Carlos Pasquetti
Carlos Pasquetti, Trabalho sobre máscara de gás, 1972, Foto 24 X 18 cm

Há cinquenta anos era publicado o Ato Institucional no 5. O decreto, que suspendeu as garantias constitucionais no país, simboliza o momento de consolidação do regime militar e deixa profundas marcas na sociedade brasileira. O estado de exceção atinge não apenas as vítimas diretas do regime, que vivenciaram a tortura, a morte e o exílio, mas a sociedade como um todo. A ruptura da legalidade democrática leva à perda do direito de expressão, à autocensura, à instabilidade institucional, dentre outras consequências, cujos tentáculos se estendem até nossos dias. Para investigar os efeitos deste trauma no campo artístico, o Instituto Tomie Ohtake deu espaço à mostra “AI-5: Ainda não terminou de acabar”.

Tratou-se de uma exposição ao mesmo tempo arquivística e artística, histórica e contemporânea. A espinha dorsal do evento foram documentos, depoimentos, registros e obras reunidas ao longo de um ano de intensa pesquisa. Foram consultados cerca de 40 artistas, não apenas visuais mas de outros campos da cultura como a música e o cinema, na tentativa de criar um panorama mais amplo dos efeitos e respostas dados no período
pela sociedade. “É uma espécie de ensaio sobre relação de força entre campo criativo e forças autoritárias da época”, sintetiza Paulo Miyada, idealizador e curador da mostra. Abrangendo um período amplo, que vai desde 1964, ano em que se deu o golpe, até 1980, quando se inicia o processo de abertura, a mostra se divide em diferentes núcleos temporais.

Os quatro anos que antecedem o endurecimento provocado pelo AI-5 são vistos por Miyada sob a égide do conceito de “opinião”, que permeia uma série de iniciativas (exposições, show, teatro…) e sintetiza o caminho viável. Num período em que a ação político-partidária não era mais possível, restava a expressão das ideias e a noção de contracultura, de fortalecimento diante dos interditos, como forma de resistência. “Com o decreto a opinião foi criminalizada”, afirma Miyada, para quem essa geração ativa em meados dos anos 1960 representa o ponto de ápice e quebra de um projeto estético  ltamente engajado. Dentre as obras deste período estão a obra “Che Guevara Vivo ou Morto”, de Claudio Tozzi, que foi destruída por militantes de extrema direita no Salão de Brasília de 1967 (e posteriormente reconstruída pelo artista).

A partir do fortalecimento da censura, em 1968, algumas estratégias de escamoteamento foram sendo adotadas. Artistas como Cildo Meireles, Artur Barrio e Antonio Manuel passaram a incorporar estratégias de guerrilha, como a infiltração em outros sistemas, a clandestinidade, e uso da  ideia de morte como símbolo do momento político. Um dos destaques do núcleo foram os desenhos feitos na prisão por Carlos Zílio, que o artista concordou em mostrar apenas em 1996 e raramente foram exibidos.

Paulo Bruscky, Título de Eleitor Cancelado, 1976

Outras formas de dar continuidade à produção artística em ambiente tão hostil foram a adoção de uma certa marginalidade experimental, desafiando os códigos moralistas em vigor; o uso de um autonível de codificação como forma de autoproteção ou a utilização de circuitos alternativos como cineclubes e a arte postal. Artistas como Paulo Bruscky, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino (que comparece com um projeto, nunca realizado, de obra sobre os desaparecidos), Wlademir Dias Pino, Claudio Tozzi e Antonio Dias são alguns dos nomes contemplados. Falecido recentemente, Dias esteve presente com duas obras bastantes emblemáticas do período final da Nova Figuração: um caderno inédito que inicia ao chegar em Paris em 1968, no qual escreve, em referência à antológica série de pinturas negras: “Arte negativa, para um país negativo: pinturas inteiramente negras com apenas uma palavra em branco”, num claro processo de enlutamento, e a obra “Cabeças”, formada por urnas vedadas e pintadas de preto, dispostas como se fossem cabeças decepadas.

Encerrando a exposição, Miyada relembrou dois movimentos importantes de reafirmação da arte e da cultura brasileiras e latino-americanas, representadas por duas figuras centrais nesse processo de reflexão e sistematização da arte brasileira: o projeto elaborado por Mario Pedrosa para a reconstrução do MAM-RJ após sua destruição em um incêndio em 1978 e o Encontro de Críticos de Arte da América Latina, organizado por Aracy Amaral na Bienal, em 1981. E, para mostrar que trata-se de um problema mais amplo, com reflexos
evidentes nos dias atuais, incorporou um pequeno porém potente núcleo de arte contemporânea, no qual artistas como Paulo Nazareth, Matheus Rocha Pitta e Bruno Dunley, entre outros, lidam com essa cicatriz ainda aberta.

Carlos Zilio, Lute (Marmita), 1967

Nem a ideia da produção deste período como algo monolítico nem a possível crítica de que
o engajamento político é feito em detrimento de uma qualidade formal das obras sustenta-se diante de uma pesquisa detalhada como esta. A diversidade e a fertilidade se impõem e compõem uma trama bastante diversificada e rica. É como “um quebra-cabeças histórico”, diz Miyada que no ano passado já havia organizado “Osso”, uma exposição-apelo pelo direito de defesa de Rafael Braga. Inicialmente, sua ideia era tentar realizar uma ação em rede, envolvendo outras instituições, como forma de resposta ao discurso conservador e às ameaças crescentes a liberdade artística, como os movimentos capitaneados por uma certa “nostalgia do autoritarismo” exigindo o fechamento e à censura de exposições e peças de teatro, por exemplo. No lugar dessas parcerias institucionais, se fortaleceram os laços com a comunidade de pesquisadores – fundamentais no levantamento de dados – e artistas.


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