A arquiteta paranaense Luciana Casagrande Pereira representa uma geração de mulheres que têm conquistado posições de destaque na esfera pública. Sua aparência delicada e jovial dissimula a personalidade determinada com a qual administra um espaço tradicionalmente dominado por homens. Há seis anos, ela exerce a liderança da Secretaria de Cultura do Paraná. Sua gestão é marcada por conquistas significativas, muitas delas consideradas pioneiras no cenário nacional, elevando a um outro patamar a produção artística do Paraná.
O interesse de Luciana pela cultura começou com as artes visuais. “Minha primeira emoção com a área aconteceu via televisão. Assistia a um documentário do Sesc sobre o artista espanhol Antoni Tàpies e, ao ver como ele se expressava com aquela energia e intensidade, fiquei tocada. Na hora decidi que era com aquilo que eu queria trabalhar.” Isso tornou-se uma prerrogativa na vida de Luciana. Após concluir o curso de arquitetura, dedicou-se a projetos culturais e, em seguida, integrou a Bienal Internacional de Arte de Curitiba, onde permaneceu por 10 anos. “Deixei a instituição ao perceber que era hora de renovação e decidi fazer uma pausa na carreira.”
Na manhã de 2 de dezembro de 2018, Luciana recebe uma ligação com mensagem do governador, Carlos Roberto Massa Júnior (Ratinho Júnior), que queria falar com ela. Surpresa, se perguntou: “O governador? Mas eu nem conheço o governador”. Horas depois estava frente a frente com ele, numa conversa que durou pouco mais de uma hora e, ao fim, veio o convite desafiador: assumir a Secretaria de Cultura do Paraná, com a missão de trazer um olhar mais amplo e inovador para a área. Desde o início, havia algo em comum entre eles. “Nós dois somos do interior. Eu nasci em Cascavel, e o governador também é interiorano. Conhecíamos bem a realidade da cultura no Paraná, que mantinha a maioria dos equipamentos do estado concentrada em Curitiba. Durante a conversa, ele fez uma provocação: “Amplie seu olhar para trabalhar por todo o Paraná”. E, no fim, lançou uma ideia inimaginável: “Quero trazer um museu internacional para o estado”.
Determinada a enfrentar o desafio, Luciana deu início a um planejamento. “Era dezembro, e eu assumi a pasta em janeiro, logo em seguida montei uma equipe com pessoas qualificadas. Como nunca fui da área política, procurei técnicos com currículos sólidos e, mais importante, que tivessem brilho nos olhos. Eu não confio em quem trabalha sem paixão.” Com essa combinação de visão e entusiasmo, deu início a uma jornada transformadora para a cultura do Paraná.
Um dos projetos mais ambiciosos de sua gestão é a criação de uma extensão do Centro Georges Pompidou (Beaubourg), em Foz do Iguaçu, na Tríplice Fronteira. O projeto arquitetônico é de Solano Benítez, paraguaio,que coleciona prêmios como SI Swiss Architectural Award 2007-2008 (SUI), AIA Honorary Fellowship 2012 (EUA) e um Leão de Ouro da Bienal de Veneza 2016 (Itália). Benítez vai trabalhar em colaboração com a equipe francesa. Outro marco da gestão de Luciana será a extensão do Museu de Arte Contemporânea (MAC) do Paraná dentro do complexo Fábrica de Ideias, antigo espaço da cervejaria Brahma/Ambev, em um bairro um pouco deteriorado de Curitiba. O local de 50 mil metros quadrados será transformado em um espaço arrojado para arte, tecnologia e economia criativa, mantendo elementos arquitetônicos originais para criar ambientes singulares.
O MAC possui um dos maiores arquivos especializados em arte moderna e contemporânea do Sul do Brasil. A nova diretora, Juliane Fuganti, está animada pelo que ainda está por vir nos próximos anos, assim como Luciana. A secretária adianta que a museografia do novo espaço será decidida por profissionais da área, mas não deve ter um caráter tradicional, e estará aberta a investigações experimentais. “Às vezes você precisa de um espaço mais alternativo dentro da expografia. Não estamos pensando em um projeto museal, focado apenas no cubo branco.” Neste contexto, o propósito é provocar experiências e não apenas se limitar a expor objetos e obras de arte. “Vamos manter a interação permanente entre museu e público. O governador é jovem e acredita no potencial transformador da arte. Ele tem esse entendimento do quanto a arte é importante na formação do cidadão”, comenta.
Quando Luciana assumiu a pasta, as contas da secretaria estavam em estado de atenção. No entanto, hoje ela garante que a situação é outra. “No princípio, quando as coisas estavam mais complicadas, eu pensava pequeno e queria equilibrar os cofres dentro do clássico expediente: corte de pessoas. Tive a sorte de ter um secretário da Fazenda eficiente e que ama a arte, vive nos concertos, teatros, exposições. Foi ele quem ajustou as finanças.” A partir daí, ela passou a trabalhar no desenvolvimento e fortalecimento da cultura pensando grande.
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Uma visita ao espaço da futura Fábrica de Ideias surpreende. O “esqueleto” da antiga Brahma chama a atenção pela autonomia formal ditada pelos equipamentos afins. Os antigos tanques cilíndricos, destinados ao armazenamento da cerveja e hoje retirados, criam vazios circulares imensos no piso, e nosso olhar liga alguns andares através desses gigantes orifícios, que o futuro projeto da Fábrica de Ideias deve incorporar, levando em consideração esses achados geométricos. O complexo tem pé-direito alto, espaços bem amplos e sem paredes, o que dá margem a eventos e atividades paralelas a uma exposição. O “passeio” de quase uma hora dá a dimensão da magnitude do lugar e das inúmeras possibilidades de ocupação.
O projeto arquitetônico de revitalização ainda não está pronto, mas um dos propósitos é transgredir os limites da mera contemplação, rumo a uma participação mais atuante do público. A área construída está estimada em torno de 34 mil metros quadrados e quase equivale à mesma dimensão de cada um dos três andares do Pavilhão da Bienal de São Paulo. A arquitetura, com os rastros da edificação original, dá sinais de que o lugar deve atrair muita gente interessada em arte, comunicação, inteligência artificial, tecnologia e economia criativa, forças motrizes desse projeto transformador.
A Secretaria da Cultura não está sozinha no megaempreendimento, ela faz parte de uma ação conjunta com mais de dez secretarias estaduais, entre elas: Inovação, Modernização e Transformação Digital, Planejamento. Luciana lembra que o governador veio da área da comunicação, e o gabinete dele é que vai se ocupar do Museu da Comunicação que estará ligado ao Museu da Imagem e do Som e Arte digital. “As coisas foram crescendo e o projeto ampliado. Um dos marcos dessa iniciativa será uma grande praça central que vai homenagear Alfred Agache, o idealizador do plano diretor de Curitiba, na gestão do Jaime Lerner.” Paralelamente, o conceito de retrofit, que revitaliza estruturas históricas, vai garantir que a identidade original do espaço seja preservada, enquanto novas funcionalidades o adaptam à contemporaneidade.
Os curitibanos são orgulhosos de seus personagens importantes e alguns deles serão eternizados nos muros da Fábrica de Ideias. Luciana cita os irmãos André e Antônio Rebouças, que dão nome ao bairro e foram os engenheiros responsáveis pela construção da linha férrea ligando Curitiba ao Litoral. “Também serão homenageados o físico e cientista curitibano César Lattes e o precursor da aviação Alberto Santos Dumont, um dos responsáveis pela criação do Parque Nacional do Iguaçu.”
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Pergunto à secretária quanto vai custar esse megaempreendimento e ela garante que eles vão receber cerca de R$ 200 milhões em investimentos, com apoio da Audi do Brasil. Minha conversa com Luciana se alonga e percebo que não se trata de um projeto restrito, dedicado a um segmento da sociedade curitibana. Ao contrário. É amplo e recheado de complexidades, misturas, contrastes e diferenças. A utilização audaz da tecnologia não passará imune e já virou a chave da cultura de Curitiba. Luciana é uma líder visivelmente orgulhosa de seu fazer e de tantas iniciativas desafiadoras que estão por se concretizar até 2026. Curitiba tem cerca de 2 milhões de habitantes e a Secretaria de Cultura conta com bons equipamentos, entre outros: Teatro Guaíra (1954), Museu Oscar Niemeyer- MON (2002), Museu da Imagem e do Som-MIS (1969), Museu Paranaense-Mupa (1876), um dos mais antigos do Brasil, entre outros. O Estado ainda conta com a Bienal Internacional de Arte de Curitiba (1993).
Neste momento, o grande objetivo de Luciana está voltado para as celebrações do Ano do Brasil na França e da França no Brasil, com eventos programados para ocorrer entre maio e dezembro, dividindo-se igualmente em quatro meses em cada país. Luciana, acompanhada do governador, realizou uma viagem estratégica à França e obteve um marco significativo: a confirmação de uma apresentação da prestigiosa Ópera de Paris no Teatro Guaíra. Esse feito é resultado de intensas negociações bilaterais e abre caminho para um projeto de grande envergadura no Paraná, envolvendo uma parceria inédita. As tratativas continuam em curso, e a secretária manifesta sua visão ambiciosa para o futuro: “Assim como Santa Catarina abriga o Bolshoi, almejamos estabelecer a Ópera de Paris no Paraná. Queremos nos posicionar como protagonistas das comemorações do Ano da França no Brasil.”
O ápice dessa iniciativa está previsto para outubro de 2025, quando a renomada Ópera de Paris realizará um concerto conjunto com a Orquestra Sinfônica do Teatro Guaíra, marcando um momento histórico para a cultura paranaense e brasileira.
Fotógrafo, nascido no Cariri (Ceará) no seio de uma família com forte atuação política, Tiago Santana, 58, é um dos mais renomados autores a documentar a vida e cultura do sertão nordestino nas últimas décadas. Seja na premiada série Benditos (2000) ou nos fotolivros O Chão de Graciliano (2006), Patativa do Assaré(2010) e O céu de Luiz (2014), o artista consolidou-se como referência neste campo e, inclusive, foi um dos únicos dois brasileiros (junto a Sebastião Salgado) a ter um trabalho (Sertão, 2011) publicado na renomada revista francesa Photo Poche.
Dito isto, Santana sempre foi também um militante cultural, como gosta de dizer, ou seja, um sujeito atuante na defesa e promoção das artes na sociedade, consciente de seu potencial transformador humana, social e economicamente. O fato é que quando seu irmão, Camilo Santana (PT), elegeu-se governador do Ceará, no final de 2014, Tiago decidiu participar mais de perto da vida política e usou este espaço para lutar pelo setor cultural durante a gestão – que acabou por se estender com a reeleição de Santana em 2018 e, na sequência, com a eleição do também petista Elmano de Freitas, atual governador.
Foram quase 10 anos de atuação informal, ou seja, sem um cargo específico, nos quais houve grandes avanços na área. Junto a qualidade da educação pública no Ceará (não à toa Camilo Santana se tornou ministro da pasta na atual gestão federal), Tiago afirma que a política cultural no Estado também foi fortalecida, tendo seu orçamento aumentado até mesmo na pandemia. A cultura chegou a mais gente com a criação de novos equipamentos de ponta não só na capital, Fortaleza, mas em outras áreas do Estado.
Para geri-los, em 2021 foi criado o Instituto Mirante de Cultura e Arte, Organização Social (OS) que Tiago ajudou a fundar e na qual assumiu a direção em 2023, após a gestão inicial da advogada Lara Vieira. Assim como o histórico Instituto Dragão do Mar (OS pioneira no país, criada em 1998), o Mirante se tornou responsável por alguns dos 27 equipamentos públicos da Secretaria de Cultura do Ceará (Secult-CE). São eles o Centro Cultural Cariri Sérvulo Esmeraldo, um enorme complexo na cidade de Crato, o Museu da Imagem e do Som do Ceará (MIS) e a Estação da Artes, ambos em Fortaleza. Na Estação estão abrigados diferentes equipamentos: a Pinacoteca do Ceará, o Museu Ferroviário João Felipe, o Centro de Design do Ceará (Kuya) e o Mercado AlimentaCE. O Instituto Mirante, que possui ao todo 464 funcionários contratados diretamente, gere, ainda, o Sobrado Dr. José Lourenço, prédio histórico no centro da capital.
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Em entrevista à arte!brasileiros, Santana falou sobre sua trajetória, o trabalho à frente do Mirante, a necessidade de “descentralização” dos investimentos em cultura no país e sobre um momento político no qual o avanço da extrema-direita (que demonstrou grande força na disputa eleitoral em Fortaleza neste ano) representa uma ameaça ao país nos mais variados campos, inclusive no cultural. “O resultado apertado foi um grande alerta, temos muito o que fazer. Não podemos, inclusive, esperar começar a próxima eleição para pensar no assunto. E assim arriscar de novo um projeto que entendemos ser o melhor projeto humano, um projeto de sociedade. Porque aqui [em Fortaleza] não estava em discussão apenas qual o melhor partido, a discussão era entre a barbárie e a civilização”, afirma.
Leia a seguir a íntegra da entrevista.
arte!✱ – Tiago, antes de falarmos do trabalho no Instituto Mirante propriamente dito, queria pedir para você contar resumidamente sobre esse caminho que te leva da fotografia para a gestão cultural. Em entrevista ao jornal O Povo você disse que sempre foi um militante cultural. Pode contar um pouco mais? Obrigado por me chamar de fotógrafo, ando carente em relação a isso, já que atualmente todos só me perguntam de gestão. Mas, brincadeiras à parte, essa questão da militância cultural é importante. Ela tem a ver com a minha fotografia também, mas vem até de antes. Eu vim de uma família militante. Meu pai [Eudoro Santana], com 88 anos hoje, foi e continua sendo militante político. E um sonhador. Então eu aprendi isso desde casa. Meu pai foi preso na ditadura militar, minha mãe também sempre esteve envolvida com a luta pela democracia no Brasil, e desde cedo eu e meus irmãos aprendemos com eles que devemos dar a nossa contribuição na transformação do lugar em que vivemos, do país, enfim. E cada um contribui da forma que pode. Uns no campo da política partidária, outros no próprio campo da arte, onde também se pode fazer política.
Aliás, um parêntese, eu nasci no Crato (no Cariri) por conta da ditadura militar, porque meu pai foi para lá fugindo da ditadura, já que ali foi um certo lugar de refúgio nessa época. Assim como alguns foram para fora do país, meu pai foi morar no Cariri. E acabou ficando décadas. Então, eu brinco que a única coisa boa da ditadura – que na verdade não tem nada de bom – foi eu ter nascido no Cariri. Porque foi definidor na minha vida, sabe? Ali é meio uma síntese do Nordeste, já que tem uma confluência de vários Estados do Nordeste. Aquela região é muito rica culturalmente, em todos os aspectos, e eu acho que ter passado a minha infância e adolescência nesse lugar foi muito determinante na minha visão de país. E, ao mesmo tempo, a experiência visual daquele lugar também é muito impactante.
E o meu pai também tinha uma relação com o audiovisual, ele usava o Super 8 e tinha um laboratório onde revelava as fotografias dele, de família. Aí eu obviamente fui me envolvendo. Então, no fundo, a fotografia foi um pouco o pretexto para poder registrar aquele lugar, a partir da experiência que eu tinha vivido ali. Então, resumidamente, acabei fazendo um livro que chama Benditos, que é muito importante para mim e, eu acho, é importante na fotografia documental, como registro daquele lugar. Depois eu fiz um livro com o grande jornalista Audálio Dantas (1929-2018), que é O Chão de Graciliano, dedicado à obra do Graciliano Ramos, e outro com o próprio Audálio chamado o Céu de Luiz, com o universo de Gonzaga – que nasceu em Exu (PE), ali na fronteira com o Crato. Fiz ainda um livro sobre o poeta Patativa do Assaré, com o pesquisador Gilmar de Carvalho, e teve também uma série minha publicada na Photo Poche, coleção francesa tão importante na minha formação. Falo da importância de estar nela não para me vangloriar, mas pelo fato de a coleção olhar muito pouco para além da Europa e dos Estados Unidos. Vejo que isso agora está mudando um pouco, com outros nomes latino-americanos, mas ainda é insuficiente.
arte!✱ –Mas então conte como vem a coisa da gestão, a aproximação com a política no sentido mais institucional… Acabei me envolvendo mais diretamente na questão da gestão cultural especialmente nos últimos dez anos. E não tem porque esconder, claro que foi muito por conta da relação com meu irmão, que virou governador do Estado. Eu não fui da gestão, no sentido de ter cargo, mas não podia deixar de contribuir, me envolvi muito. Eu já era um militante do campo cultural, sempre estive frente às pautas aqui, apoiando em diversos governos, defendendo a importância e a relevância da cultura. Mas foi mais diretamente nestes últimos dez anos que eu não podia ficar fora.
É a tal história: se eu ficasse fora, sem ajudar, iam criticar, dizer que eu tinha a oportunidade e não ajudei. Se eu ficasse dentro, iam reclamar do mesmo jeito. Entre um e outro, eu decidi contribuir, mesmo que de forma voluntária, dando ideias, sugerindo, brigando por orçamento. Já que estamos falando de militância… então, aí eu acho que era um compromisso, contribuir em um momento em que eu poderia ser mais ouvido. E quando falo “eu”, falo de uma coisa mais coletiva, de um grupo de pessoas que de alguma forma poderiam se envolver.
E o Ceará sempre foi muito à frente do seu tempo na gestão cultural. Por exemplo, a criação da primeira Secretaria de Cultura do Brasil foi no Ceará [em 1966]. Temos também a primeira OS, o Instituto Dragão do Mar. Quer dizer, há uma experiência de estar na vanguarda das políticas culturais, e não falo só de agora. Mas eu acho que a última década foi muito importante na consolidação do Ceará como um lugar que, inclusive em um momento muito difícil, no qual até o Ministério da Cultura foi extinto, o Ceará foi um farol, resistiu. E talvez tenha sido um dos únicos estados que mesmo nos anos de pandemia não parou de investir na cultura.
E sabemos da complexidade que é isso. Um Estado que é pobre, que obviamente tem que ter escolhas na hora de dirigir um orçamento limitado. Enfim, é muito complexo, mas houve um entendimento sobre isso. Porque talvez a cultura seja a pasta mais transversal de um governo, sabe? Ou uma das. Quando você investe em cultura você está investindo em prevenção de violência, você está investindo em mais educação, você está investindo em mais saúde – porque cultura é também saúde –, em segurança pública, na juventude e assim por diante. E eu sempre brinco: quando falam em investir em infraestrutura, em fazer estrada, com bilhões de reais, aí é tudo tranquilo. Mas quando falam em investir um dinheiro substancial na cultura, aí acham que é um absurdo, né?
arte!✱ – Como se fosse algo supérfluo… Sim. E quando falo que houve um entendimento, eu não estou te falando que nada disso foi uma coisa fácil, mesmo tendo um governador com essa compreensão. Até porque o tempo de governo é um tempo muito complexo. Qualquer determinação, até chegar lá na base, passa por várias camadas, burocracias, licitações, enfim, não é fácil. Mas, como militante, meu papel era lutar para que a gente avançasse. E falo tranquilamente que eu acho que o Ceará avançou muito do ponto de vista das políticas culturais. E até da institucionalidade da própria Secretaria de Cultura. Ela, em 50 anos, nunca tinha tido um concurso público. E nessa gestão isso foi feito, pela primeira vez. Então não era só questão de orçamento, era pensar a própria estrutura da Secult para geri-lo, executá-lo.
E, claro, eu estou falando um pouco da minha experiência, mas foi uma construção coletiva, de muitos atores, onde o meu papel era esse, de brigar, pressionar, lembrar que a Cultura é estratégica, inclusive economicamente, algo que raramente é lembrado. O PIB da cultura no Brasil é maior que o PIB da indústria automobilística. Só que nós não temos a mesma narrativa e o discurso que a indústria, o mercado, os economistas têm, né? E é um dever de casa, mostrar a importância e o impacto gerado ao se investir em cultura. E isso tem que estar refletido no orçamento. No Ceará, neste período de que estamos falando, o orçamento do Estado em cultura aumentou cinco vezes, mesmo nos períodos mais difíceis como a pandemia. E queremos que aumente mais, claro.
E dentro disso houve o crescimento também do investimento na infraestrutura dos equipamentos culturais da Secult, esses que são geridos pelos institutos Dragão do Mar e pelo Mirante, em um modelo que é considerado muito exitoso. O governo dá o norte da política, mas a OS administra, executa. Isso facilita, né? Há ainda alguns equipamentos geridos diretamente pela Secult, mas a ideia da secretária Luiza Cela –que também é uma militante do campo cultural há muitos anos – é que todos esses equipamentos sejam geridos por organizações sociais. E isso não é uma critica à capacidade do serviço público, nem nada daqueles discursos anti-Estado, muito pelo contrário, mas uma percepção de que tem sido eficaz, que é um caminho para se fazer junto, melhorar, simplificar.
arte!✱ – Até porque uma OS não tem fins lucrativos e trabalha diretamente para o poder público… Sim, e eu acho que o Estado não pode jamais abrir mão de seu papel, porque cultura é um direito também, assim como educação, saúde. Então o Estado tem que aportar recursos na cultura. Mas acho que a OS pode ajudar também a incrementar esse orçamento, captando também com a iniciativa privada. Para poder ter mais programação, mais coisas. Mas o Estado não deve nunca sair do protagonismo, ele é fundamental como um garantidor desse direito essencial que é o direito à cultura.
E outra coisa que eu queria ressaltar é que também nessa gestão fizemos pela primeira vez uma descentralização dos equipamentos de cultura do Estado do Ceará, que eram todos em Fortaleza. A exemplo do Centro Cultural do Cariri, que é uma espécie de Dragão do Mar [centro cultural tradicional em Fortaleza, gerido pelo IDM) no interior do Estado. Se você pensar na importância do Dragão do Mar, criado em 1999, ele transformou e segue transformando várias gerações. Então eu imagino no Cariri, onde o centro vai completar ainda três anos, você imagine daqui a 10 ou 20 anos, como é que ele vai ter impactado gerações de pessoas que tiveram a possibilidade de ter um equipamento de ponta como esse em suas vidas.
É um equipamento de altíssima qualidade, que eu diria que não tem nenhum aqui em Fortaleza igual, porque ele é um “centro cultural parque”, tem um teatro incrível quase pronto, um planetário, residências artísticas com apartamentos para receber convidados, salas para oficinas. Enfim, ele tem características dessa relação entre natureza, ciência, tecnologia e cultura que é muito interessante. Olha, eu que sou de lá adoraria ter nascido numa época em que tivesse um lugar desses. E isso que nos motiva, sabe? Esse impacto na vida das pessoas, isso é muito bonito. Você chega lá em um domingo e tem 5 mil pessoas fluindo ali naquele espaço, seja no parque, seja vendo exposições, seja vendo um show, seja fazendo uma oficina. Às vezes as pessoas nas secretarias de governo ficam vendo apenas números, planilhas, mas não entendem essa beleza.
E nesses lugares carentes de equipamentos desse tipo o impacto é muito grande. Tem gente que talvez nunca entrasse em um museu, mas que está no parque fazendo um piquenique e acaba entrando. Ou talvez uma pessoa que nunca iria em um show ou numa peça de teatro, mas está no parque e acaba indo. Eu me surpreendo cada vez que eu vou lá. Inicialmente não achávamos que teria tanta adesão e ocupação, mas a coisa foi se transformando, tivemos que ter mais equipes, mais orçamento. Milhares de pessoas foram ocupando e querendo mais, isso tem sido muito bonito. E não é só gente do Crato, ele é regional, atrai as pessoas da região inteira. E sendo muito democrático, com gente de todas as classes sociais convivendo.
arte!✱ – Pegando o gancho do Cariri, queria te pedir então para contar um pouquinho mais sobre os outros equipamentos geridos pelo Mirante. Quais são e como tem sido o trabalho com eles? Começando pelo Museu da Imagem e do Som, que obviamente é muito especial para mim pela minha relação e compromisso com a imagem, o MIS já tem quase 45 anos, já existia, mas era um lugar que estava muito triste de se ver, sem espaços e uma reserva técnica adequados. Era uma casa que tinha uma importância histórica para a cidade, mas estava precisando de reforma. Enfim, não existia um MIS como a gente deveria ter, e então ele foi construído com uma estrutura de ponta.
Já a Estação das Artes é um grande complexo onde temos a Pinacoteca do Ceará, que era uma demanda, um sonho de muitos anos do campo artístico. O Governo do Estado tem um acervo muito importante e ele estava em condições complicadas. A única reserva técnica que o Estado possuía era a do Centro Cultural do Dragão do Mar, que tem 20 e tantos anos e não tinha mais condição de receber esta coleção. Então a Pinacoteca vem não só para a parte de fruição, pela importância que é ter espaços adequados para montar grandes exposições e abranger grandes projetos, mas também para salvaguardar e cuidar desse ativo cultural e econômico que é o acervo.
Então, a Pinacoteca e o MIS nascem com reservas técnicas adequadas para suas áreas, pensando no que já existe e também nos acervos futuros. Foi um grande investimento e sem sombra de dúvida – nem sou eu que digo, mas os especialistas que vêm visitar – é a melhor reserva técnica de museu público do país. Na sua dimensão, na sua qualidade…
No complexo está também o Museu Ferroviário – lembrando que ali era a Estação Ferroviária João Felipe –, um espaço específico dedicado à memória e ao patrimônio ferroviário do Ceará; tem ainda o Centro de Design (Kuya), que tem a ver com o fato de Fortaleza ser uma cidade internacional do design, inclusive com certificação da Unesco, e que pretende conectar o design local com o do resto do Brasil, da América Latina, enfim, do mundo. E é um lugar para se pensar o design de modo amplo, inclusive politicamente, pois ele está em tudo na nossa vida.
E por fim a própria Estação acabou virando um lugar de feiras e, especialmente, de música. Isso nem estava previsto, mas foi acontecendo e hoje eu nem imagino Fortaleza sem esse espaço musical. Shows para no máximo 2 ou 3 mil pessoas, até porque é um patrimônio tombado. E, por último, tem o mercado de gastronomia, também no complexo. Hoje temos uma ocupação ainda temporária, mas seis restaurantes estão sendo implantados ali de forma definitiva até o ano que vem. O Ceará também é um dos poucos Estados do país que tem uma lei da gastronomia, e queremos valorizar isso, a gastronomia como um eixo de política cultural.
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arte!✱ – Quer dizer, é um espaço muito diverso. E ali está também a Secult, certo? Sim. Esse projeto foi uma parceria com o IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional), porque anteriormente parte desse espaço era dele. Então houve uma cessão, o Estado restaurou, reformou e construiu ali. Inclusive a sede do IPHAN hoje está instalada no complexo, assim como a sede da Secretaria de Cultura.
Aliás, um detalhe sobre esses três equipamentos (Estação, MIS e Centro do Cariri) é que, por coincidência, eram todos imóveis tombados, tinham patrimônios históricos importante a serem preservados. E todos tem as partes restauradas, a preservação, acrescidas a construções modernas, que pudessem complementar o conjunto arquitetônico. Trata-se de respeitar a história, que é muito importante, e trazer para o presente a modernidade. Investimos muito em tecnologia.
Mais uma vez, quando a gente chegava numa reunião dessas com os “economistas”, digamos assim, para decidir o orçamento, eles questionavam para que tanto dinheiro em tecnologia. “Para que o MIS precisa ter uma sala imersiva?”, diziam. E nós sabemos que custa caro, mas é importante. Quando você vai fazer um hospital não precisa colocar as coisas mais tecnológicas e avançadas? Sim. E precisa-se de dinheiro pra isso, não é? Então por que na cultura tem que ser diferente? Acham que sempre pode-se botar o que é mais ou menos, o menos ruim. Não, a gente tem que fazer o melhor. Mas isso não é fácil como compreensão… acho até que parte desses meus cabelos brancos foram por essas batalhas.
E hoje temos no laboratório de conservação do MIS, por exemplo, equipamentos que nenhum outro lugar do Brasil tem. Porque achamos que quando você vai tratar de um acervo público, cuidar da memória, é importante ter os melhores equipamentos.
arte!✱ – Inclusive, eu vi uma entrevista sua falando sobre a importância econômica da área cultural e nela você diz que parte das elites do Ceará dá muito valor para o MoMA, em Nova York, ou para o Louvre, em Paris, mas não percebe a importância e o impacto socioeconômico que pode ter, por exemplo, a Pinacoteca do Ceará. A que você acha que isso se deve e como mudar essa visão? Veja só, muitos empresários cearenses são patronos de equipamentos em São Paulo, como a Pinacoteca ou o MASP, mas esquecem que a gente tem agora a Pinacoteca do Ceará. Obviamente temos um papel em inverter um pouco esse pensamento e atraí-los para ver e entender o espaço. Quem vem na Pinacoteca hoje e conhece o lugar vê que ele não deixa a desejar a nenhum equipamento do Brasil. E falo até pensando no mundo, pois é um lugar bem cuidado, com todas as características museais necessárias, uma equipe qualificada. Claro, um centro cultural nunca nasce pronto, ele vai se ajustando ao longo do tempo, mas, ele já nasce grande nesse sentido. Com o pé no chão, mas entendendo sua importância e relevância.
Ou mesmo pensando no centro do Cariri. Por ser no interior você não pode ter uma galeria de qualidade igual a que tem na Pinacoteca de São Paulo ou no MASP? Pois lá tem. Então há um pensamento muito equivocado que precisa ser transformado. E claro que esse foi um embate aqui no Ceará também, mas eu acho que houve uma compreensão do governo, uma parceria nesse sentido.
arte!✱ – Voltando um pouco ao assunto da descentralização dos equipamentos, a partir do que você falou sobre ter espaços de qualidade não só em Fortaleza, eu queria aproveitar para falar também na necessidade de descentralização dos investimentos em cultura em âmbito nacional, lembrando que grande parte do dinheiro, dos grandes eventos e das maiores instituições ainda se concentram no Sudeste, especialmente em um eixo Rio-SP. Você vê esse quadro mudando? Sim, essa é uma questão importante. E aí eu até faço uma observação. Quando a gente fala em descentralizar, depende do ponto de vista de onde é essa centralidade. Porque quando a gente imagina o Brasil, a centralidade é sempre São Paulo, Rio, no máximo Belo Horizonte. E o Brasil não é São Paulo e Rio – eu adoro ambos, não se trata disso. Mas devemos inverter um pouco essa lógica. Assim como quando falamos em centro e periferia…
arte!✱ – E você acha que o Estado do Ceará está dando um pouco um exemplo do que pode ser feito em outros lugares do Brasil? Eu acho que sim, que o nosso caso chama atenção para isso. Agora, por exemplo, está tendo um movimento muito interessante também no Pará, com a história da Bienal das Amazônias. E, inclusive, acabou de ter lá um grande encontro de gestores da América Latina. Enfim, a própria ida da conferência da COP para lá… Eu acho que esses movimentos precisam ser feitos e acho que o Ceará deu uma contribuição nesse sentido. Eu até fiz uma provocação com o próprio Instituto Moreira Salles, que fica ali entre Rio e São Paulo, de que eles deveriam abrir uma sede aqui em Fortaleza, inclusive porque existe no pensamento deles essa visão sobre um Brasil mais amplo. Então acho sim que nós ajudamos a construir e a entender que o Brasil é muito grande, é um país continental, muito diverso, e que precisa dar conta um pouco dessas diversidades – culturais, linguísticas, étnicas, de gênero… da diversidade de vozes.
arte!✱ – Falando nisso, é notável na programação dos equipamentos do Mirante uma preocupação com pautas ligadas à identidade nordestina, à valorização da cultura regional, e também pautas ligadas a questões de raça, gênero etc. Olhar para grupos historicamente marginalizados ou minorizados é um eixo de trabalho do instituto? Sem dúvida. Acho que no Brasil em que a gente vive hoje, no mundo em que vivemos, não dá para ficar mais sem trazer essas questões, essas pautas. É uma briga que a gente tem que ter, e o Instituto Mirante já nasce com esse compromisso. Acho que foi a primeira OS que nasceu, por exemplo, já com as assessorias específicas voltadas para essas áreas, ou seja, uma assessoria de políticas afirmativas e uma assessoria que trata do território. Temos equipes e pessoas qualificadas que trabalham isso.
Pois não adianta você implementar um equipamento como a Estação das Artes no centro da cidade, numa área complexa, onde há ao lado uma comunidade que tem uma questão grave de tráfico, de violência, e não trabalhar em diálogo e em conjunto com eles. A comunidade não é um ser estranho que chega ali. Pelo contrário, você que é o ser estranho que está chegando. Então esse diálogo com a comunidade, com o território, eu acho que isso é uma coisa que, desde o início, temos no pensamento da própria instituição.
Além disso, nas equipes contratadas pela própria instituição temos uma enorme diversidade, com pessoas trans, pessoas negras, indígenas, um percentual alto de mulheres…. Enfim, isso é importante também, porque não basta ficar só no discurso. A dívida que temos com a sociedade brasileira, com esses diversos grupos minorizados, é muito grande. Então temos que ter essa preocupação, seja nos editais, seja no pensamento sobre as exposições, sobre as oficinas, sobre os shows e assim por diante.
E sabemos o quanto isso gera embates. Nesse campo bolsonarista, por exemplo, a gente é muitas vezes bombardeado por conta de um edital que vai trabalhar, por exemplo, na questão de trans. Porque a sociedade ainda é muito preconceituosa. Nós somos, né? E digo nós, eu me incluo também, porque muitas vezes a gente se dá conta de uma palavra que solta, de um gesto que a gente faz… e precisamos estar atentos a isso.
E existem as questões de acessibilidade, que acho que o Mirante é inovador também neste sentido. A gente tem acessibilidade em vários níveis, com especialistas contratados no próprio corpo de funcionários CLT, e uma preocupação seja nas exposições, nos shows, enfim, todas as atividades culturais. Enfim, são várias preocupações, pensando em formas de dar uma contribuição na inovação da gestão pública de cultura, em como construir mecanismos que possibilitem também um acesso mais democrático nos vários níveis.
arte!✱ – Bem, estamos até aqui falando de coisas positivas, mas é impossível não pensar também que acabamos de ter uma eleição em Fortaleza muito disputada, em que o candidato derrotado (o bolsonarista André Fernandes, do PL) teve uma porcentagem muito alta de votos, apresentando uma visão muito diferente de política e de cultura desta que estamos falando. Enfim, este fortalecimento da extrema-direita não representa uma ameaça também ao campo cultural no Estado do Ceará? Sim, eu acho que a gente tem que estar atento e forte o tempo todo. Porque isso não passou, está aí. Essa descoberta que aconteceu agora [no dia da entrevista havia sido revelado o relatório sobre a trama golpista], dessa facção, uma coisa criminosa… essas pessoas deveriam estar na cadeia imediatamente. É tão grave. E isso não passou. Porque esse exemplo do André Fernandes tem a ver com narrativa construída. Um jovem, do campo da comunicação, que foi youtuber, sabe se comunicar bem, criou uma narrativa de que ele é a mudança e tal. E temos que ter muito cuidado. A cultura teve um papel importante nessa eleição, inclusive na aproximação da política principalmente com a juventude. Porque acho que temos uma geração que não sabe, não passou, que nem entende o que foi a ditadura militar. Por isso que eles ficam aí cuspindo, falando que não houve ditadura. E tem também uma geração que nem viveu a mudança que o Lula fez na primeira gestão. Ou seja, são pessoas que precisam ser aproximadas, né? E essa eleição foi um grande alerta, porque não foi fácil, mostrar que era o pior candidato, falando coisas absurdas…
arte!✱ – Como o Pablo Marçal em São Paulo… Exato. Então eu acho que temos muito o que fazer. Não podemos, inclusive, como esquerda, esperar daqui a dois anos começar a próxima eleição para pensar no assunto e trabalhar. E assim arriscar de novo um projeto que a gente entende que é o melhor projeto humano, um projeto de sociedade. Porque aqui não estava a discussão apenas sobre qual o melhor partido, a discussão era entre a barbárie e a civilização.
E que a cultura e a educação, principalmente no nosso caso, podem contribuir muito para que a gente se comunique com essas pessoas, principalmente os mais jovens. E nós não podemos correr riscos, porque sabemos o que seria da cidade de Fortaleza no campo cultural se o outro candidato tivesse ganhado.
O que vai ser bom, agora, é que teremos uma prefeitura [Evandro Leitão, do PT] que vai fortalecer e potencializar o projeto que já temos feito. Porque uma coisa é você tomar uma decisão política, colocar os recursos necessários, fazer uma infraestrutura cultural de qualidade. Isso é muito importante. Mas, mais importante, ou tanto quanto, é você manter isso. Manter os investimentos, não só do aspecto físico, da estrutura, mas da programação, das entregas ao público. Esse é outro desafio também.
arte!✱ – E há também parcerias com o governo federal? Sim, isso também é algo importante, pois agora temos do nosso lado o Ministério da Cultura (MinC), que havia sido extinto [no governo Bolsonaro]. Então, todos esses investimentos que feitos no Estado do Ceará nos últimos anos foram com o dinheiro do próprio Tesouro Estadual. Não tem um tostão de governo federal. E agora a gente tem possibilidade de ter parcerias, de ampliar isso com o MinC, o que é muito bom. Obviamente, o ministério passou por um processo também de reconstrução, mas eu acho que os próximos dois anos serão muito férteis para nós.
Então estamos caminhando, o Ceará avançou muito nos últimos dez anos, mas essa é uma estrada longa, né? Quando eu falo que aumentou muito o orçamento em cultura, a gente ainda quer muito mais. E aí as entregas serão maiores, o número de população atendida maior. Sabemos que há limites, mas seguiremos lutando por isso.
E quanto aos equipamentos geridos pelo Mirante, é preciso lembrar que eles são muito novos. E não nascem prontos, né? Se nascesse pronto, estava morto. E eles vão crescendo e vão sendo construídos no diálogo. Não só com governos, mas estou falando de uma forma mais ampla, com os produtores culturais, os artistas, a comunidade, os territórios. Todos vão contribuindo de alguma forma nessa construção.
A exposição “O Olho da Noite”, de Jean-Michel Othoniel, com curadoria de Marc Pottier, celebra os 22 anos do Museu Oscar Niemeyer e fortalece o diálogo entre o Paraná e a França. O artista francês apresenta 25 obras, ocupando vários dos espaços expositivos: o Olho, o espelho d’agua e mais duas galerias.
Jean-Michel Othoniel realizou várias exposições internacionais desde sua participação na Documenta de Kassel, em 1992. Ele conta que, quando ainda era um jovem artista, conheceu pessoalmente Oscar Niemeyer, no Rio de Janeiro, e contemplou estrelas no céu com ele através de uma das grandes janelas de seu apartamento: “Foi nessa memória poética que minha primeira exposição individual no Brasil foi construída”.
No espaço curvo do Olho, foram pendurados colares de vidro gigantes representando os signos do Zodíaco e lotus que sobressaem no espelho d’água, provocando reflexos.
Confira nossa conversa com o artista no dia da inauguração da mostra.
Arte!: Quando e por que você decidiu trabalhar com o vidro como sua matéria principal?
Jean-Michel Othoniel: Acho que o material não foi a primeira coisa que veio à minha mente quando comecei a trabalhar. Foi uma maneira de oferecer uma visão do mundo mais otimista, usando essa ideia de beleza e de trazer beleza para o mundo de hoje. Essa foi a minha ideia há 20, 25 anos. E, aos poucos, percebi essa ideia de que trazer beleza, levar esperança para as pessoas, era importante para mim como artista, quase como um ato político, trazer beleza para o mundo.
E o vidro é um material que todo mundo conhece, faz parte da nossa intimidade e está em todo o mundo. Então, pessoas na Ásia, na África, na Europa, na América do Sul, todos têm uma experiência com vidro e uma espécie de poesia mágica na sua intimidade. Foi uma forma de usar um material capaz de dialogar com diferentes civilizações, diferentes formas de pensar, diferentes religiões. É um material que fala sobre fragilidade, sobre o fato de que você precisa aceitar sua própria fragilidade para enfrentar o mundo. E, ao aceitar isso, você se torna mais forte. Isso foi algo importante para mim quando decidi usar esse material.
Depois dessa visão conceitual do material, sempre fui surpreendido por ele: sempre novas ideias, sempre novas cores, sempre novas pessoas para conhecer de diferentes países. Trabalhei com sopradores de vidro indianos, italianos, suíços. Trabalhei no México com sopradores mexicanos, no Japão com sopradores japoneses. E, a cada vez, é uma forma de descobrir o mundo e diferentes culturas.
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Arte!: Qual foi teu primeiro contato com a arte?
Jean-Michel Othoniel: Tive a sorte, quando criança, de ir a um museu quando tinha 6 ou 7 anos. Isso porque eu vivia em uma cidade comunista no centro da França chamada Saint-Étienne. E lá não havia muita coisa. Era uma cidade muito pobre, com minas e pessoas trabalhando no carvão. Era uma cidade suja, mas nós tínhamos um museu de arte contemporânea com artistas contemporâneos indo para Saint-Étienne nos anos 1970, o que era algo completamente novo. E as pessoas vinham de toda a Europa só para ver exposições e trabalhar lá. E, como crianças das escolas, éramos obrigados a ir ao museu toda quarta-feira.
Foi mágico para mim, como uma janela que se abriu. Uma janela para a liberdade, para outra visão do mundo. E isso mudou a minha vida. Então, eu disse aos meus pais que queria ir para a escola de arte quando tinha 7 anos. E fui. Após a escola, toda quinta-feira à noite, eu passava três horas desenhando com os artistas na escola de arte.
Arte!: Então você fez escola de arte?
Jean-Michel Othoniel: Sim, comecei na escola de arte aos 7 anos. E fiquei totalmente fascinado por isso. A ideia de se expressar era uma forma de abrir sua mente e libertar sua alma. Eu gostava de ler sobre arte, ir a museus, desenhar. Eu era feliz fazendo isso. Mas decidir ser artista, acho que não é uma decisão que você toma. Acho que a vida escolhe por você. Em algum momento, isso se torna uma necessidade na sua vida. Você só consegue fazer isso e nada mais. Decidi trabalhar com arte com 22 ou 23 anos.
Arte!: Você já tinha estado no Brasil e se encontrado com Niemeyer no Rio de Janeiro, certo?
Jean-Michel Othoniel: Sim! Tive a oportunidade de ser convidado ao seu apartamento. Ficamos horas conversando e olhando um céu estrelado. Ele disse “quero mostrar para você onde eu faço meus desenhos”. Aí ele me levou numa sala muito pequena, talvez, não sei, 10m², talvez 25m², cheia de livros e no meio, uma mesa pequena, talvez 1m x 1m, uma mesa muito pequena. Quando eu vi isso, eu disse, meu Deus, esse gênio desenhou toda essa arquitetura em uma mesa tão pequena. Foi um choque para mim. Um presente. Um homem tão brilhante e famoso e tão humilde.
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Arte!: Aqui tem diferentes modulação de um mesmo material o que inspira cada um?
Jean-Michel Othoniel: Eu tenho dois modelos em minha obra, as contas [beads, contas de colares] e uma espécie de forma quadrada , de tijolo. E esses dois modelos são coisas que as pessoas conhecem em todo o mundo. A ideia do tijolo existe em tantas religiões e em todas as culturas. Os tijolos podem compor módulos que eu uso e com eles posso fazer tanto pequenas como grandes esculturas, que podem ir a 20 metros de altura.
Quando fui trabalhar na Índia fui para um lugar que se chama Firozabad, que é uma pequena vila. Encontrei um jeito de entrar em uma família de sopradores de vidro, o que não era fácil, porque eles não falavam inglês. Era no meio do deserto, perto de Agra, perto do Taj Mahal, mas no meio do nada, sem hotel, sem onde ficar.
Foi um grande desafio. Na estrada para chegar nesse lugar vi vários pedaços de tijolos no chão, feitos com terra para construírem suas casas. Para mim, foi uma mensagem maravilhosa, uma mensagem sobre o que as pessoas podem ter em mente, a expectativa de construir sua própria casa. Aí pensei: eu quero soprar tijolos.
Não foi fácil, porque era preciso soprar um quadrado em vez de soprar em uma forma esférica. Então trabalhei com eles. Fizemos algumas amostras soprando na areia, soprando no barro. Aos poucos fomos encontrando uma maneira de realizar esse projeto. Tínhamos instrumentos muito antigos como moldes. Foi como trabalhar no passado, era como trabalhar há 200 anos.
Arte!: Cada cultura desenvolve diferentes experiências com o vidro?
Jean-Michel Othoniel: Cada país tem uma visão diferente do vidro. Por exemplo, na Índia, o vidro está muito ligado à arquitetura de joias, por causa dos pavilhões dos marajás feitos de vidro. Você tem móveis feitos de vidro para casamentos há 200 anos. O mundo do vidro indiano está muito conectado com contos de fadas. Para eles é algo mágico.
Se você for à Itália, é mais sobre design. Eles querem criar formas bonitas, com cores incríveis, perfeitas. O vidro é totalmente transparente. Se você for ao Japão, é mais meditativo. É sobre a maneira de trabalhar. Você mistura o vidro com folhas de ouro e trabalha nos detalhes. As pessoas veem o vidro como uma forma de meditação.
Cada país traz uma nova experiência e uma relação com o vidro que é ligada à sua própria cultura. E eu adoro descobrir isso, porque me traz novas ideias, novas conexões com o mundo.
Até a próxima quarta-feira, 11 de dezembro, o setor de artes visuais do país estará em alerta vermelho. O presidente do Senado Federal, Rodrigo Pacheco, indicou que o projeto da Reforma Tributária volta ao Congresso na segunda-feira e, na quarta, já poderá ir ao plenário da casa, como prioridade de encerramento do ano. Mas o que o setor de artes tem a ver com a reforma? Basicamente, tudo.
Quando um artista plástico vende uma obra de arte, a saída de uma peça (uma pintura, gravura, objeto conceitual, escultura etc) é realizada com isenção de ICMS, não há tributação do consumo (a tributação somente será aplicada ao artista na sua declaração de Imposto de Renda). Usualmente, durante as feiras de arte, quando essa operação é praticada por uma galeria, existe o benefício do crédito presumido do ICMS, que consiste no seguinte: a obra entra na galeria sem cobrança de ICMS, e, na venda, ainda tem o crédito presumido (também conhecido como crédito outorgado, um recurso utilizado pelos estados e Distrito Federal para dispensar o contribuinte da carga tributária que incidirá sobre as operações). Com a reforma tributária (Projeto de Lei 68/2024), esses benefícios para as artes visuais estarão extintos.
A reforma prevê a exclusão da comercialização de obras de arte do Regime Diferenciado, mecanismo que reduz a alíquota do Imposto sobre Valor Agregado (IVA) em 60% para setores como eventos e audiovisual. É uma situação complexa: a nova lei cria regras que vão viabilizar o Imposto Sobre Valor Agregado (IVA) dual, com a substituição de cinco tributos (ICMS, IPI, ISS, PIS e Cofins) por três: Contribuição sobre Bens e Serviços (CBS), de nível federal; Imposto sobre Bens e Serviços (IBS), de nível estadual e municipal; e o Imposto Seletivo, de nível federal. O fato é que, como consequência, isso deverá aumentar a até 27% o preço de uma obra de arte no país. Para efeitos de comparação, outras nações, como França, Bélgica, Inglaterra e Alemanha, aplicam alíquotas entre 5% e 7% atualmente. As vendas diretas de obras de artistas pelas galerias têm um crédito presumido de 50% do imposto, apenas nas feiras é que têm isenção de 100%.
Galerias, marchands, feiras, exposições, artistas e ativistas do setor estão alarmados e buscando reverter a situação. Em uma mobilização inédita (e de rara envergadura), a primeira na história, as artes visuais criaram este ano o Coletivo 215, uma aliança entre a Associação Brasileira de Arte Contemporânea (ABACT, que representa cerca de 60 galerias de arte contemporânea no Brasil), ArtRio, SP-Arte e a Associação de Galerias de Arte do Brasil (AGAB). Seu ativismo pleiteia a defesa e o fortalecimento do setor, mas o foco principal é reivindicar o cumprimento rigoroso do artigo 215 da Constituição Federal, que dá nome ao grupo. O artigo é o que garante pleno exercício dos direitos culturais, a manifestação e difusão das manifestações culturais e o acesso à cultura.
Conforme o coletivo, o mercado de artes visuais pode vir a sofrer um raro isolamento internacional caso seja aprovada a Reforma Tributária da forma que está, pelo encarecimento que provocará nas operações de comércio de obras. Segundo diagnóstico do Coletivo 215, as feiras de arte impulsionam fortemente a economia criativa brasileira. Elas reúnem anualmente cerca de 200 galerias, exibem mais de 2 mil artistas e recebem cerca de 100 mil visitantes, gerando mais de 10 mil empregos diretos e indiretos e permitindo a arrecadação de mais de R$ 20 milhões em impostos.
As galerias estimam que, com sua exclusão do Regime Diferenciado de tributação, a situação poderá até conduzir ao fechamento de muitas delas, especialmente as menores. Também poderá afastar galerias internacionais que porventura queiram adquirir obras de artistas brasileiros, pelo encarecimento, e até impactar na produção artística, via estrangulamento. As artes visuais querem ter uma atenção em pé de igualdade com outros setores da cultura.
O galerista Alexandre Roesler vê perigo real de um retrocesso na área da cultura. “O setor cultural sempre teve um tratamento diferenciado, não só aqui no Brasil, mas no mundo todo, pela capacidade que a cultura tem de definição da identidade nacional, sua característica de soft power, sua importância para a vida das pessoas”, pondera Roesler. “A reforma é muito bem-vinda, vai simplificar, traz menos burocracia para uma série de coisas”, ele afirma. Mas precisa garantir isonomia para as artes.
Segundo o galerista, ao ser feita a emenda constitucional, houve um entendimento de que, sim, era necessário que o setor cultural continuasse tendo um tratamento diferenciado. “Então, eles colocaram lá que produções artísticas e culturais teriam a redução de 60% das alíquotas finais. Isso foi levado em consideração para alguns setores estratégicos, como educação, saúde e cultura. Aparentemente, estava tudo em ordem. Mas, quando foram escrever o PLP 68, na definição do que é produção artística cultural nacional, só incluíram serviços”.
Assim, diversos segmentos da cultura foram plenamente contemplados, como o audiovisual, o setor de eventos, mas não as artes visuais. “O produto do artista visual não é um serviço. Os artistas produzem obras de arte que são objetos tangíveis, não se trata de uma prestação de serviços. O que pedimos é que seja incluída [no texto] também a transação com bens, porque, se não estiver contemplada, pintores, escultores, galeristas, toda a cadeia será muito prejudicada”.
De fato, a Emenda Constitucional no 132, aprovada no fim de 2023, estabeleceu que as produções artísticas e culturais receberão tratamento diferenciado na reforma. Mas, para o Coletivo 215, ainda se faz necessário que a regulamentação por leis complementares defina os setores beneficiados dentro desse guarda-chuva de “produções culturais e artísticas”. Em maio deste ano, o grupo encaminhou uma Nota Técnica ao Grupo de Trabalho da Câmara dos Deputados que trata do tema (e ao Ministério da Fazenda), na qual consta a proposta da Emenda 477, que sugere que o regime especial para o setor abranja “operações com serviços e bens, tangíveis e intangíveis, envolvendo produção, feira, exposição, intermediação, importação, repatriação e comércio de obras intelectuais”.
“A aprovação da Emenda 477 impactará positivamente essa esfera econômica gerando empregos, renda e promovendo a imagem do Brasil no cenário internacional”, afirma o coletivo, em nota. “O mercado de arte não somente se incorpora ao patrimônio cultural do país como também promove e financia artistas nacionais, cria oportunidades e inclusão social, democratiza o acesso à arte brasileira e estrangeira e movimenta a economia de forma direta e indireta, com impacto sobre negócios, turismo e a produção cultural”.
Nos fóruns da internet que debatem o assunto, também aparecem observadores que defendem que o setor de artes visuais, por ser um dos mais prósperos da atividade cultural, deveria ser alvo de uma tributação mais pesada. “Senão, vai ficar como o absurdo da carne, que é incluída na cesta básica”, afirmou um deles.
“A não inclusão das obras de artes no regime diferenciado, como parte da produção cultural nacional, parece ter sido fruto apenas de equívoco que incluiu serviços mas não bens”, diz Cris Olivieri ― advogada da Olivieri & Associados, especializada em arte, cultura e entretenimento e mestre em política cultural.
O relator do projeto da Reforma Tributária, senador Eduardo Braga (MDB-AM), e o presidente da Comissão de Constituição e Justiça (CCJ), Davi Alcolumbre (União-AP), pretendem levar primeiro o texto à votação na Comissão de Constituição e Justiça (CCJ), único colegiado que analisará o projeto antes de ele ir ao Plenário. Já foram realizadas 13 audiências públicas, ouvidos quase 200 debatedores e o relator recebeu mais de 800 pessoas em seu gabinete. Outras 21 audiências públicas foram realizadas na Comissão de Assuntos Econômicos (CAE). Ainda assim, o grupo das Artes Visuais atua ativamente em várias frentes, buscando envolver a classe política, os artistas, o Ministério da Cultura e o da Fazenda. “Esperamos conseguir porque isso é muito importante, inclusive por isonomia ao tratamento dado à cultura; não pode alguns setores estarem contemplados e outros não”, diz Alexandre Roesler. A reportagem de ARTE!Brasileiros procurou o Ministério da Cultura para saber se a pasta tem conhecimento do caso e qual sua postura a respeito, mas não obteve resposta até o fechamento desta edição.
Em seu texto crítico para a exposição Aos espíritos minerais, de Luana Vitra, no Museu Paranaense, a cantora Anelis Assunção lembra que, “crescida sobre o ferro que constitui o solo mineiro de sua existência”, a artista está ancorada nessa materialidade. “Desde seu bisavô mineiro e toda uma família ligada a metais e minerais anteriores a seu corpo, até a mola do tempo atual lhe empurrar para essa excursão transformadora e metalinguística, Luana traz no sangue o ferro que lhe garante a saúde e o sustento”, escreve.
No MUPA, essa jornada transformadora e metalínguística de que Anelis fala se materializa em obras como desenhos e esculturas, algumas delas inéditas, em que Luana lança mão do ferro, do cobre, do chumbo e também do barro para, numa maquinação poética, devanear acerca de uma afetividade e uma transcendentalidade dos minerais.
O convite para expor no MUPA foi feito anteriormente à 35ª Bienal de São Paulo, de que Luana participou. Inaugurada em outubro, Aos espíritos minerais fica em cartaz até março do ano que vem, na sala Lange de Morretes. Para Gabriela Bettega, diretora do Museu Paranaense, um dos maiores desafios desta individual de Luana Vitra na instituição foi “traduzir a poética singular” da artista para o espaço expositivo do museu, preservando a complexidade simbólica e a intensidade sensorial de suas obras.
“Isso se refletiu na criação de uma expografia muito específica, incluindo a construção de um espaço oval para a fruição da obra Aos espíritos minerais, que dá título à exposição, assim como na colaboração frutífera com artesãos locais para a modelagem de peças em cobre, latão e aço”, afirma a diretora, à arte!brasileiros.
Gabriela ressalta ainda que a exposição dialoga de forma insólita com o MUPA “ao reimaginar as narrativas materiais e imateriais” presentes no museu. “Enquanto os acervos arqueológicos e históricos muitas vezes são compreendidos como vestígios humanos e minerais sob um viés científico e cronológico, o trabalho de Luana Vitra nos conduz a um campo de possibilidades poéticas, onde o tempo não é linear e os materiais carregam vozes e memórias que transcendem sua função utilitária”.
Ao discorrer sobre a obra Magma, por exemplo, Luana Vitra explica que o trabalho parte de uma pesquisa que já lhe interessava no passado. A artista afirma que o ferro existente no Brasil, assim como em parte do continente africano, surgiu a partir de um evento geológico, de “uma grandíssima erupção” que aconteceu há muito tempo. “Fico pensando num caráter afetivo dessa matéria, desse centro do planeta que inflama, e eu entendo esse ferro como o afeto da Terra que transborda”, diz Luana, à arte!brasileiros.
“A exposição então passa por aspectos físicos, químicos, espirituais e afetivos das matérias. A partir disso, eu escolho os elementos que vou usar e a maneira com que eles se relacionam. Tenho pensado sobre a ascensão da matéria, numa dimensão espiritual, e as dinâmicas afetivas, que atravessam a maior parte da exposição, como no caso de Abraçadeiras, série que está ligada à afetividade dos materiais”, prossegue.
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Assim como Magma, Exaustão da Terra é uma das obras inéditas levadas ao MUPA. Mas a investigação de Luana se desloca para outro mineral, o chumbo, com que ela já havia trabalhado na série Até que alguma coisa me pense para dentro (2021), com o material na forma como ele é usado na pesca. Nas novas criações, a artista usou lençóis de chumbo, chapas do metal usadas como blindagem em salas de radiologia. Ela usa o material somente uma vez em sua carreira, na individual Viver e morrer pela boca, com curadoria de Germano Dushá, feita em 2023 na Galeria Bruno Múrias, em Lisboa.
“O chumbo é um dos meus metais favoritos. É mais macio, é possível dobrá-lo ou mesmo costurá-lo como se fosse um tecido um pouco mais rígido”, explica. Depois de cortadas as chapas, Luana as costurou com fio de cobre, no que sugere ser uma alusão a uma cicatriz, ou à memória de uma fenda que “permanecerá sempre ali, em alguma medida, mesmo após uma sutura.”
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Luana pondera que pensa no ferro sempre como pele, por entender que ele é a matéria mais próxima de si mesma. “A maneira como eu reflito sobre o reino mineral está sempre ligada, em alguma medida, à forma que eu entendo meu próprio corpo”, diz. “E o meu entendimento do corpo mineral ecoa naquilo que eu entendo de mim. É uma relação que se espelha. Isso vem do caminho que eu tenho na dança, anterior às artes”.
Já o cobre, afirma a artista, traz-lhe a ideia do amor, por sua condutividade. “E, pelo mesmo motivo, por ser uma ponte, ele me leva à noção das dinâmicas espirituais da matéria. O cobre também é ponte quando a gente pensa na solda. Ele facilita essas relações de transmissão”, argumenta.
Luana faz questão de ressaltar que os desenhos apresentados no MUPA são “similares imageticamente a outros” que já fez, como no caso das cerâmicas apresentadas na instalação Giro (2023), montada no ano passado na Galeria Marcenaria, no Instituto Inhotim. Desta vez, no entanto, as intervenções são feitas sobre papel, com pasta de cobre. Mas, em ambos casos, ela conta, as obras têm “dinâmicas ligadas a uma ideia ascensão da matéria”.
“No Inhotim, eu estava pensando nessa ascensão que se dá a partir da rotação, a partir de uma gestualidade química, que pode entrar num processo de elevação”, explica. “Desta vez, fiquei fabulando a equação dessa movimentação, não baseada em fatos reais. Eu penso como isso poderia se dar, no campo da imaginação, sem dar as respostas, mas ampliando as perguntas”.
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TRAJETÓRIA
Luana Vitra nasceu em 1995, Contagem, cidade industrial pertencente à Região Metropolitana de Belo Horizonte (MG). Formou-se em 2018 como Bacharel em Artes Plásticas, na Escola Guignard (UEMG). Tem obras nos acervos da Pinacoteca de São Paulo e do Museu de Arte da Pampulha, em Belo Horizonte, entre outros. Em meados do ano passado, recebeu o Prêmio Pipa, o mais importante da área no Brasil. Seu currículo elenca, entre outras, uma mostra individual no Centro Cultural São Paulo (Três Guerras no Peito, 2020) e coletivas no MAM Rio (Atos de Revolta, 2022) e Sesc Belenzinho (Dos Brasis, 2023).
Luana explica que as escolhas feitas para a exposição no museu de Curitiba refletem também o desejo de fazer seu primeiro livro, que “se estende para fora da mostra, de modo A pensar outras relações do trabalho” ao longo de sua trajetória. “É como um gesto de olhar para trás, e ver um pouco tudo eu havia feito, puxar alguns pontos que ficaram meio soltos no tempo”, diz. A artista optou por não chamar um curador para conceber a exposição ou escrever o livro. Também preferiu convidar a cantora Anelis Assunção para assinar o texto crítico da mostra.
“Eu não queria que a exposição fosse pensada exatamente a partir de um olhar curatorial. Então não há curadoria, mas queria alguém que tivesse um olhar, uma maneira de imaginar a matéria junto comigo”, diz. “E a Anelis tem uma maneira de narrar que está entre a realidade e o delírio. E eu descubro, mesmo ancorada na realidade da matéria, outros caminhos que ela, a matéria, pode fazer no imaginário”. Prevista para ser lançado em fevereiro, a publicação trará também textos de Hélio Menezes e Diane Lima, que fizeram parte do quarteto curatorial da 35ª Bienal de São Paulo, da filósofa Denise Ferreira da Silva e de Valentine Umansky, curadora do Tate.
À arte!brasileiros, Valentine afirma que se sente “impressionada com a qualidade elementar dos trabalhos de Luana Vitra, que muitas vezes parecem movidos por uma força energética fundamental”. E antecipa a primeira frase de seu texto no livro a ser lançado:
Caí no trabalho da Luana Vitra como quem cai numa armadilha. Até os joelhos. De cabeça baixa. Meu pé ficou preso na rede dela, e não consegui escapar. Não a conhecia. Mas não tive como resistir. Como o ferro nas pedras, ele penetrou no meu sangue e me ensinou a enferrujar.
LUANA E O MUPA
Gabriela Bettega destaca que os desenhos e as esculturas da exposição, feitos de ferro, cobre, chumbo, latão e aço, ressoam com os objetos do acervo, mas ao mesmo tempo subvertem suas leituras convencionais. “A interação entre a obra de Luana e o acervo do MUPA não apenas provoca novas formas de enxergar o território e seus vestígios, mas também questiona como o passado é narrado e quais vozes, humanas ou minerais, são silenciadas ou amplificadas, colocando o museu como um espaço vivo de ressignificação”.
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Vale lembrar que, nos últimos anos, o MUPA tem abraçado propostas que estimulam o diálogo interdisciplinar e a articulação de diferentes campos do conhecimento. Nesse sentido, Richard Romanini, Diretor Artístico do MUPA, considera que trabalho de Luana amplia essas perspectivas ao propor novas formas de pensar a relação entre passado, presente e futuro, enriquecendo as possibilidades de engajamento com o público e de abordagem das questões que moldam o território e as práticas contemporâneas da instituição.
“A exposição de Luana Vitra dialoga com o percurso traçado pelo MUPA desde 2019 ao reforçar e expandir a proposta do museu como um espaço de reflexão crítica e interdisciplinar sobre as múltiplas narrativas históricas e culturais. Seu trabalho ressoa com essa abordagem ao explorar narrativas que atravessam tempos e espaços, promovendo reflexões sobre história, território e memória”, pondera.
Romanini também ressalta que Luana convida o público a enxergar o solo como “uma entidade viva”, carregada de vozes e camadas de significados. “Esse gesto dialoga diretamente com a prática do MUPA de revisitar continuamente seu acervo e memória, ao mesmo tempo em que propõe novas formas de contar histórias e integrar saberes contemporâneos e ancestrais.”
Luana conclui que é muito interessante observar quando as pessoas olham as suas criações e não necessariamente me perguntam o que elas são. “Elas começam a fabular o que aquilo poderia ser. Minha obra fica neste limite da abstração, um campo que se abre para a pessoa refletir e destrinchar o que ela poderia ser”, diz.
Em novembro de 2024, na celebração do 22º aniversário do Museu Oscar Niemeyer (MON), foi inaugurada a exposição “Afinidades III – Cochicho”. Com curadoria de Marc Pottier, o artista Luiz Zerbini apresenta mais de 44 obras, entre pinturas, aquarelas e monotipias, dialogando com artistas paranaenses do acervo do MON, como Guido Viaro, Miguel Bakun, Bruno Lechowski, Guilherme William Michaud e Theodoro de Bona. Zerbini traz um olhar delicado e intimista sobre a natureza. Para ele, “cochicho é uma conversa ao pé do ouvido ao ar livre, entre artistas paisagistas que passaram muitas horas sozinhos. É uma oportunidade de dar voz ao silêncio”.
arte!: A sua última exposição no CCBB do Rio de Janeiro foi uma retrospectiva de quantos anos? Zerbini: Foi a primeira retrospectiva que eu fiz. Tem um trabalho lá que eu fiz em 1976. Eu tinha 16 anos. É uma pinturinha. Eu não era nem artista naquela época. Então, cobre 40 anos. arte!: Você era o quê? Zerbini: Eu era talvez um estudante de arte ainda. A Clarissa [Diniz, curadora] botou que a exposição cobria 50 anos de carreira, mas eu não acho isso muito verdadeiro. Apesar de ser verdade, eu não me considerava artista naquela época. arte!: Com 16 anos. E quando você decidiu que era artista? Zerbini: Eu não decidi ainda. Não sei, não teve esse momento. Quando entrei para a FAAP nos anos 1980, foi um marco, mas fiz vestibular para Direito e História, e acabei seguindo Artes Plásticas. Naquela época, não era exatamente uma profissão ainda. Era muito difícil conseguir viver de arte. Então, eu fazia porque gostava. Aprendi a misturar tintas. Fazia aula de pintura com o Jose Antonio Van Acker, um pintor de São Paulo. Depois, frequentei a casa dele, ficamos amigos, e eu ficava olhando ele pintar, sabe? Antes de entrar na faculdade, onde entrei e saí várias vezes. A faculdade foi um lugar difícil para mim, difícil de me adaptar, sabe? Eu já fazia o que faço, e ninguém dava valor, porque tinha os abstratos, concretos, neoconcretos. Eu era figurativo já naquela época. Foi uma época de crise de identidade. Travei. Passei cinco anos sem fazer nada. Só em 85 fiz minha primeira exposição individual na galeria Subdistrito.
Eu trabalhava com a Subdistrito Comercial de Arte, a galeria do João Satamini, em São Paulo. Muitos artistas trabalharam lá. Me lembro da Casa Sete, por exemplo. Era tudo muito confuso. Achei que poderia viver de arte. O valor era muito baixo e logo depois vi que não dava. Apesar de ter vendido todos os trabalhos dessa primeira exposição, logo depois já não tinha mais, quer dizer, não tinha produção para poder me sustentar.
arte!: Em que momento você sentiu um diferencial no seu trabalho, um traço singular? Zerbini: Eu nunca tive essa consciência, mas vejo que as pessoas percebem em um certo momento, em épocas diferentes, cada um me descobre em uma época.
Por exemplo, me reconheço nessas pinturas que têm aqui, aqui tem a essência do que eu faço, desde que eu comecei a pintar. Pintura pequenininha, pintando uma paisagem. Não tem galeria, não tem museu, não tem nenhuma outra preocupação que não seja o prazer de estar pintando. É a origem de tudo, sabe?
É meio como se fosse o DNA do artista que depois vai se espalhando por várias outras técnicas, vai para as gravuras, pinturas grandes ou instalações, mas tudo começou nessas pinturinhas. Tudo começou no fato de eu gostar de pintar, de eu gostar de pintar natureza.
arte!: Hoje você se sente tolhido ou pressionado pelos galeristas, pelos prazos de exposições? Zerbini: Não. Tive a sorte de trabalhar com três galerias muito boas: Fortes D’Aloia & Gabriel, Sikema Jenkins, em Nova York, e Stephen Friedman, em Londres. São galeristas que trabalham bem juntos, então dá certo. Não sinto essa pressão.
arte!: E a sensação tua é de total liberdade? Eu vi uma essência no livro Sábado, Domingos e Feriados, publicado pela editora Cobogó, cujas pinturas estão aqui na exposição que me surpreendeu, porque eu tinha em mente a obra A primeira Missa, que foi capa da arte!brasileiros #26 em 2014.
Zerbini: É porque tem uma coisa que acontece nas pinturas grandes, que elas estão sempre na escala de um para um. É quase que o tamanho real de cada coisa. E o meu ateliê antigo era pequeno, não tinha muito recuo. Então, eu ficava sempre muito perto da tela. Eu não podia ver lá de longe. Quase tudo que eu ia fazendo tinha seu tamanho original. Uma garrafa era do tamanho de uma garrafa. As coisas todas estavam no alcance da mão, sabe?
Então, quase todas as pinturas grandes, se você for ver, quase tudo tem a escala real, o que é uma coisa meio louca mas determinou um padrão para as pinturas grandes. Eu não consigo fazer menor, realmente não consigo.
arte!: Mas isso acaba sendo uma necessidade da tua obra. Essa é a grande diferença, o lugar real do valor da obra do artista. Não tem isso de “eu quero uma obra de 25cm x 80cm porque fica melhor sobre meu sofá”.
Zerbini: Ah, isso aí a gente nem discute, né? É uma outra questão, eu nem penso nisso!
arte!: Qual será o próximo passo, depois dessa retrospectiva?
Zerbini: Sinto que trabalhei a vida toda pra chegar neste momento. Agora eu tenho a possibilidade de fazer quase tudo que eu gostaria, entendeu? Até, por exemplo…
arte!: Ficar um ano sem fazer absolutamente nada?
Zerbini: Não, isso não consigo. Isso não dá. Não, porque a minha sobrevivência está ligada ao fato de eu trabalhar, senão eu acho que eu enlouqueço. A minha sanidade está ligada a uma rotina do ateliê. Agora estou morando no ateliê, o trabalho vai em paralelo a vida, não consigo parar para descansar, descansar de que? OK, estou cansado, estou trabalhando muito, mas o que move a minha vida é o trabalho, sabe?
arte!: Você pensou em alguma vez sair da pintura e fazer algum outro tipo de…
Zerbini: Ah, então, você perguntou o que me motivava a fazer outras coisas, eu acho que é a curiosidade. Por exemplo, o negócio da monotipia me levava a pesquisar novas técnicas. Sou um cara curioso pelas técnicas, por entender cada técnica que aprendo e vou fundo nela. Essas monotipias, influenciaram a pintura.
Antes de eu fazer monotipia a pintura era diferente. Esse tipo de cor chapada que você vê aqui agora, foram aparecendo nas pinturas. As pinturas vieram depois.
Existe uma contaminação, o tempo inteiro pego coisas que vou aprendendo nas outras técnicas e misturando e criando relações. Gosto de ficar criando relações, criando pensamentos que se completam. E usando tudo que tenho como material. O material é o mundo. Essas coisas que estão aqui no chão, por exemplo, que parecem lixo, é minha coleção pessoal. São coisas que catei na praia durante a vida toda. Está tudo catalogado lá no meu ateliê. Então, cada uma dessas coisas tem uma memória afetiva de onde eu estava quando peguei. Você vai meio que construindo um mundo, que é aquele seu mundo, assim, sei lá, onírico.
Gosto de observar as coisas, sabe? Eu presto atenção nas coisas, desde sempre eu gosto de ficar olhando como as coisas são, me reparando, gosto de ficar olhando e acompanhando as formigas. Ficar vendo insetos, ficar vendo as plantas. Desde pequeno.
De observar como a planta funciona, como a folha desenrola, como a raiz entra na terra. Observar as coisas e pensar sobre elas. Na exposição do CCBB tem o que a Clarissa chamava de “paisagens ruminadas”, que é meio essa ideia de ficar ruminando, repensando. É diferente de ter uma antropofagia que você engole e bota para fora. Eu não chego a engolir, eu fico só ruminando, aquele negócio que fica na boca, sem transformação. Ela não vai lá no fundo, se transforma em outra coisa e volta transformada, ela fica meio na superfície. Você fica meio pastando ali, né?
Naquela exposição que eu fiz no MASP tinha um trabalho que chamava Massacre de Haximu. Você lembra desse? O Massacre de Haximu foi um massacre que aconteceu em 1993, quando os mineradores invadiram a terra Yanomami e mataram a aldeia toda. Mataram todas as mulheres e crianças. Até hoje, dizem que foram 16 pessoas. Uns dizem 16, outros dizem que foram 80 pessoas. Então, o número é meio controverso. E eu fiz a primeira missa que é essa que tem a indígena na capa da arte!brasileiros, comissionado pelo Adriano Pedrosa [curador do MASP]. Eu não queria fazer porque eu não me interessava pela primeira missa, não tinha interesse nenhum pela primeira missa. Mas aí eu vislumbrei a possibilidade de fazer sob o ponto de vista das pessoas que moravam aqui. E depois resolvi fazer essa sobre o massacre de Haximu. Só que o massacre dos Yanomamis, esse povo maravilhoso e incrível, a gente depende hoje em dia deles, entendeu? Eles têm a solução, eles têm o caminho das pedras e a gente poderia aprender muito com eles, né? E aprendemos ainda, mas poucas pessoas prestam atenção nisso. Quando fiz essa pintura, eu não gostaria de ter feito uma pintura sobre os Yanomamis que fosse o massacre de Haximu. Onde você os coloca em uma situação de vítima, quando eles são o oposto, não são vítimas, ao contrário eles são o povo, os homens, os Yanomami. O homem, o ser humano, uma coisa maravilhosa. E a cultura toda é riquíssima, então, eu não faria isso. Mas era 30 anos da TI Yanomami, da terra indígena Yanomami, e eram 200 anos da Independência e 100 anos da Semana de 22. Então era uma data… Aí eu falei com o Bruce Albert, que foi quem escreveu A Queda do Céu com o Davi Kopenagua. Falei, Bruce, eu não quero fazer essa pintura, entendeu? Eu estava com a ideia de fazer, mas fiquei na dúvida. Aí ele falou com o Davi e eles chegaram à conclusão que era para ser feita. “Você tem que fazer porque tem o aniversário, é importante, os garimpeiros estão voltando para lá agora e você tem que fazer”.
E aí eu fiz. Enquanto eu estava fazendo, eu estava tratando esse tema como uma coisa que tinha acontecido em 1993. E aí, durante a feitura da pintura, eu vi no jornal que a pessoa que tinha feito o massacre, que tinha um facão, que tinha matado todo mundo no facão, e que foi condenado a 18 anos de prisão tinha saído da cadeia, ninguém sabe como, e ele tinha voltado durante esse tempo à Terra Yanomami, fazendo a mesma coisa, só que agora com balsas grandes.
Então, eu estava tratando aquele crime como um crime do passado, só que o crime estava se repetindo de novo o tempo inteiro. Então, meu compromisso é com… Ah, sei lá.
arte!: Tudo é político, mas nesse trabalho você conseguiu exprimir algo que te impactou.
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Zerbini: Sim, e que estava acontecendo de novo, eles estão garimpando no rio de novo. Todo mundo passando fome e as águas todas contaminadas.
Naquela parede lá, tem quatro pinturas de araucária. A menorzinha é a minha. Eu fiz aquela pintura sem saber que eu ia expor aqui. Aquilo é um exemplo de que são pintores que gostam de pintar a natureza e que gostam da floresta, que gostam da vida. É uma celebração, tudo é sobre a natureza. Igual o Michaud, as aquarelas do Michaud ali, tem dois desenhos ali.
Uma delas é a casinha onde ele morava. Ele morava na praia, então é meio sobre esse universo, tem uma certa nostalgia nesses trabalhos.
arte!: Nostalgia do quê?
zerbini: Nostalgia do tempo em que as coisas pareciam esperança, né? Ou que a gente não estava vivendo o que a gente tá vivendo agora. A gente tá vivendo o fim do mundo. O fim do mundo não, o fim da existência humana. Aquelas pessoas, os pintores dos anos 1950, eles não tinham essa preocupação. Não tinha emergência climática, não tinha aquecimento global, não se pensava nisso. Até já se pensava, mas não era uma coisa iminente.
arte!: Uma coisa que eu senti é um certo silêncio.
Zerbini: Ah, sim, é. A ideia de Cochicho, o nome da exposição, vem disso. É como que não é um diálogo para você falar abertamente ou fazer. Não é panfletário, entendeu? É uma conversa entre dois pintores. Eu me coloco do lado do Bacum, por exemplo, ele está pintando uma araucária e eu estou aqui.
E a gente está conversando sobre a pintura, sabe? Sobre as cores, sobre a natureza, sobre, sei lá, temperatura. “Tá frio”, entendeu? “Vamos tomar um cafezinho”, sabe? Uma coisa muito íntima, muito cotidiana, né? E é isso. Eu acho que é meio saudosista, talvez. Saudosista não, qual foi a palavra que eu usei mesmo?
pat: Você usou nostalgia. Eu te perguntei do que, porque eu tenho um pouco dessa sensação, perante o acúmulo absurdo de imagens, informações e falas permanentes. E isso aqui é como se a gente pudesse dizer não.
Zerbini: O silêncio fala. O silêncio provoca o raciocínio e o pensamento. Eu acho que é o caminho mais sensível para você conseguir alcançar alguma coisa que você quer. Tem que ir por um caminho sensível, tem que sensibilizar as pessoas. E as pessoas se sensibilizam nessa nostalgia, sabe? Numa beleza, né? Tem uma beleza da natureza que é outra, que não é necessariamente
arte!: Da forma.
zerbini: Sim, exatamente. E tem uma memória também da época, do lugar onde eu estava e da época, e com quem eu estava. Então, por exemplo, essa pinturinha aqui com rosa, é aquele galho ali, tá vendo? Então, aquele galho ali, eu estava passeando de canoa no mar e numa pedra vi cores, tinha uns plásticos pendurados e tal. Fui com a canoa, parei, desci e fiquei arrancando. Achei lindo, botei na canoa e levei para casa. Quando cheguei em casa, coloquei na mesa e pintei. Tenho uma relação afetiva com esse negócio íntimo. Uma memória que você escolheu. Então, eu lembro dessas coisas.
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arte!: Você fez análise alguma vez?
Zerbini: Como ferramenta. Sim, fundamental. Me salvou e me salva até hoje.
arte!: Muito bom. Do quê?
Zerbini: Me salva do quê? De mim mesmo. Do que seria.
As pinturas apresentadas na exposição foram publicadas no livro Luiz Zerbini, sábados, domingos e feriados. Org. pelo Tiago Mesquita. Editora de Livros Cobogó, 2023,
Soube de algumas críticas ao projeto e quero dizer que gostei muito dele. Em primeiro lugar, porque assume seu caráter de coadjuvante do edifício original, referência internacional que dispensa comentários, sem, contudo, exprimir nenhuma intenção de desenho, identidade e personalidade. Pelo contrário, nesse sentido é muito corajoso, acerta o caminho sobre um fio de navalha entre o adequado e o equivocado.
Em segundo, porque alguns levantaram a bandeira de que o anexo deveria ter sido construído por dentro da fachada do Dumont-Adams. Ora, aceitar essa atitude é defender a ideia de que este programa não é bem-vindo a se apresentar, com sua cara exposta, no Olimpo da Avenida Paulista, espigão da cidade, e então precisa de uma máscara!
Como se não fosse digno de se perfilar entre uma variedade de joias e equívocos. Como se disséssemos que a arquitetura adequada de estar na Avenida Paulista fosse um prédio maneirista residencial. Ou como se colocássemos uma burca/um xador sobre a expressão de um programa quase inédito na Avenida, irmanado com seu correlato, o Instituto Moreira Salles. Lembrando um teatro infantil em que as mãos estão cobertas pela luva da chapeuzinho vermelho. Talvez, saudosos dos palacetes, agora se agarrem ao neoclássico.
Esses edifícios que enfrentam o tema do museu/centro cultural vertical se instalam na Paulista expressando sua personalidade em que afirmam, de forma contundente, que não são um prédio residencial, um hotel, a sede de um banco ou um edifício de escritórios.
Uma vez, na FAUUSP, ouvi uma linda aula do professor Artigas. Ele indagava se a fachada era uma simples extroversão da planta ou um desenho que se impunha à expressão dela. Essa indagação punha em discussão um tema candente da arquitetura sem estabelecer uma hierarquia ou apontar o correto caminho entre as duas alternativas a seguir, ou seja, vai da liberdade (e competência) do arquiteto enfrentar o tema e avaliar se houve sucesso em seu intento.
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Vejo esse edifício como a expressão de um fluído aprisionado dentro do prédio original que contém, como uma espécie de sangue, a energia e nutrientes das demandas reprimidas do programa (atividades didáticas, reserva técnica, ateliê de restauro etc.) e, agora, pode se comprimir no túnel de ligação e explodir (como aqueles hidrantes dos filmes americanos explodem ou como um vulcão) e ocupar um paralelepípedo virtual determinado pela memória do Dumont-Adams.
Portanto, juntamente com o SESC Paulista, um dínamo por sua programação e, também, uma bela e exitosa reconversão de prédio de escritórios de arquitetura sem valor à cidade e, principalmente, como o edifício administrativo da Estação da Luz, espaço frequentado por uma pequena população e, que às 18:30 se esvazia e apaga sua luzes e, por fim, mas não menos importante, o pioneiro Itaucultural, assim, como o Instituto Moreira Salles, um edifício construído do zero, vão desenhando a Avenida Paulista do futuro, com referências marcantes como o Conjunto Nacional (David Libeskind), a sede do Itaú (Rino Levi), a Paulicéia (Jacques Pilon e Gian Carlo Gasperini), a 5ª Avenida (Pedro Paulo Saraiva e equipe) e outros que estarão sempre ali. Enquanto alguns Dumont-Adams poderão dar lugar a soluções mais adequadas, de uma arquitetura mais comprometida com a expressão de seu tempo, como o quê o anexo enfrenta e se sai vitorioso.
Numa conversa com Paulo Mendes da Rocha, na IX BIAU/Bienal Iberoamericana de Arquitetura e Urbanismo, Eduardo Souto de Moura comentou que as pessoas lhe perguntavam que arquitetura deveriam fazer e sua resposta foi muito tranquila: “eu, por acaso, não sei!”. Qualquer demanda de arquitetura, eu penso, é um enorme desafio, pelo menos para mim. E relembro que Paulo Mendes da Rocha, na data de seu aniversário, dizia: “antes de mais nada, devemos saber aquilo que não devemos fazer!”. Que bom que a Avenida Paulista ganhou esse presente que só a faz mais bela e intrigante! Parabéns aos talentosos e competentes colegas arquitetos Martin Corullon, Gustavo Cedroni e Miriam Elwing, à calculista Heloísa Maringoni e ao MASP.
Por: Simonetta Persichetti e Rubens Fernandes Junior
Conhecer o Brasil através dos olhos de Thomaz Farkas (1924-2011) é uma experiência sempre enriquecedora. Um olhar atento, imagens que nos aparecem demonstrando o que nossos olhos sozinhos, ou desacostumados a ver, seriam incapazes de perceber.
O que mais fascina em suas fotografias é a sensação do divertimento, como se a descoberta do invisível fosse uma grande brincadeira para Farkas, como se ele ficasse feliz em poder nos ofertar a cada imagem um detalhe que seja inesperado e surpreendente.
Sua linguagem, que fica na fronteira entre a fotografia considerada clássica e a fotografia moderna, que busca novas formas de visualidade, terminou por criar seu próprio modo de fotografar.
Neste ano em que comemoramos o centenário de Thomaz Farkas, fomos convidados, para sermos os curadores de uma exposição em sua homenagem no MIS-CE.
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Uma exposição que teve como mote principal a afetividade que transparece em todas as imagens que o Thomaz coletou e produziu desde quando tinha 18 anos. Um olhar atento, acolhedor e que nos surpreende a cada instante.
Ele utilizou a imagem – fotografia e cinema – para conhecer o Brasil profundo. Começou a viajar e a filmar este país, não só para conhecê-lo, mas também para apresentá-lo aos brasileiros. Seu sonho era que o Sudeste conhecesse o Nordeste; o Norte, o Sul; e assim palmilhar este nosso território tão rico.
E foi a partir deste seu olhar, atento e politizado, técnico e esteticamente diferenciado, que organizamos a mostra que ocupou os três andares do MIS-CE. A pesquisa iniciou na biblioteca. Foi nos livros, nos romances, nos textos teóricos, nos guias de viagens, nos livros dos seus fotógrafos preferidos que Thomaz Farkas viajou, sonhou, articulou e elaborou seu imaginário fotográfico e de mundo. Além de seu universo imagético criou uma narrativa literária. Referências que criaram seu ambiente simbólico.
A Biblioteca Marly Mariano e Thomaz Farkas chegou há pouco tempo no MIS-CE, mas durante sua catalogação, foram aparecendo as dedicatórias, os bilhetes, recortes de jornais, fotografias, cartões postais e anotações diversas. Objetos improváveis, que dentro dos livros adquiriram um valor afetivo incomensurável. A descoberta de todo esse material, saltou à vista dos curadores, ativou a curiosidade, e deu mais nitidez e credibilidade à formação e ao percurso afetivo do artista.
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A exposição foi dividida ao longo dos três andares do museu e estabeleceu um caminho para desvendar o olhar e os interesses de Thomaz Farkas.
Na sala expositiva apresentamos as imagens de uma coleção de fotografias de sua autoria, a partir dos diferentes ensaios que produziu no seu período áureo de criação – ensaio modernista, ensaio surrealista com os amigos a Escola Politécnica, ensaio sobre Brasília, antes e durante sua inauguração, ensaio sobre dança, ensaio sobre o Nordeste brasileiro.
Na biblioteca selecionamos para as vitrines alguns dos livros mais emblemáticos e seus objetos agregados, que saíram da obscuridade e do silêncio, para adquirir uma ritualização luminosa. Tentar entender as possíveis conexões entre o livro e os seus objetos, somados às dedicatórias, torna-se um exercício de criação.
Mas é na sala imersiva que o deslumbre acontece pelas mãos, olhos e sensibilidade do Wellington Gadelha e sua equipe. Lá Thomaz Farkas aparece misturado em todas as suas imagens, falas e sons. Uma verdadeira e potente homenagem audiovisual.
Conhecer o Brasil pelos olhos de Thomaz Farkas é ter acesso a uma nova possibilidade de entender a infinita diversidade de olhar. De conhecer e compreender que a fotografia é sim uma forma de conhecimento e de reflexão.
A exposição “Thomaz Farkas – A beleza diante dos olhos” permanecerá em cartaz até 21 de novembro. Confira os horários de visitação: Quartas e quintas: 10h às 17h30 Sexta a domingo: 13h às 19h30 Entrada gratuita
Um novo espaço museológico deve chegar a Curitiba (PR) em 2025, na esteira de um projeto inédito de inovação urbanística: o complexo da Fábrica de Ideias. O cenário são as centenárias instalações da antiga fábrica de cervejas da Ambev, no bairro Rebouças (zona central de Curitiba), desativada desde 2016, que vão abrigar uma extensão do Museu de Arte Contemporânea (MAC) em uma simbiose ousada com um gigantesco hub de tecnologia e inovação de 35 mil m2 (cujo investimento, anunciado pela Audi do Brasil, é da ordem de 300 milhões de reais), um projeto integrante do programa estadual Paraná Competitivo.
A Fábrica de Ideias é definida como um polo que reunirá, além de empresas de tecnologia, startups, centros de pesquisa e instituições governamentais, espaços para aceleração de negócios, economia criativa, qualificação profissional, pesquisa tecnológica e coworking. O espaço também prevê um novo centro cultural e gastronômico, além do apêndice museológico do MAC. O futuro centro de inovação também irá respirar cultura, promovendo a revitalização de um espaço sem uso há anos. A extensão do Museu de Arte Contemporânea (MAC) do Paraná terá 6.492,86 m² e abrigará mostras temporárias. Inaugurado em 1970, o MAC funciona em um prédio na rua Cândido Lopes, tombado pelo Patrimônio Histórico e Artístico do Estado. Possui 1,8 mil obras de artistas contemporâneos. Em 2019, o governo estadual iniciou uma reforma no edifício-sede do museu, que estava em péssimo estado. Fontes informaram que uma empreiteira que perdeu a licitação para revitalizar o prédio entrou com uma ação judicial e paralisou a obra. A reforma, que deveria durar 18 meses, está até hoje em compasso de espera. Nesse período, o acervo foi abrigado no Museu Oscar Niemeyer (MON), onde se encontra atualmente.
Também está sendo anunciada a criação de um novo equipamento cultural no complexo, o Museu da Comunicação e Inovação, com 1.577,36 m². A Fábrica de Ideias contará com auditório para 250 pessoas, uma praça integrativa entre os espaços que se propõe a aproximar arte, comunicação e inteligência artificial, com uma área voltada especificamente para tecnologia, segundo material de divulgação do projeto.
O projeto arquitetônico que permitirá essa integração entre diferentes atividades e ações urbanas é do escritório Ricardo Amaral Arquitetos Associados e as obras terão início já no começo de 2025. “Cada linha desenhada, cada escolha de material é uma celebração da inovação e do futuro”, afirmou o arquiteto do projeto, Ricardo Amaral. A antiga fábrica vai ser objeto de um projeto de retrofit, com as estruturas existentes sendo renovadas e adaptadas para os novos fins, além de o terreno abrigar novos edifícios. A antiga fábrica da Ambev foi, originalmente, sede das cervejarias Gloria e Atlântica, adquiridas posteriormente pela Brahma, e é cadastrada como Unidade de Interesse de Preservação (UIP) pelo município de Curitiba.
A intervenção da Fábrica de Ideias, com a preservação da paisagem industrial típica da região, pretende justapor passado e futuro em um projeto de desenvolvimento tecnológico. A primeira etapa do projeto, que envolve o retrofit do espaço existente, está prevista para começar já no início de 2025. Retrofit é uma técnica de revitalização de construções antigas, adaptando-as às necessidades atuais.O imóvel, localizado na superquadra entre as avenidas Getúlio Vargas e Iguaçu, será inicialmente revitalizado (o terreno possui mais de 50 mil metros quadrados no total, com 34 mil metros quadrados de área construída).
O escritório Ricardo Amaral Arquitetos Associados atua desde 1976, em Curitiba, e desenvolve projetos também em outros Estados do Brasil e no exterior, com ênfase no planejamento, gerenciamento e fiscalização de obras. Seu portfólio inclui planejamento estratégico para o setor de incorporação, arquitetura de interiores, projetos urbanísticos, hoteleiros, aeroportuários, industriais, comerciais, residenciais e esportivos, sempre utilizando o que há de melhor na inovação e tecnologia.
Os muros da Fábrica de Ideias serão pintados com imagens de figuras que marcaram a história do Paraná, entre eles os irmãos André e Antônio Rebouças, que dão nome ao bairro e foram os engenheiros responsáveis pela construção da linha férrea ligando Curitiba ao Litoral; o físico e cientista curitibano César Lattes e o precursor da aviação Alberto Santos Dumont, que foi um dos responsáveis pela criação do Parque Nacional do Iguaçu. O centro gastronômico do complexo se chamará Alfred Agache, homenagem ao arquiteto que criou o plano de urbanização de Curitiba.
Nesta edição da arte!brasileiros, damos a conhecer no Brasil, em língua portuguesa, dois capítulos de um texto do curador e crítico de arte espanhol Agustin Pérez Rubio, ex-diretor do MALBA (Argentina) e cocurador da 11ª Bienal de Berlim, realizada em 2020. Fizemos esta escolha a partir do trabalho excepcional que ele e a artista Sandra Gamarra realizaram como representantes do Pavilhão da Espanha na Bienal de Veneza de 2025, Estrangeiros por toda parte, que se encerra em 24 de novembro deste ano.
O trabalho da peruana Gamarra, residente na Espanha, traduz de maneira contundente o debate sobre a colonização e o seu papel na América, onde milhares de indígenas, aqui nascidos, e afrodescendentes, trazidos sob regime escravo da África, de Portugal e outras colônias, foram mortos ao longo dos séculos de presença europeia.
Este editorial leva o título de um dos capítulos do livro de Ariella Aïsha Azoulay, História Potencial, que Fabio Cypriano resenha, e no qual ela propõe, entre outras coisas, a importância de “desaprender a violência original do imperialismo”. Repensando o olhar, os vocabulários e conceitos utilizados para entender o que efetivamente conseguiram as revoluções, como a Americana e a Francesa, responsáveis por uma época, em comparação, por exemplo, com o que foi logrado com a revolução haitiana anti-imperialista.
Tudo o que se diga, hoje, sobre povos originários, racismo estrutural e dominação econômica cultural será pouco para entender a dificuldade de traçar um novo caminho para nossos países, carentes de uma revolução sequer burguesa, e onde a desigualdade econômica e social atingiu raças, culturas e religiões.
Cypriano também faz uma crítica do 38º Panorama do MAM, hoje albergado no MAC USP devido a reformas no Parque Ibirapuera. A exposição reflete um excelente trabalho de jovens curadores e artistas, que trazem para os museus a voz das ruas.
Não por acaso, há mais de dez anos a arte!brasileiros escolheu uma estética e didática interdisciplinar para falar de arte. Impossível falar de arte sem estar a par da atualidade. A arte não escapou nem escaparia às tradições escravocratas, nem à sua denúncia. A arte, como às vezes digo, é um pretexto.
As bienais, exposições e os simpósios, nascidos no começo do século XX, estão, cada vez mais, buscando novos formatos para abrigar movimentos culturais que possam dar conta das novas narrativas contra hegemônicas por um lado, assim como das manifestações sociais em constante movimento.
Maria Hirszman visitou e compilou quatro exposições em cartaz, que propõem, a partir de diferentes perspectivas, preencher apagamentos da história sobre a importância da presença africana no Brasil.
Eduardo Simões esteve presente no seminário Ensaios para o Museu das Origens: políticas da memória, organizado pelo Instituto Tomie Ohtake, e escreve sobre a conferência Museo del Barro e Museu das Origens: crítica instituinte e políticas da memória na América Latina, com Ana Roman, Izabela Pucu, Lia Colombino e Paulo Miyada, e de que também participaram Gleyce Kelly Heitor e José Eduardo Ferreira Santos, como debatedores.
Uma experiência muito animadora deste segundo semestre foi o Sertão Negro Ateliê e Escola de Artes, iniciativa idealizada pelo artista Dalton Paula e pela pesquisadora Ceiça Ferreira, em Goiânia, no ano de 2021. Ceiça, Luciara Ribeiro e Vitória Soares, integrantes do espaço artístico e cultural, escrevem sobre as propostas do lugar, que envolvem “diálogos entre as artes visuais, sertões e o cerrado a partir dos saberes tradicionais de base afro-brasileira e africana”.
Com pesquisa e olhar atento buscamos colaborar com a reflexão e divulgar um cotidiano da arte e da cultura – nacional e internacional – sempre preocupados em pensar seu tempo e seu entorno. Os que prezamos pela civilização estamos sempre à procura de novas equações de convivência e, fundamentalmente, novas derivas e possibilidades de intervenção. Boa leitura!