino e Nati Canto trazem uma diversidade de estilos e abordagens. A pluralidade de técnicas e temas reflete o compromisso da NONADA em proporcionar um espaço para a diversidade artística e cultural.

NONADA, cujo nome deriva de um neologismo criado por Guimarães Rosa, tem como missão preencher lacunas na cena artística contemporânea, promovendo um espaço inclusivo e de experimentação. Seus fundadores, João Paulo, Ludwig, Luiz e Paulo, destacam que a NONADA é um espaço híbrido que acolhe, expõe e dialoga, oferecendo uma plataforma para trabalhos de alta qualidade que abordam temas políticos, identitários e de gênero, entre outros.

Serviço
Exposição | Diadorim
De 22 de junho a 31 de agosto
Terça a sexta-feira, das 11h às 18h; sábado, das 11h às 15h

O Museu A CASA do Objeto Brasileiro realiza a exposição ” ISA 30 ANOS – POR UM BRASIL SOCIOAMBIENTAL”, uma celebração das três décadas de atuação do Instituto Socioambiental (ISA) na defesa dos direitos de povos indígenas, quilombolas, ribeirinhos e outras comunidades tradicionais. A exposição será aberta ao público a partir do dia 22 de junho e permanecerá até o dia 25 de agosto de 2024, com visitação de quinta a domingo, das 10h às 18h, na sede do museu, localizada na Av. Pedroso de Morais 1216, em Pinheiros, São Paulo.

 Com curadoria e expografia de Rosely Nakagawa, a mostra reúne materiais audiovisuais que ilustram os projetos desenvolvidos pelo ISA, além de objetos de arte indígena, artefatos artesanais. A exposição apresenta 30 painéis em tecido com mais de 100 imagens documentais de diversas ações do instituto ao longo das três décadas. Os registros foram capturados por fotógrafos e antropólogos parceiros de longa data da organização, como Are Yudja, Carol Quintanilha, Christian Braga, Claudia Andujar, Linsker, Kamikiá Kisêdjê, Lalo de Almeida, Pedro Martinelli, Roberto Linsker, Rogério Assis e Victor Moriyama. De acordo com a curadora, “A ideia é atingir e comover o público não especializado, tornando a mostra de fácil compreensão para quem ainda não conhece a organização.”

 Renata Mellão, fundadora do Museu A CASA, expressa sua admiração pelo Instituto Socioambiental (ISA) e celebra a duradoura parceria iniciada em 1999, quando o antropólogo Beto Ricardo, sócio fundador do ISA, ministrou uma palestra no museu. “Somos grandes admiradores do instituto e é uma honra para nós abrigar essa exposição”, afirma Renata.

 Para enriquecer a experiência, as comemorações dos 30 anos do ISA contemplam uma extensa programação cultural voltada à conscientização e à informação sobre os povos indígenas no Brasil. As atividades incluem três rodas de conversas no “Papo de Casa”, uma ação promovida pelo Museu A CASA que visa aprofundar o conhecimento por meio de diálogos abertos com protagonistas e especialistas da temática, além da exibição de filmes em realidade virtual. Também haverá a apresentação da série de livros “Povos Indígenas do Brasil” e do projeto educativo “Povos Indígenas no Brasil Mirim”. Igualmente, o público poderá interagir com o mapa” Terras e Povos Indígenas no Brasil”, uma oportunidade única para conhecer as comunidades e explorar os territórios onde vivem as etnias.

Serviço
Exposição | Isa 30 anos – por um brasil socioambiental
De 23 de junho a 25 de agosto
Quinta a domingo, das 10h às 18h.

Trazendo destaque para a moda de rua do Japão, a Japan House São Paulo traz a exposição “Sutorīto Fashion: moda das ruas“, que apresenta as tendências de moda desde a década de 1950 até os dias atuais por meio de mais de 100 registros fotográficos. Com entrada gratuita, a mostra acontece de 25 de junho a 20 de outubro, no térreo da instituição. Assim como “Efeito Japão: moda em 15 atos” (em cartaz no segundo andar até 1° de setembro), a exposição “Sutorīto Fashion: moda das ruas” é coordenada pelo diretor de moda Souta Yamaguchi.

A seleção de fotografias analisa por década as mudanças da moda de rua no Japão dos anos 1950 aos anos 2020, abordando diversas tendências internacionais, cinema e música, assim como a contracultura japonesa que surgiu em resposta às mudanças culturais, sociais, políticas e econômicas dessas épocas.

“Essa exposição faz parte do ciclo de moda que iniciamos em maio deste ano e tem como foco o cotidiano japonês e como as recentes mudanças culturais e sociais afetaram a moda de rua dos jovens. Será uma oportunidade única para entender como cada período foi traduzido, adaptado e refletido nos looks cotidianos, gerando uma identidade muito particular, criativa e inovadora.”, comenta a Diretora Cultural da JHSP, Natasha Barzaghi Geenen.

A passagem histórica da exposição tem início na década de 1950, em um contexto pós-guerra. Nesse período de recuperação e reconstrução após a Segunda Guerra Mundial, referências internacionais da alta costura e o cinema japonês servem como inspiração, além de estilos como o rockabilly. Foi um período de aumento no consumo de roupas com a difusão de peças prêt-à-porter e o avanço na qualidade de fibras sintéticas. Na década de 1960, o ambiente doméstico japonês se modernizou e a influência de tendências internacionais na moda jovem, como o uso da minissaia e de calças pantalonas tornou-se popular no Japão. Nos anos 70, os primeiros estilistas japoneses despontam nas passarelas internacionais, ao mesmo tempo em que os movimentos de contracultura no Japão são acompanhados pelo mais conservador “nyuutora” (abreviação japonesa do termo em inglês New Traditional) adotado por estudantes, com saias até os joelhos.

A década de 1980, o momento de aumento do poder econômico permitiu um gasto maior de jovens e adultos em itens da moda, inclusive artigos de luxo. Foi o auge da popularidade das DC Brands (abreviação de Designer’s & Character’s), nome dado às marcas fundadas por designers renomados. As revistas de moda e lifestyle também eram essenciais em ditar tendências vistas nas ruas e o estilo “shibuya casual“, baseado no “amekaji” (abreviação japonesa do termo em inglês American Casual) tornou-se popular especialmente entre os estudantes. Já nos anos 90, surgiram várias culturas, subdividindo os estilos. A moda que mais impactou as gerações posteriores foi a “ura-harajuku” (estilo que surgiu quando lojas de designers famosos foram abertas no bairro de Harajuku), onde as marcas que herdaram o contexto da cultura de rua, como skatistas e DJs, criaram um grande movimento. Por outro lado, no bairro de Shibuya, que continuava sendo o centro da cultura jovem, surgiram as “kogal”, que desencadeou uma tendência da moda baseada na combinação de saias de uniforme escolar com bainhas curtas e meias até a altura da panturrilha, criando uma cultura singular que deu início ao boom das “colegiais”.

A década de 2000 é marcada pelo surgimento de várias redes de fast fashion internacionais no Japão. Os estilos ficaram mais globalizados em conjunto com a popularização da internet. Nos anos 2010, impactados pelo Grande Terremoto do Leste do Japão de 2011, jovens japoneses passaram a buscar um estilo mais simples e sustentável, fazendo com que a moda contemporânea priorizasse o conforto e um caimento solto das roupas.

Em complemento à evolução década a década, a exposição apresenta também uma coletânea de 25 fotos retiradas da Revista FRUiTS, uma das plataformas mais influentes de documentação acerca do streetstyle japonês entre os anos 1997 e 2017, quando teve sua última publicação. A revista foi responsável por registrar como os jovens, que resistiam aos padrões de estilo da época, se vestiam na região de Harajuku, no distrito de Shibuya, em Tóquio, local que viria a ser conhecido como um dos principais centros de cultura jovem do país, marcando toda uma geração. Até hoje, a criatividade e a espontaneidade desse movimento inspiram designers e amantes da moda do mundo todo.

De forma a estender a experiência do público para além da exposição, a JHSP promoverá atividades paralelas durante todo o período expositivo, como visitas mediadas, seminários, workshops e bate-papos com especialistas. Dentro do programa JHSP Acessível, a exposição “Sutorīto Fashion: moda das ruas” ainda conta com recursos de audiodescrição e vídeo libras. Esta exposição é realizada em cooperação com a “ACROSS” by PARCO CO., LTD. – mídia que pesquisa a cultura jovem e a moda de Tóquio – e a Revista FRUiTS, publicação que documentou a moda de rua japonesa.

Exposição | Sutorīto Fashion: moda das ruas
De 25 de junho a 20 de outubro
Terça a sexta, das 10h às 18h; sábados, domingos e feriados, das 10h às 19h

Tudo aquilo que nasce é também tudo aquilo que morrerá. É, a princípio, o que parece nos sussurrar o conjunto de obras inéditas apresentadas pela artista Marina Hachem (São Paulo, 1993), em sua primeira exposição individual na Casa Triângulo. Através de uma prática artística que transcende o plano bidimensional em obras que apresentam uma verdadeira vocação–e desejo–escultórico, a artista paulistana nos apresenta uma série de novas obras bidimensionais e três esculturas de sua autoria

À primeira vista, talvez seja a curiosidade pela dimensão formal o primeiro aspecto a nos atrair pelos trabalhos de Marina Hachem. Através de um peculiar processo que parte do plano pictórico–liso, ainda nu e virgem designificado–Hachem conjuga o uso de materiais a princípio díspares, ou pouco familiares entre si, de modo a torna-lós quase que alquimicamente pares, matérias perfeitamente casadas

O engenhoso processo da artista parte da utilização deum maquinário próprio da marcenaria para reforçar o que acima, chamamos de uma inequívoca e evidente dimensão escultórica destes trabalhos. Através do corte e da manipulação de superfícies de madeira–de modo similar a um método de desenho sobre este material–a artista esculpe formas que remetem a uma miríade sem fim de imagens próprias de seu imaginário ou advindas de referências fotográficas e de outras fontes.

Em um segundo estágio, há o papel incontornável do fogo. É através da queima destes relevos espaciais esculpidos em madeira que a artista atinge os robustos tons de preto que, em seguida, são banhados por materiais pouco convencionais como graxa e cera, responsáveis pela polidez do acabamento com que os tons escuros de suas obras fazem saltar os olhos daqueles que as observam

Por fim, por entre a superfície entrecortada das formas destes trabalhos, é aplicada uma camada de graute, um tipo especifico de concreto comumente utilizado na construção civil. Como em todo o transcorrer de seu fazer artístico aqui a artista empreende a complexa tarefa de destituir o material de seu aspecto primariamente bruto, fazendo um frutifero uso dos distintos tons de cinza revelados pelo concreto para que estes ganhem aspectos visualmente um tanto mais poéticos–estamos diante da superfície da Lua?, por exemplo, perguntamo-nos, encantados e perplexos.

É neste momento que, nós, visitantes desta espécie de sítio arqueológico do futuro criado no espaço expositivo em que nos encontramos situados, deixamos de nos ater aos aspectos formais de seus trabalhos. Se em um primeiro instante, nosso fascínio é capturado pela virtuosa capacidade de Hachem de mesclar materiais de origens distintase chegar em um resultado tão plasticamente refinado, passamos a nos entregar, então, apenas ao deleite da apreciação metafísica/metafórica de tudo aquilo que está a nos cercar, na presente exposição

É a dimensão poética do olhar de cada um que será capaz de ver, em formas radicalmente distintas entre si, raízes ou ruínas, formas orgânicas ou arquitetônicas, leitos de rio e também caminhos abstratos nas obras que preenchem as paredes do espaço expositivo

O que antes apresentava-se como um sussurro parece, em um momento avançado, ganhar considerável volume similar àquele presente no desejo das formas bidimensionais de ganharem o espaço real em que estamos a pousar nosos pés e o peso de nossos corpos

É o que revelam, por exemplo, as três esculturas situadas para além das paredes, criaturas fugitivas das superficies lisas e brancas do território que nos circunda. Feito rochas, repousam sobre o espaço com uma brutal leveza evidenciando a complexidade formal tamanha alcançada pela especificidade do processo engendrado pela artista

Já não sabemos–e tampouco nos importamos–se estamos situados em um jardim de plantas férteis e águas forte sou, quem sabe, em um longínquo terreno de fósseis e vestígios de tudo aquilo que restará num futuro não tão distante, quando a presença humana já não mais existir no planeta que hoje chamamos de Terra. Ainda além–sim é possível, não temos mais dúvidas!, estamos a vivenciar um outro insuspeito local, tão distante e talvez aqui tão perto, um território possível, enfim: o habitat natural da artista.

Marina Hachem (1993, São Paulo. Vive e trabalha em São Paulo). Formada em Artes Visuais pela Fundação Armando Alvares Penteado, em São Paulo, estudou também na Central Saint Martins, em Londres. Participou de exposições coletivas como Artista de Artista, Galeria Luisa Strina, São Paulo (2023) et tu Art Brut?,Andrew Edlin Gallery, New York (2018) e Novíssimos, IBEU Galeria de Arte, Rio de Janeiro, Brasil (2018). Realizou as exposições individuais Ensaio sobre o fim do mundo, curadoria de Agnaldo Farias, Galeria Lume, São Paulo (2022)Entrelinhas, curadoria de Maguy Etilin, Galeria Arte Hall, São Paulo (2016). Participou do programa de residência artistica da SVA, New York (2019).

Serviço
Exposição | Entre raízes e ruínas
De 27 de junho a 03 de agosto
Terça a Sexta das 10h às 19h. Sábado das 10h às 17h

O Museu FAMA – Fundação Marcos Amaro – juntamente com o artista Renato Gosling, inaugura a exposição individual intitulada “A Verdade sobre a Nostalgia”. Curada por Jhon Voese, a exposição terá início em 29 de junho e permanece em exibição até 29 de setembro de 2024.

“A Verdade sobre a Nostalgia” mergulha nas profundezas da memória e da emoção, convidando o público a explorar a intersecção entre o passado e o presente através das obras de Gosling. Reconhecido por sua habilidade em capturar a essência da experiência humana, Gosling apresenta uma série de trabalhos que evocam sentimentos de nostalgia, mas também questionam a natureza da memória e da identidade Brasileira.

Segundo Voese, Renato procura problematizar a nostalgia, colocando em cheque lembranças de um passado que normalmente idealizamos. As obras partem de uma conexão afetiva, mas rapidamente chacoalham os espectadores ao apontar pontos de crítica.

“As obras em giz, por exemplo, evocam discussões formais, plásticas, um experimentalismo intuitivo do artista e do visitante, mas também nos levam para dentro de salas de aula que ainda se utilizam deste material, o que reflete certa precariedade em meio à era de novas tecnologias de comunicação. Seja como tecnologia antiga de comunicação, ou como meio lúdico na mão das crianças, o giz de calcário, está intimamente conectado com diversas gerações ainda hoje”, explica o curador.

Voese colaborou com Gosling na seleção das obras que compõem a exposição, criando uma narrativa visual coesa que guia os espectadores por uma jornada única e emocionante. O espectador irá se deparar com séries nas quais o artista se apropria de objetos e de imagens, furtando-lhes o significado original e usando de traquinagens como maquiar bois e lhes dar colares de doces, ou criando cenas com fósforos animados que aliviam o ar com certa espirituosidade.

Suspensos na sala ainda encontramos as serigrafias em linho com ícones, ídolos, celebridades homenageadas que permanecem como marcas em nossa memória. A reflexão iconológica a despeito do carinho pela lembrança também pode evocar questões de identificação e subjetividades que formam nossos eus.

Ao longo do espaço nos deparamos com objetos cobertos de giz, carteiras escolares e skates, mas também bolinhas de gude e peões, que emoldurados perdem o significado de meras brincadeiras para ganharem o status de retrato de uma época idealizada para alguns, imaginada para outros, inexistente para muitos. Ainda solto no espaço o jogo de amarelinha feito com as lentes de semáforos obsoletos que agem em uma dupla significância, as cores indicam o momento em que se pode ou não andar, bem como quais os momentos em que devemos ter atenção, algo tipicamente adulto, mas a forma da brincadeira infantil nos deixa tentados a desafiar o sistema e pular metaforicamente de uma “casa” para a outra em um pé só, testando nosso equilíbrio e com o único propósito de chegar até o final e retornar sem “pisar na linha”. Um aprendizado também de amadurecimento.

Fechando as séries apresentadas em A verdade sobre a nostalgia, estão os Orbes que com sua explosão de cores mostram uma faceta mais abstrata de Gosling e que também serve de chamado à atenção, mas que diferente do semáforo, estão mais para aspectos de calmaria em meio ao caos imagético contemporâneo.

A exposição estará aberta ao público no FAMA – Fundação Marcos Amaro, localizada na [endereço da FAMA]. Os visitantes poderão desfrutar das obras de Renato Gosling de terça-feira a domingo, das 10h às 18h na Sala 8.

Para mais informações sobre a exposição e eventos relacionados, visite o site da FAMA – Fundação Marcos Amaro em famamuseu.org.br

Serviço
Exposição | A Verdade sobre a Nostalgia
De 06 de julho a 09 de setembro
Quarta a Domingo, das 11h às 17h

A partir de 26 de junho será possível conhecer o pensamento da antropóloga, historiadora e filósofa brasileira Lélia Gonzalez (1935 – 1994). O Sesc São Paulo, em parceria com a Boitempo, inaugura o projeto Lélia em nós: festas populares e amefricanidade, na unidade Vila Mariana. A exposição, que fica em cartaz até 24 de novembro de 2024, foi inspirada pelo livro Festas populares no Brasil (que ganha nova edição pela Boitempo) e promove uma celebração da cultura afro-brasileira – ou amefricana, como propõe a autora – a partir de um recorte que estabelece diálogos e reflexões suscitados pela produção intelectual de Gonzalez, uma  proeminente ativista do movimento negro brasileiro e importante teórica do feminismo negro, cuja morte completará 30 anos em 10 de julho de 2024.

Com uma seleção de produções contemporâneas e de diferentes períodos, reunida em cinco eixos temáticos, Lélia em nós: festas populares e amefricanidade apresenta pinturas, fotografias, documentos históricos, objetos, performances, instalações e vídeos de artistas como Alberto Pitta, Heitor dos Prazeres, Januário Garcia, Maria Auxiliadora, Nelson Sargento, e Walter Firmo, além de 12 trabalhos inéditos, de artistas como Coletivo Lentes Malungas, Eneida Sanches, Lidia Lisboa, Lita Cerqueira, Manuela Navas, Maurício Pazz, Rafael Galante e Rainha Favelada.

A mostra também apresenta um recorte de sonoridades e musicalidades, tanto do universo das festas e festejos brasileiros quanto das intervenções do DJ Machintown e do trombonista Allan Abbadia, além de registros fonográficos da discoteca pessoal de Lélia. Parte do acervo do Instituto Memorial Lélia Gonzalez (IMELG), a coleção reúne álbuns de artistas como Wilson Moreira e Nei Lopes, Luiz Gonzaga, Tamba Trio, Clementina de Jesus, Jamelão e Lazzo Matumbi​

Partindo de conceitos teóricos desenvolvidos por Lélia Gonzalez, como a categoria político-cultural de amefricanidade – termo cunhado pela acadêmica em contraposição à ideia hegemônica de afro-americanidade para, segundo ela, “ultrapassar as limitações de caráter territorial, linguístico e ideológico” e redimensionar a influência da diáspora atlântica para a formação das Américas do Sul, Central, do Norte e Insular –, a mostra convida o público à compreensão do potencial da cultura popular afro-brasileira como tecnologia de identidade e resistência.

Com curadoria de Glaucea Britto e Raquel Barreto, a exposição foi inspirada pelas proposições feitas por Lélia Gonzalez em Festas populares no Brasil. Único título publicado em vida pela intelectual exclusivamente como autora, o livro foi publicado originalmente em 1987. A obra não foi oficialmente lançada no mercado, tendo sido patrocinada por uma empresa multinacional e distribuída como presente de fim de ano. No mês de abertura da exposição, a publicação ganhará nova edição da Boitempo, a primeira voltada à circulação no mercado editorial. Com textos da acadêmica que evidenciam laços indissociáveis entre Brasil e África por meio de manifestações populares como o Carnaval, o Bumba-Meu-Boi, as Cavalhadas e festas afro-brasileiras como as Congadas e o Maracatu, a obra reúne mais de cem imagens de cinco fotógrafos: Leila Jinkings, Marcel Gautherot, Maureen Bisilliat, Januário Garcia e Walter Firmo (os dois últimos, integrando a exposição). A nova edição inclui também materiais inéditos, textos de apoio, fac-símiles, prólogo de Leci Brandão, prefácio de Raquel Marreto, posfácio de Leda Maria Martins, texto de orelha de Sueli Carneiro e quarta capa de Angela Davis e Zezé Motta.

Serviço
Exposição | Lélia em nós: festas populares e amefricanidade
De 27 de junho a 24 de novembro
Terça a sexta, das 10h às 21h; aos sábados, das 10h às 20h; domingos e feriados, das 10h às 18h

“A arte e a medicina estão intrinsecamente ligadas. Ambas exigem um olhar atento, uma mão precisa e, acima de tudo, atenção aos detalhes. Detalhes estes que me fizeram desenvolver uma técnica que intitulei “risca e rabisca”, que se trata de uma grande quantidade de minúcias, na forma de milhares de pequenos desenhos”, conta Kuroiwa.

O resultado da técnica é uma obra que convida espectadores a duas contemplações. À distância, o observador vislumbra o tema central de uma narrativa múltipla, como uma paisagem, uma figura humana e até figuras criadas a partir da imaginação do autor. Ao se aproximar, contudo, há uma multiplicidade de narrativas distintas, na forma das centenas de pequenos desenhos interligados, que convidam o observador a interpretar a criação a partir de suas próprias vivências e emoções.

A mão precisa, por sua vez, é explorada na técnica do bordado, presente em quatro obras expostas na mostra. “Nesta técnica, a agulha substitui o pincel, e as linhas multicoloridas as tintas”, explica o artista.

“Costumo dizer que é impossível esperar que alguém se emocione com uma obra sem que você mesmo a crie com emoção. Por isso, espero que aqueles que puderem comparecer à exposição possam, na rede de metáforas, alegorias e hipérboles, decifrar todas as histórias que se entrelaçam”, conclui.

Serviço
Exposição | Em Detalhes
De 29 de junho a 27 de julho
Segunda a sexta, das 9h às 18h. Aos sábados, das 9h às 17h

“Pensar a natureza por meio da arte é um caminho magnífico para sensibilizar as pessoas sobre sua importância, e Efrain Almeida desenvolve um trabalho poético em torno deste tema como poucos”, afirma a secretária de Estado da Cultura, Luciana Casagrande Pereira. “É uma honra para o Paraná receber, no MON, essa exposição individual que com certeza vai nos emocionar e nos conectar não apenas com a natureza, mas também com a cultura popular do sertão brasileiro”, comenta.

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, explica que ao realizar essa inédita exposição o Museu Oscar Niemeyer traz um jardim para o interior da sala expositiva. “Aqui certamente haverá uma troca silenciosa entre artista e visitante”, diz

Ela ressalta que, “numa feliz coincidência”, a exposição “O Jardim” acontece simultaneamente à instalação do projeto “MON sem Paredes”, em que o Museu rompe o seu limite físico. Com um parque de esculturas interativas na área externa, o MON abraça o público e o convida a entrar.

“Com seus pássaros, casas, ninhos, árvores e diversos outros animais, Efrain nos conecta a uma natureza íntima, o que pode servir como um antídoto ao esquecimento e às efemeridades contemporâneas. Esculturas, instalações, pinturas e bordados evocam cenas simples que nos fazem entrar em contato com a nossa essência”, afirma Juliana.

O curador Bitu Cassundé explica que a exposição, além de apresentar diferentes períodos da produção de Efrain, compreende também a transição que se estabelece nos projetos escultóricos do artista. “Vai da produção em madeira ao bronze, além de contemplar outras técnicas trabalhadas por ele, como pintura, bordado e desenho”, comenta.

A exposição dá prosseguimento à pesquisa que se inicia em 2020 e se desdobra no documentário “Ensaio para outros Instantes” (2021) e na exposição Encarnado (2023), apresentada no Centro Cultural do Cariri, em Crato (CE). “Ambos os trabalhos discutem o corpo, o sagrado e o território a partir de Canindé e Juazeiro do Norte, importantes centros religiosos daquele estado”, informa Cassundé.

Serviço
Exposição | Fazer muitas coisas com uma coisa só
De 29 de junho a 04 de agosto
Terça, das 9h às 20h, Quarta a sexta, das 9h às 17h | Último sábado do mês, das 10h às 16h

A Galeria Alma da Rua I inaugura a exposição “Antigos Agoras” do artista Rocket, com abertura marcada para o dia 29 de junho, às 16h. A mostra fica em cartaz até 31 de julho, oferecendo ao público uma perspectiva única sobre a evolução da arte urbana e as influências que moldaram o trabalho do grafiteiro.

“Antigos Agoras”, sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap, propõe uma reflexão sobre cenas e ideias que evocam memórias e experiências passadas, muitas vezes despercebidas no cotidiano. Este conceito dialoga com a história da arte urbana, que sempre buscou capturar e refletir as dinâmicas sociais e culturais das cidades. A técnica de Rocket, que utiliza humanoides como elemento central, propõe uma nova interpretação da figura humana e suas interações com o espaço e as cidades. Seu estilo se alinha à tradição da arte de rua, que historicamente tem sido uma forma potente de expressão e resistência cultural.

Rocket, nascido no bairro Jardim São Pedro, no extremo leste de São Paulo, iniciou sua prática no grafite em 2006. Suas primeiras influências vieram do movimento Hip-Hop, dos amigos e da rebeldia típica da adolescência. Integrante da crew de grafite OTM, Rocket desenvolveu um estilo distintivo que se concentra na criação de personagens humanoides, caracterizados por traços respingados, cores vibrantes e anatomias não convencionais.

A exposição na Galeria Alma da Rua I oferece uma oportunidade valiosa para explorar a trajetória do grafite e sua influência na cultura contemporânea. A galeria, conhecida por seu apoio à arte urbana e seus criadores, reafirma seu compromisso com a promoção e valorização deste movimento cultural.

Serviço
Exposição | Antigos Agoras
De 29 de junho a 31 de julho
Segunda a domingo, das 10 às 18h

A exposição de Dragos tem organização da galeria em parceria com Laymert Garcia dos Santos, que também assina o texto crítico, e procura promover uma recuperação histórica desse artista singular, que viveu e produziu durante mais de quatro décadas no Brasil, reunindo um conjunto de pinturas de uma de suas fases mais expressivas, datada principalmente da década de 1980. Junto às pinturas de Dragos, serão apresentadas de maneira inédita no Brasil as impressionantes esculturas em cerâmica de Seyni Awa Camara, comentadas em texto crítico de Luciara Ribeiro. Oriundos de realidades distintas, as pinturas de Dragos e as esculturas de Seyni encontram-se pela primeira vez no mesmo espaço, uma oportunidade que procura refletir de que maneira o inconsciente se expressa através dasformas. A expografia é assinada por Lucas Jimeno Dualde.

Nascido em 1931 em Cetatea-Alba, cidade romena na Bessarábia que fazia parte da União Soviética na época, Nicolai Dragos entrou no cenário artístico de seu país ainda jovem, em Bucareste. No final da década de 1940, já interessado em estudar pintura, conheceu Rudolf Schweitzer-Cumpana (1886–1975) e Corneliu Baba (1906–1997), dois dos pintores mais relevantes de seu país. Nesse período, desenvolveu interesse também pelo expressionismo, realizando em 1952 uma viagem à Bruxelas que se tornaria seminal em seu percurso artístico. Permaneceu dois meses estudando na capital belga, onde teve contato com a obra de protagonistas do conhecido grupo CoBrA, formado por artistas de Copenhage, Bruxelas e Amsterdam. O grupo ofereceu novas referências estéticas para Dragos, com práticas semi-figurativas e gestuais e, no limite, toda uma relação com o método e a fatura da pintura com a qual o jovem artista se identificou, adotando nas décadas posteriores.

A partir de sua primeira individual em Bucareste em 1954, Dragos passou a participar de diversas individuais e coletivas em instituições e galerias de cidades como Sofía, Paris, Bruxelas, Düsseldorf, Colônia, Le Havre, Istambul, Varsóvia, entre outras. Emigrou para o Brasil junto à sua esposa em 1976, e, nos anos subsequentes, suas obras circularam por diversas exposições, mas já num período em que seu trabalho como médico patologista passava a ocupar maistempo de sua rotina, no que sua produção artística ficou em segundo plano – apesar do artista nunca ter parado de produzir.

Seyni Awa Camara é uma ceramista senegalesa, residente em Bignona, na região de Casamance, sul do país. Na comuna de Oussouye, na mesma região, passou a realizar os primeiros trabalhos com cerâmica, conhecimento transmitido ali de forma hereditária entre as mulheres, que historicamente produzem utilitários como cântaros, pratos e potes de tabaco. Seyni é um caso substancial que rompe com essa corrente milenar, indo além das produções características da região e produzindo esculturas nas quais figuram representações femininas totêmicas, com pequenas cabeças e corpos que se acumulam uns sobre os outros, o que confere altura às peças. Com uma obra permeada pelas tradições animistas do povo Diola (majoritário na região de Casamance), Seiny edifica seus trabalhos com ligações explícitas com o divino – também referente ao Islamismo, sua religião. Cria assim motivos que derivam principalmente das suas visões, abrangendo animais de diferentes escalas e híbridos de bicho-gente.

Tanto Dragos quanto Seyni trabalham o inconsciente, ainda que criando diferentes resultados em suportes distintos. Na pintura de Dragos, sempre surge um figural que nunca se consuma numa figura acabada, enquanto Seyni cria suas esculturas no sentido oposto, engendrando signos variados no topo de suasfigurastotêmicas. Ambos os artistas exploram, cada qual em sua linguagem, o âmago do gesto. Dragos trabalha a partir de um caráter embrionário na pintura, realizando suas obras com as telas pintadas diretamente no chão, enquanto Seyni cria suas esculturas concebendo o seu animismo que lhe é particular, representando e aludindo seus antepassados para dar caminho às gerações porvir. Em diferentes latitudes, os artistas exploram os limites do sublime, onde tudo se cria e se deforma. Criadores de realidades inimagináveis, os dois artistas sugerem, aqui, representações das formas múltiplas de seus inconscientes.

Serviço
Exposição | Nicolai Dragos e Seyni Awa Camara
De 20 de junho a 03 de agosto
Segunda a domingo, das 10 às 18h

Prestes a celebrar 50 anos de carreira o artista Luiz Braga inaugura sua quinta exposição individual na Galeria Leme, em uma parceria de longo tempo. A mostra Luiz Braga: Colorista apresenta um recorte na produção do artista, focado muito mais na cor do que na temática social de seu trabalho. Neste cenário, Braga se desprende da figuração e mergulha nas cores ocultas do cotidiano de sua terra, o Pará.

Os diálogos propostos na mostra ilustram esta vertente do trabalho do artista, encontrando intersecções com obras pictóricas de Paulo Pasta e Alfredo Volpi, nas quais aproxima suas fotografias às técnicas da pintura. Para isso, Braga realça o campo de luz da região como uma materialidade pincelada pelas lentes de sua câmera.

Em uma região como Marajó, onde nas pequenas vilas ribeirinhas as casas não tem números mas sim cores diferentes para sua identificação, Luiz explora toda esta luz e a riqueza desta vasta paleta exibida na ilha e em seu cotidiano.

Luiz Braga não é fotógrafo por denominação, mas sim por ser – como ele próprio diz – “um pintor que escolheu a câmera, assumindo o desafio que seria pintar com a luz.”

Serviço
Exposição | Luiz Braga: Colorista
De 29 de junho a 10 de agosto
Terça a sexta, das 10h às 19h, sábados, das 10h às 17h.

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta a exposição Catherine Opie: o gênero do retrato, com obras de um dos principais nomes da fotografia internacional contemporânea. Catherine Opie (Sandusky, Ohio, EUA, 1961) foi uma das precursoras na discussão sobre questões de gênero entre o fim dos anos 1980 e o início dos anos 1990. Sua produção dialoga com a tradição do retrato – um dos mais tradicionais gêneros da pintura ocidental – de modo a dar legitimidade a novos corpos, subjetividades e experiências que emergem na sociedade contemporânea. Em suas fotografias, Opie retrata diversas expressões e subjetividades de indivíduos e coletivos que se identificam com gêneros e orientações sexuais diversas, especialmente pessoas queer.

Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Guilherme Giufrida, curador assistente, MASP, a mostra é a primeira da artista no Brasil, e reúne 63 fotografias de suas séries mais emblemáticas, desenvolvidas ao longo de mais de três décadas. Os retratos de Opie figuram ao lado de 21 importantes pinturas da coleção do MASP, entre elas, de Pierre-Auguste Renoir, Hans Holbein, Anthony van Dyck e Van Gogh. As obras são apresentadas em diálogo com o objetivo de acentuar os diálogos, tensões e reformulações aos quais o trabalho de Opie se propõe, além de desdobrar a predileção pela arte figurativa, marca da coleção do museu.

A artista explora o gênero clássico do retrato assumindo algumas de suas características, – fundo neutro, os gestos com as mãos, as expressões e os enquadramentos – e adiciona novos elementos, como a diversidade de gênero, as práticas sexuais, os corpos distintos e os relacionamentos familiares homossexuais. “É fundamental que todos os seres humanos sejam legitimados, isso é necessário para a inclusão de todas as pessoas, para a humanidade. Ao utilizar a estética tradicional do retrato, conforme a minha visão sobre a retratística, busco manter o espectador envolvido na obra durante a observação. Além disso, é uma forma de redefinir o corpo queer dentro de uma formalidade conhecida, e não tratar apenas de uma fotografia documental”, comenta Catherine Opie.

Serviço
Exposição | Catherine Opie: o gênero do retrato
De 05 de julho a 27 de outubro
Terças grátis e primeira quinta-feira do mês grátis; terças, das 10h às 20h (entrada até as 19h); quarta a domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h); fechado às segundas.

Luise Weiss apresenta em “Paisagens Desconhecidas” mais de trinta novas pinturas em acrílica sobre tela ou painel de madeira. Com curadoria de Fernando Stickel, a mostra reúne, além desses quadros, xilogravuras e fotomontagens, refletindo de forma ampla a produção artística desta fotógrafa, gravadora, pintora e professora de renome.

Suas obras expressam lembranças de viagens que nunca fez, de lugares que pode até ter conhecido ou visto, mas que foram se tornando apenas sensações. Fotografias antigas de família são referência fundamental em seu trabalho, em especial a partir de 2001, quando visita a Áustria, terra de seus antepassados, e refotografa alguns dos locais onde viveram.

Luise Weiss é natural de São Paulo e graduada em artes plásticas pela ECA/USP, onde concluiu mestrado e doutorado, este com a tese “Retratos Familiares: in Memorian”. Construiu uma carreira docente notável lecionando na Pinacoteca do Estado de São Paulo, nas universidades Faam, Mackenzie e Unicamp, na qual desenvolveu sua livre-docência. Foi agraciada com a Bolsa Vitae pelo projeto “Fragmentos”.

PAISAGENS DESCONHECIDAS
Texto do curador Fernando Stickel

A saga de Luise Weiss continua nos mares revoltos, no desconhecido, na angústia. Mas ela fala também de uma viagem que nunca fez, que lugares são esses? São lugares em que eu posso até ter vivido, posso ter visto.

– Eu nunca fui, esse porto não existe!

Algumas coisas são apenas sensações, lembranças de travessias, mares com temporais, com sensação de enjoo, medo e fascínio. Ela pensou muito nisso. Tem paisagens, baseadas em fotografias antigas PB que são um ponto de partida, ela fica observando e cria.

Luise sempre trabalhou com séries. Ela vê toda a produção como se estivesse observando um livro aberto. Não é só uma tela, são várias telas. Não é uma gravura somente, são várias. Uma coisa vai gerando a outra, de um porto a outro porto. Mesmo que o porto não exista.

Sua paleta reflete a inquietação do desconhecido, gosta de ocres, cinzas, pretos, com um súbito grito em vermelho! Em algumas pinturas coloca camadas com base no “momento”.

Entre abstração e figura, ela se sente muito mais atraída pela figura. Destaca que sempre trabalhou com pouco tempo, resistindo, abrindo o pouco tempo disponível para realizar suas criações. Tempo de sedimentar o que se quer fazer.

Mas operacionalizar a pintura é rápido! “Tem uma coisa da pincelada, que às vezes tem que ser mais rápida”. Algumas pinturas, resolve de primeira, outras necessitam de mais observação e interferência. As que precisam ser mexidas, ela mexe sem medo colocando camadas e relacionando pinturas e gravuras.

Serviço
Exposição | Paisagens Desconhecidas
De 29 de junho a 24 de agosto
Terça a sexta das 10h às 18h, sábados das 11h às 15h

A arte do pós-guerra buscou construir novas utopias a partir do fracasso dos projetos iniciais modernistas. As pesquisas abstratas se desenvolveram em diferentes lugares como resposta a essas necessidades. A migração de artistas e pensadores do velho mundo para às Américas pulverizou uma hegemonia europeia de séculos e transformou ambientes e trajetórias. Além disso, as inovações industriais mudaram definitivamente as relações de criação, produção e consumo

No Brasil, a década de 1950 consolida princípios modernos e uma promessa de nação que teve como símbolo a construção de Brasília. A interação com vanguardas internacionais extinguiu o regionalismo e ampliou as possibilidades no campo da criação abstrata. As experiências mais formalistas se organizaram em grupos, movimentos, manifestos e propostas teorizadas. Outros artistas se aventuraram em expressões mais gestuais, líricas, ou composicionais, com um destaque para a contribuição nipônica que incorporou tanto o grafismo dos ideogramas como a consciência do vazio própria datradição japonesa.

No ocaso das utopias modernas, o século XX se desenvolveu entre grandes conquistas sociais e democracias fragilizadas. As duas únicas telas pintadas por Oscar Niemeyer, presentes nesta exposição, retratam a capital federal em ruínas numa impactante imagem premonitória. Realizadas no trágico ano de 1964, elas ilustram o paradoxo entre o projeto e a realidade.

Esta mostra, realizada em 2023 no Rio de Janeiro e em itinerância agora em São Paulo, reúne produções de diferentes naturezas, matrizes e inquietações. Como provocação curatorial e objeto de estudo, são trajetórias fundamentais para a compreensão das bases que sustentam nossa produção artística contemporânea e que fazem partedas nossas tantas histórias da arte

Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto

Serviço
Exposição | Abstrações Utópicas
De 29 de junho a 31 de agosto
Terça a sexta-feira, de 11 às 19h, sábados, de 11 às 17h

Thalassa é, na mitologia grega, uma das primeiras a personificações femininas do mar Mediterrâneo, mãe de todos os peixes e seres que habitam a vida marítima. “Nesta série, o mar é o elemento central. Nas fotografias, às vezes, o autorretrato aparece fragmentado, e me corporifica como matéria frágil e forte da natureza. Utilizo sombras difusas, alto contraste, catalogação de seres marinhos que se metamorfoseam em outros seres, evocando uma ideia onírica no campo surrealista”, explica a fotógrafa, que recebeu apoio curadorial de Eder Chiodetto para esta exposição.

O Nova Fotografia é um projeto anual do MIS que seleciona, através de convocatória aberta ao público, seis novos fotógrafos para uma exposição individual no museu. A seleção fica a cargo do Núcleo de Programação, com supervisão e coordenação da curadoria geral do MIS. São selecionadas séries fotográficas inéditas, de profissionais que se destacam por sua originalidade técnica e estética. Após o período em exposição, as séries escolhidas passam a integrar o acervo do MIS.

Serviço
Exposição | Visita ao acervo #4 – Diálogos
De 02 de julho a 11 de agosto
Terças a sextas, das 10h às 19h, sábados das 10h às 20h, domingos e feriados, das 10h às 18h

Pelo segundo ano consecutivo, a Galeria 18 abre a exposição NOT SAMO fruto da seleção de portfólios que recebe periodicamente através de suas chamadas, trazendo 37 artistas de vários lugares do Brasil, apresentando diferentes técnicas e estilos.

“SAMO” é uma das abreviações mais difundidas do mundo da arte. Criada no início dos anos 80 por Jean-Michel Basquiat e Al Diaz, grafitada pelas ruas e muros de Nova Iorque, a tag era uma das formas que o artista utilizava para questionar o status quo da época. A sigla é uma abreviação da frase “same old shit”, “a mesma merda de sempre” em tradução livre.

NOT, “não” em português, foi somada à expressão de Basquiat, propondo que não seja a mesma ‘merda’ de sempre. Com a intenção de quebrar a bolha do circuito artístico, a ideia da coletiva anual NOT SAMO é trazer algo diferente do que sempre se vê, buscando artistas dos mais diversos lugares do Brasil, e de outros países, de diferentes técnicas e linhas de trabalho.

Nesta edição, participam da coletiva:

AL.MA; ALEX KÖRNER; CARMEN GARCIA; CAROLINA PRADO PINTO; CLÁU EPIPHANIO; CLAU PARANHOS; D.HELL; DANIEL KENZO; FABIOLLA CANEDO; GAB MAFRA; GEORGIA ABDALLA HANNUD; HELOIZE ROSA; ISABELA JAHA; IVONETE CAVALCANTE; JOÃO FRANÇA; JOSÉ GUILHERME BERARDO; LÍGIA TEIXEIRA; LILIAN WALKER; LUCAS WILD; MARAISA MARQUES; MÁRCIO PETINI; MARIA LUIZA TORAL; MARIANNE LÉPINE; MARIÊ; MARIO CAMARGO; NATHALIA TIVERON; OLAVO TENÓRIO; PAULO KURAZUMI; PAULODETARSO; PEDRO LEOBONS; RAFA DIÅS; REGINA PESSOA; RENATA BARRETO; ROBERTO MÜLLER; SHEE GOMES; THAYRONI ARRUDA; VINICIUS MONTE.

Sem nenhuma temática definida, a coletiva traz mais de 100 obras, entre elas: esculturas, intervenções, fotografias, bordado, colagem e colagem têxtil, pinturas sobre tela, papel ou madeira, desenhos, entre outros, com abordagem dos mais diversos temas que vão do feminino, ao deslocamento de arte urbana, representação de corpos distintos, críticas sociais, exploração de materiais e até registros culturais brasileiros. Sem ter em vista de onde estes artistas vem, a sua trajetória ou ponto na carreira, a NOT SAMO, busca trabalhos e nomes diferentes, representando o que a 18 acredita.

Serviço
Exposição | NOT SAMO
De 04 de julho a 03 de agosto
Terça a Sexta, das 11h às 20h, sábado, das 10h às 18h

É impossível refletir sobre a obra da artista e intelectual Lia D Castro (Martinópolis, São Paulo, 1978) sem falar de encontros, contrastes, fricções e transformações. A partir de 5 de julho, o público pode encontrar a exposição Lia D Castro: em todo e nenhum lugar, no MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand. A primeira mostra individual da artista em um museu reúne 36 trabalhos, sendo a maioria pinturas de caráter figurativo. As obras selecionadas exploram cenários onde o afeto, o diálogo e a imaginação se tornam importantes ferramentas de transformação social.

O título da exposição parte da constatação da ausência histórica de grupos minorizados em posições de poder e decisão — em nenhum lugar —, enquanto sua presença e força de trabalho compõem as bases que sustentam a sociedade — em todo lugar. Com curadoria de Isabella Rjeille, curadora, MASP, e Glaucea Helena de Britto, curadora assistente, MASP, a mostra apresenta trabalhos que abrangem toda a produção da artista.

Lia D Castro utiliza a prostituição como ferramenta de pesquisa e desenvolve sua produção a partir de encontros com seus clientes – homens cisgêneros, em sua maioria brancos, heterossexuais, de classe média e alta – para subverter relações de poder ou violência que possam surgir entre eles, aliando história de vida e história social. Temas como masculinidade e branquitude, mas também afeto, cuidado e responsabilidade, são abordados nessas ocasiões e resultam em pinturas, gravuras, desenhos, fotografias e instalações criadas de modo colaborativo.

Nesses momentos, ela conversa com esses homens e os convida a refletir: quando você se percebeu branco? E quando se descobriu cisgênero, heterossexual? “Perguntas sobre as quais a artista não busca uma resposta definitiva, mas sim provocar um posicionamento dentro do debate racial, sobre gênero e sexualidade”, afirma a curadora Isabella Rjeille.

As conversas de Lia D Castro com esses homens são permeadas por referências a importantes intelectuais negros como Frantz Fanon, Toni Morrison, Conceição Evaristo e bell hooks. Frases retiradas dos livros desses autores, lidos pela artista na companhia de seus colaboradores, são inseridas nas telas e misturam-se aos gestos, cenas, cores e personagens. O trabalho de Lia D Castro torna-se um lugar de encontro, embate e fricção, no qual ações, imagens e imaginários são debatidos, revistos e transformados. Com frequência, a artista insere referências a outros trabalhos por ela realizados, incluindo-os em outro contexto e, consequentemente, atribuindo novos significados e leituras a essas imagens.

“Partindo da visão de Frantz Fanon de que o racismo é uma repetição, eu proponho combatê-lo com a repetição de imagens. Como a imagem constrói cultura e memória, ao colocar uma obra dentro da outra, busco criar novas referências estéticas”, comenta a artista.

PINTURAS E METODOLOGIA ARTÍSTICA

A produção de Lia D Castro é organizada em séries, sendo a maior delas Axs Nossxs Filhxs, presente nesta exposição. Desenvolvida na sala de estar e ateliê de Lia D Castro, um lugar de encontro e trocas, comerciais, intelectuais e afetivas, a série apresenta um processo criativo marcado por escolhas coletivas, da paleta de cores à assinatura das obras. A repetição é uma característica central: por meio desse recurso é possível reconhecer gestos, personagens e situações, assim como outras obras da artista que aparecem representadas nas telas, acumulando significados. A utilização do “x” no título da série se refere à diversidade de formações familiares e vínculos afetivos para além do parentesco consanguíneo ou da família heterossexual monogâmica. O uso do “x” também é utilizado para abarcar diferentes gêneros.

Lia D Castro também se retrata em pinturas dessa série. Enquanto os homens estão nus, ela encontra-se vestida. Seu corpo é coberto por esparadrapos colados sobre a tela formando um longo vestido branco, na contramão da tradição histórica da pintura ocidental, em que a grande maioria dos nus são femininos.

A artista subverte também pintando esses personagens em momentos de pausa, descanso, lazer, leitura e contemplação. “O caráter político da obra de Lia D Castro questiona o imaginário social que vincula violência e subalternidade a corpos não hegemônicos na arte ocidental”, afirma a co-curadora Glaucea Helena de Britto.

Lia D Castro: em todo e nenhum lugar integra a programação anual do MASP dedicada às Histórias da diversidade LGBTQIA+. Este ano a programação também inclui mostras de Gran Fury, Francis Bacon, Mário de Andrade, MASP Renner, Catherine Opie, Leonilson, Serigrafistas Queer e a grande coletiva Histórias da diversidade LGBTQIA+.

Exposição | Lia D Castro: em todo e nenhum lugar
De 5 de julho a 17 de novembro
Terças grátis e primeira quinta-feira do mês grátis; terças, das 10h às 20h (entrada até as 19h); quarta a domingo, das 10h às 18h (entrada até as 17h)

Através da iniciativa DAN Acredita, artistas com produção consistente e que se dedicam exclusivamente às artes visuais, são incorporados, ganham visibilidade e passam a ser representados pela Dan. Nesta jornada, Senk é um artista em ascensão, escolhido via projeto “Do Atelier Direto a Você” do Parque Global Cultural, idealizado por Dinda Bueno Netto e Katia D’Avillez.

“Veredas” tem curadoria de Carolina Splendore e reflete a natureza diversificada e dinâmica da arte contemporânea brasileira. Com cerca de 20 obras, entre pinturas, instalações e três esculturas, a exposição abre no dia 6 de julho, às 11 horas, com cerimônia especial e prolonga-se até 6 de outubro. Ao longo da mostra, visitas guiadas, palestras com artistas e oficinas para os visitantes interagirem com as obras de arte e com o processo criativo do artista. De acordo com Splendore – “Nas obras de Senk, o terreno é fértil, mesmo que árido. Ele nos convida para seus caminhos: áreas úmidas e alongadas do sertão que, assim como seus personagens, são cheias de vida. Suas figuras arredondadas carregam o tempo, seja nos colares-relicário, nos porta-retratos ou nas garrafas de cachaça quase vazias; o tempo é um traço de memória e um precursor de um devir constante”.

As vistas oblíquas, por vezes fechadas para o exterior, são, na sua maioria, intercaladas por janelas com treliças de finas barras de madeira que formam vãos, impedindo quem está de fora de ver quem está dentro. É como se seus personagens pudessem ver sem serem vistos, mesmo que aqui exibidos. Nesses caminhos, Senk esclarece o que escreveu Guimarães Rosa: “O sertão tem o tamanho do mundo. Mas em certos lugares, à beira dos caminhos, crescem buritis”.

Fabiano Senk (n.1992) é um pintor figurativo urbano radicado em São Paulo. Utiliza paleta de cores sonhadoras de azuis, amarelos e rosas, cria obras de rua e pinturas em tela. Seu processo criativo está profundamente enraizado nas suas observações da vida cotidiana e suas memórias afetivas de um Brasil profundo, sua família é oriunda do Vale do Jequitinhonha. As pinturas muitas vezes irrompem em paisagens misturadas com figuras, contando a história de onde veio, das pessoas que conheceu e da pessoa que costumava ser. Embora se aprofunde em emoções mais complexas em seu trabalho, ele afirma que muitas vezes incorpora o sentimento de melancolia, mas que ‘é diferente da tristeza porque é mais bonito’. As obras que divulga pelas ruas de São Paulo tendem a ter conotações políticas, pois tenta ampliar as perspectivas das pessoas de sua comunidade. Os murais de rua muitas vezes se relacionam com uma crítica política e social.

“A provocação presente na minha arte vem de uma indignação com alguns aspectos da sociedade. Temos muito a melhorar como cidade, como sociedade e como país. Pequenas provocações fazem um papel positivo na arte. O questionamento tem que estar ali”, afirma Senk.

Serviço
Exposição | Veredas
De 06 de julho a 06 de outubro
Quinta a domingo das 14h às 19h

No dia 10 de julho, o MIS, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a exposição “O gosto da guerra”, que apresenta uma seleção de fotografias sobre a história do repórter José Hamilton Ribeiro na Guerra do Vietnã. No mesmo dia, em parceria com a Companhia das Letras, o Museu realiza o lançamento da nova edição do livro homônimo, seguido de um bate-papo com o autor e a jornalista Patricia Campos Mello.

Com curadoria de Teté Ribeiro, a exposição “O gosto da guerra” traz imagens registradas pelo premiado jornalista José Hamilton Ribeiro e pelo fotógrafo que o acompanhou na cobertura, o japonês Keisaburo Shimamoto. Além disso, a mostra destaca o trabalho de cinco outros correspondentes de guerra do século 20, que cobriram outros conflitos: André Liohn, Hélio de Campos Mello, Juca Martins, Leão Serva e Yan Boechat. As fotografias oferecem uma visão direta e impactante dos conflitos armados, retratando a realidade e os custos humanos da guerra.

No dia 10 de julho, o MIS, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugura a exposição “O gosto da guerra“, que apresenta uma seleção de fotografias sobre a história do repórter José Hamilton Ribeiro na Guerra do Vietnã. No mesmo dia, em parceria com a Companhia das Letras, o Museu realiza o lançamento da nova edição do livro homônimo, seguido de um bate-papo com o autor e a jornalista Patricia Campos Mello. 

Com curadoria de Teté Ribeiro, a exposição “O gosto da guerra” traz imagens registradas pelo premiado jornalista José Hamilton Ribeiro e pelo fotógrafo que o acompanhou na cobertura, o japonês Keisaburo Shimamoto. Além disso, a mostra destaca o trabalho de cinco outros correspondentes de guerra do século 20, que cobriram outros conflitos: André Liohn, Hélio de Campos Mello, Juca Martins, Leão Serva e Yan Boechat. As fotografias oferecem uma visão direta e impactante dos conflitos armados, retratando a realidade e os custos humanos da guerra.  

  Sobre o livro “O gosto da guerra” 

José Hamilton Ribeiro foi um dos raros jornalistas do país a entrar no Vietnã durante os conflitos que, por quase duas décadas, fizeram tremer o Sudeste Asiático — e abalaram o mundo, que não seria o mesmo depois da humilhante derrota da maior potência militar global, as forças armadas dos Estados Unidos.   

 Narrada em tom coloquial, na qual não faltam ironias, a reportagem sobre o Vietnã de José Hamilton Ribeiro (ele mesmo uma baixa do conflito, após pisar em uma traiçoeira mina na Estrada sem Alegria) capta toda a dimensão trágica dessa guerra desigual e insere o autor na tradição do jornalismo literário ao lado de grandes nomes da imprensa internacional.  

Nesta edição revista e ampliada de “O gosto da guerra”, o texto original vem acompanhado por outra reportagem de José Hamilton, também escrita em 1968, em que ele narra seus primeiros dias no Vietnã, além de colaborações do autor para a revista Realidade, que dão uma amostra do tipo de jornalismo praticado por ele e explicam por que Hamilton é o repórter mais premiado do Brasil. Além disso, a obra conta com posfácio de Patrícia Campos Mello.  

José Hamilton Ribeiro foi um dos raros jornalistas do país a entrar no Vietnã durante os conflitos que, por quase duas décadas, fizeram tremer o Sudeste Asiático — e abalaram o mundo, que não seria o mesmo depois da humilhante derrota da maior potência militar global, as forças armadas dos Estados Unidos.

Narrada em tom coloquial, na qual não faltam ironias, a reportagem sobre o Vietnã de José Hamilton Ribeiro (ele mesmo uma baixa do conflito, após pisar em uma traiçoeira mina na Estrada sem Alegria) capta toda a dimensão trágica dessa guerra desigual e insere o autor na tradição do jornalismo literário ao lado de grandes nomes da imprensa internacional.

Nesta edição revista e ampliada de “O gosto da guerra”, o texto original vem acompanhado por outra reportagem de José Hamilton, também escrita em 1968, em que ele narra seus primeiros dias no Vietnã, além de colaborações do autor para a revista Realidade, que dão uma amostra do tipo de jornalismo praticado por ele e explicam por que Hamilton é o repórter mais premiado do Brasil. Além disso, a obra conta com posfácio de Patrícia Campos Mello.

Serviço
Exposição | O gosto da guerra
De 10 de julho a 26 de julho
terças a sextas, das 10h às 19h, sábados, das 10h às 20h, domingos e feriados, das 10h às 18h

A exposição “Esplendor”, que reúne artistas de 20 a 80 anos, é uma ponte de gerações em diálogo, quase um recorte da cena paulistana e suas reflexões nas artes, entre beleza, leveza, dúvida e solidão.

A mostra, com curadoria de Lilian Bado, reúne cerca de 150 obras, em sua maioria bidimensionais, entre pintura, gravura, desenho e algumas excentricidades em técnica mista, instalação e vídeo.

Os artistas são: Ana Luiza Álvares; Carolina Velasquez; Fabiola Racy; Joaquim Pinkalsky; Lu Martins; Luiz Basile; Maria Villares; Nina Moraes; Otávio Barata; Rodrigo Pimenta; Rui Versiani; Shaolin; Soraia Dias e Ulysses Bôscolo.

“A exposição “Esplendor” é sobre a alma humana, a complexidade das emoções, a contradição da razão e do coração, a criatividade para fazer coisas belas, a possibilidade de admirarmos a nossa própria criação enquanto humanidade. Na origem do projeto estava mostrar a beleza e a leveza nas artes, mas ao visitar os ateliês dos artistas, apareceram o medo, a dúvida, a solidão, a morte. Além de momentos entre o sensual, a excitação e o obsceno do sexo, apresentados em um Gabinete Erótico”, explica a curadora Lilian Bado, mestre em Teoria de Arte Contemporânea pela Goldsmiths – Londres e diretora d’A Outra Feira de Arte Contemporânea.

“É uma preocupação, quase uma missão, da Casa do Jasmin Arte dar visibilidade a artistas que o mercado não procura mais, como mulheres e homens mais maduros, além de jovens talentos, ainda à margem do mercado” explica Sofia Carvalhosa, diretora do espaço.

Serviço
Exposição | Esplendor
De 13 de julho a 03 de agosto
Quinta a sábado, das 12h às 18h

Para a artista Anny Lemos, suas obras são representações de “metáforas da casa”, ou seja, nessa simbologia, espectadores diagramam olhares sobre as cenas recortadas. São pequenos cantos com móveis querendo transgredir o espaço (Fig. 1, Canto com planta, 2020), intensidades luminosas em superfícies chapadas matizadas por formas luminosas (Fig. 2, Quem permanence quando termina a dança?, 2024), ou detalhes do cotidiano (Fig. 3, Chaveiro, 2022).

Ao visitante da mostra, nos intervalos dessa arquitetura de sofás, tapetes, cadeiras, janelas, plantas, abajurs, outras camadas se dão a ver. São nervuras que filtram um invisível como reflexo de presenças e ausências, do fixo e do fugidio, do visto e da dúvida sobre o que é visto.

Em suas palavras, Anny afirma que se interessa pelos campos perceptivos se uma poética do habitar, com a qual a visualidade de um mundo interior flui pelas janelas do olhar.

A partir de 2012, Suzana Barboza inicia seus estudos em pintura, dedicando-se à construção de sua linguagem. Estuda com Paulo Pasta, pesquisa procedimentos e técnicas de artistas como Morandi, Mira Schendel, Eleonore Koch e Volpi, entre outros. Comum a esses, são as atmosferas criadas por Suzana que, ao acessar nossa percepção, nos aproxima de um tecido ordenado no silêncio, no tempo.

Sua palheta, muitas vezes esmaecida (Fig. 4, Sem título, 2024), constroi paisagens abstratas onde espaços de cor-luzes encontram-se sugerindo uma matéria etérea (Fig. 5, Sem título, 2023, Fig. 6, Sem título, 2024). Levados por essas deambulações estéticas, nos aproximamos, como descreve Suzana, de formas reduzidas às suas essências, intencionadas por questões sobre a impermanência do ser, suas imprecisões, derivas e flaneurismos.

Círculos imperfeitos, construídos com pinceladas aparentes tratados à tinta a óleo e cera, traduzem, então, o universo da artista.

Poderia ser um mero acaso, a curadoria colocar junto duas artistas vindas de formações diferentes:- Anny Lemos, artista visual pela UNESP (2010) e Suzana Barboza, arquiteta pela FAU USP (1994). No entanto, motivadas pela busca de diálogo com suas produções atuais, Anny e Suzana, em conversas sobre o projeto da mostra, fizeram surgir alguns passeios de fenômenos estéticos próprios da linguagem da pintura, os quais possibilitaram a motivação curatorial de colocar lado a lado certos trabalhos (Fig. 6, Sem título, 2024, Fig. 7, Aniversário, 2022), sem tratá-los apenas como linguagens figurativa ou abstrata (Fig. 8, Silêncio, 2022, Fig. 9, Sem título, 2024).

As artistas Anny Lemos e Suzana Barboza, ao criarem um diálogo entre si, sobre o mundo da vida e sobre correlações formais transformam Um dia, uma prosa um conto… em um ato que excede os limites de cada obra, motivando-nos com outros passeios estéticos.

Serviço
Exposição | Um dia, uma prosa, um conto
De 13 de julho a 10 de agosto
Terça a sexta-feira, das 13h às 19h; sábado, das 13h às 17h